Género Romance.
Drama. Comedia | Comedia
romántica. Comedia dramática. Enfermedad. Basado en hechos reales. Cine
independiente USA
Calificación: +
12 años
Sinopsis Cuenta
la historia real de Kumail y Emily, una pareja que se conoce en un espectáculo
de comedia. Cuando parecía que todo iba a quedarse en un encuentro de una
noche, su relación empieza a avanzar a pesar de las diferencias culturales,
complicando las vidas de todos por las expectativas que tenían los padres de
Kumail, musulmanes estrictos. (FILMAFFINITY)
Premios 2017
Premios Oscar:
Nominada a mejor guion original
Premios Gotham:
Nominada a mejor guion
Festival de
Valladolid - Seminci: Premio Seminci Joven (ex aequo)
American Film
Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año
Premios
Independent Spirit: Mejor guion novel
Critics
Choice Awards: Mejor comedia. 6 nominaciones
Asociación de
Críticos de Chicago: Nom. Mejor guion y actriz sec. (Hunter)
Satellite Awards:
Nominada a mejor película y actriz secundaria (Hunter)
Sindicato de
Productores (PGA): Nominada a Mejor película
Sindicato de
Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guión original
Sindicato de Actores (SAG): Nominada a mejor
reparto y actriz sec. (Hunter)
Crítica
Los tuyos, los míos y el coma
Inspirados en
peripecias autobiográficas de su propia relación amorosa, Emily Gordon y Kumail
Nanjiani escribieron la historia de un standapero de origen paquistaní
(interpretado por el propio Nanjiani) que empieza a salir con una
estadounidense blanca, pero mantiene la relación oculta a sus padres, que
quieren que sea un buen musulmán y se case con una correligionaria. Este
detalle hace que la pareja se separe, pero entonces Emily se enferma y él debe
lidiar con otro par de padres: los de ella.
Comedia romántica
pasada por el tamiz de la llamada Nueva Comedia Americana (uno de los
productores fue Judd Apatow), The Big Sick -tal su título original- tiene el
espíritu de una sitcom pasada o algunas series actuales, con Seinfeld, Louie,
Love -otro producto con el sello de Apatow-, Togetherness o Master of None como
parientes posibles. Porque explora las relaciones de pareja, con las bambalinas
del mundillo de los standaperos -ahí están los esfuerzos de Kumail y sus
colegas por hacerse un nombre en el competitivo negocio de la comedia- como
telón de fondo.
El guión -que
consiguió la única nominación de la película al Oscar- oscila entre diálogos
divertidos y otros donde la autoconciencia de los personajes es exasperante.
Gran parte de los chistes pasa por la incomodidad de las situaciones, como
cuando en el hospital, mientras esperan noticias sobre la salud de Emily, el
padre de ella le pregunta a Kumail por su opinión sobre el 11-S y él responde:
“Fue una tragedia. Perdimos a 19 de nuestros mejores hombres”. El padre lo mira
sin poder creerlo.
La cuestión
racial tiene tanto peso como los vínculos familiares: Nanjiani denuncia la
islamofobia riéndose de ella, y sin por ello dejar de reírse de los preceptos
religiosos que su propia familia quiere obligarlo a seguir. A tal punto, que
las escenas de Kumail con sus padres, su hermano y su cuñada son de lo mejor de
la película.
Fallan los
protagonistas: ni Nanjiani (conocido por su papel en la serie Silicon Valley)
ni Zoe Kazan -mucho menos, Ray Romano y la sobreactuada Holly Hunter- son lo
suficientemente graciosos o queribles como para que The Big Sick despierte algo
más que una mueca de simpatía.
Productora Coproducción
España-Reino Unido-Alemania; Green Films / A Contracorriente Films / Diagonal
Televisión / Zephyr Films / ONE TWO Films
Género Drama |
Años 50. Drama de época
Calificación: ATP
Sinopsis En un
pequeño pueblo de la Inglaterra de 1959, una joven mujer decide, en contra de
la educada pero implacable oposición vecinal, abrir la primera librería que
haya habido nunca en esa zona. (FILMAFFINITY)
Premios 2017-18
Premios Goya:
Mejor película, dirección y guion adaptado. 12 nominaciones
Premios Feroz: 3
nominaciones, incluyendo Mejor director
Premios Gaudí:
Mejor dirección artística y Mejor música original. 12 nominaciones
Festival de
Berlín. Sección Oficial. Proyección Especial (Fuera de competición)
Premios Fénix:
Nominada a mejor diseño de producción y vestuario
Premios Platino:
Nominada a mejor película, dirección, guion y música
Critica:
Esta película
habla de esas sensaciones. Y lo hace con un lenguaje, unos matices, un tono y
una capacidad de sugerencia que me conmueven
Siento pereza
inicial al embarcarme en La librería, la última película de Isabel Coixet, ya
que, con la excepción de la preciosa Cosas que nunca te dije, mi desencuentro
con su cine ha sido permanente. La frase que encabeza su cartel publicitario
(“Entre libros, nadie puede sentirse solo”) es alentadora, pero también
discutible. Mallarmé comienza así un poema: “La carne es triste, así es, y ya
he leído todos los libros”. Conclusión desoladora y cierta en algunos casos
trágicos. Existieron y existirán sensibles devoradores de poesía y literatura
que acaban lanzándose al vacío, pudieron más la soledad y el acorralamiento que
la impagable ayuda y el gozo que proporcionan los libros. El primer encuentro
con ese codiciado libro siempre estará presidido por la magia, como describe
maravillosamente Italo Calvino en el arranque de Si una noche de invierno un
viajero. Esta película habla de esas sensaciones. Y lo hace con un lenguaje,
unos matices, un tono y una capacidad de sugerencia que me conmueven y que en
un par de modélicas secuencias protagonizadas por la entregada librera y un
hombre que ha acorazado su ancestral aislamiento y su supervivencia gracias a
las páginas impresas (en esa época ningún amante de los libros podría ni
querría imaginar esa cosa tan antinatural y gélida del e-book) logran que se me
humedezcan los ojos.
Isabel Coixet
adapta una novela de Penelope Fitzgerald (el apellido impone literariamente)
que desconozco, pero ansío leer. Su temática podrá parecer muy leve a los
espíritus intensos. Yo creo que es muy rica. Narra el empeño de una viuda por
abrir una librería en un pueblo de Inglaterra con nula empatía hacia la
necesidad o la pasión de leer. A ella ese acto le sirve para suplir carencias
afectivas, para vivir otras vidas, para soñar junto al mar con los personajes y
los sentimientos que habitan los libros, esos objetos en los que siempre
ocurren cosas. Los poderosos del pueblo, depredadores detrás de sus modales
aristocráticos, declararan soterrada guerra a esa dulce intrusa, convencida de
que lo que ella pretende vender puede suponer placer, conocimiento, aventura o
bálsamo para unos cuantos vecinos. Será ayudada en su laboriosa misión por una
niña imaginativa, inteligente, práctica y soñadora al mismo tiempo, y mantendrá
emocionante contacto con un misántropo anciano que lleva 45 años encerrado en
su mansión, alguien que me hace pensar en el estremecedor poema de Gil de
Biedma: “En un pueblo junto al mar, poseer una casa y poca hacienda y memoria
ninguna. No leer, no sufrir, no escribir, no pagar cuentas, y vivir como un
noble arruinado entre las ruinas de mi inteligencia”. Sin embargo, mi héroe sí
lee y también paga cuentas.
La librera le
descubrirá al excelso Ray Bradbury y sus Crónicas marcianas. Y la existencia
del misántropo anhelará la publicación de Las doradas manzanas del sol y El
vino del estío. Y el gran Nabokov desafiará a la moral convencional con la
turbadora y extraordinaria Lolita. Y se crearán vínculos muy hermosos entre
estos dos náufragos, que desearían haberse conocido en otra vida.
El pequeño
milagro de Penelope Fitzgerald
Coixet describe
todo esto con una delicadeza y un tono cercanos a la orfebrería. Imágenes,
diálogos, silencios, pequeños y reveladores gestos conviven en armonía,
arropados por una atmósfera magnética y veraz. Su intimismo es contagioso. Y la
historia que me han contado sigue conmigo durante el resto del día. Se supone
que ocurren pocas cosas, pero me ha tocado y reconozco en qué fibras
emocionales. La llevo dentro.
Productora Coproducción
Austria-Francia-Alemania; Les Films du Losange / X Filme Creative Pool /
Wega-Film / arte France Cinéma / France 3 Cinéma / Westdeutscher Rundfunk (WDR)
/ Bayerischer Rundfunk (BR) / Arte France / Canal+ / Ciné+ / Centre National de
la Cinématographie / France Télévisions / ORF Film/Fernseh-Abkommen /
Filmförderungsanstalt / Eurimages
Género Drama |
Familia
Calificación + 12
años
Sinopsis
La película gira
en torno a una familia burguesa que posee una empresa en Calais, al lado de los
campamentos donde viven miles de refugiados. (FILMAFFINITY)
Premios 2017
Festival de
Cannes: Sección oficial
Premios del
Cine Europeo: Nominada a Mejor actor (Trintignant) y Actriz (Hu
Crìtica
La última
película de Michael Haneke puede ser considerada como un compendio de todo su
cine al reunir todas sus obsesiones, críticas y recursos narrativos.
Haneke vuelve a
centrar su discurso en la crítica hacia esa burguesía ajena al dolor de los
demás que tanto le gusta retratar. Su desdén por las nuevas tecnologías también
está presente, solo que en este caso sustituye la televisión por móviles y
ordenadores y se preocupa por el poder nocivo que tienen aplicaciones como
Snapchat o Youtube.
En Happy End se
retoman ciertos personajes que de una forma u otra aparecieron en películas
anteriores, como la adolescente que graba imperturbable sus crímenes u otros
que es mejor que descubráis por vosotros mismos.
Los recursos
narrativos habituales también se repiten en Happy End. No podemos olvidarnos de
los planos secuencias, los largos silencios, la violencia simbólica (aquella
que es realizada fuera de cámara) o la total ausencia de explicación sobre lo
que estamos viendo.
A todo esto se
une el hecho de que Happy End es la película más autorreferencial de Michael
Haneke. Desde el comienzo asistimos a una película que gira en torno a las
obsesiones del cineasta austriaco. “Benny’s Video” es la primera de muchas
referencias, entre las que se pueden encontrar guiños a otras como “Funny
Games”, “La Cinta Blanca”, “Caché (Escondido)” o “La Pianista”. Aunque la
referencia más clara e impactante es “Amor” al ser Happy End una especie de
secuela espiritual de la película que le dio un Oscar.
Reparto Jeremy
Renner,Elizabeth Olsen,Julia Jones,Graham Greene,Jon Bernthal,
Matthew Del Negro,Kelsey Chow,Gil Birmingham,Ian Bohen,Martin Sensmeier, Hugh Dillon,Eric Lange,Mason D. Davis,James Jordan,Teo Briones,Tara Karsian
Productora Thunder
Road Pictures / Acacia Filmed Entertainment / Film 44 / Ingenious Media / Savvy
Media Holdings / Star Thrower Entertainment / Synergics Films / Wild Bunch /
Voltage Pictures / Tunica-Biloxi Tribe of Louisiana. Distribuida por The Weinstein Company
Género Thriller.
Intriga | Policíaco. Crimen. Basado en hechos reales
Calificación: +
15 años
Sinopsis
Una joven agente
del FBI se alía con un veterano rastreador local para investigar el asesinato
de una joven ocurrido en una reserva de nativos americanos... (FILMAFFINITY)
Premios 2017
Festival de
Cannes: Mejor director (Un Certain Regard)
Festival de
Karlovy Vary: Premio del Público
National Board of
Review (NBR): Mejores películas independientes del año
Sindicato de
Directores (DGA): Nominada a mejor nuevo director
Satellite Awards:
Nominada a mejor actor (Jeremy Renner)
Critica
Taylor Sheridan
había dado mucho que hablar con su guión de Sin nada que perder, la película
que fue candidata al Oscar este año y que había tenido su debut en Cannes 2016.
Tomaba la realidad social estadounidense envuelta en un thriller con aspecto de
western. También libretista de Sicario, de Denis Villeneuve, debutó como
director con Viento salvaje…, que pasó por el Festival de Sundance y explotó en
Cannes 2017, en mayo.
Todo lo bueno que
podía intuirse en Sin nada que perder, perdura en Viento salvaje. Hay una
disputa entre una comunidad indígena, un hombre blanco que los conoce bien y es
su lazo, y… los otros.
Entre ellos, una
agente del FBI que recién comienza (Elizabeth Olsen, de Martha Marcy May
Marlene) se úne a un cazador de coyotes (Jeremy Renner) en la investigación del
asesinato de una joven en una reserva indígena. Ambos coincidieron en Capitán
América: Civil War.
Pero esto es otra
cosa…
Nada es ni será
lo que parece. Cory Lambert es tan certero con su arma que parece que tuviera
la mirada siempre fija en algo. Renner lo va construyendo a partir de actitudes
y, sí, miradas. A su personaje también le pasó algo similar a lo de los padres
de la chica asesinada, que le destruyó su vida y su matrimonio.
Hay una compañía
de petróleo operando allí, en territorio indígena. Y muchos indicios de que
algo grave sucedió. No contemos más.
Uno de los
méritos de Sheridan como guionista es que va sumando apuntes, tensión, y cuando
todo parece que va a estallar, bueno, deja que estalle. Hay quienes ya lo
comparan con Sam Peckinpah, lo que suena a demasiado, o con Tarantino, pero el
humor del director de Kill Bill es muy diferente al que puede destilar
Sheridan.
Hay un excelente
trabajo de cámara y de iluminación, que recortan los paisajes nevados, que
aportan a la historia, tal vez no tan redonda como la de Sin nada que perder,
pero que impacta, conmueve, atrapa y no suelta al espectador ni siquiera hasta
llegar al desenlace.
Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios
gratis
Título original Las
herederas
Año2018
Duración 97 min.
País Paraguay y
otros
Dirección Marcelo
Martinessi
Guion Marcelo
Martinessi
Fotografía Luis
Armando Arteaga
Reparto Ana
Brun,Margarita Irún,Ana Ivanova,Nilda González,María Martins,Alicia Guerra
Productora Coproducción
Paraguay-Alemania-Brasil-Noruega-Uruguay; La Babosa Cine / Pandora Film /
Mutante Cine / Norsk Filmproduksjon A/S / Esquina Filmes
Género Drama |
Homosexualidad
Calificación: +
12 años
Sinopsis Narra la
historia de dos mujeres de alta alcurnia de la sociedad paraguaya que heredaron
suficiente patrimonio para vivir cómodamente. Pero a sus 60 años, el dinero ya
no alcanza y la situación de ambas cambia. (FILMAFFINITY)
Premios 2018
Festival de
Berlín: Premio Especial del Jurado, mejor actriz (Brun) y FIPRESCI
Premios
Fénix: 7 nominaciones incluyendo mejor película, director y guion.
Critica:
Las herederas
(Marcelo Martinessi, Paraguay, en coproducción con Alemania, Brasil, Francia,
Noruega y Uruguay), de alguna manera, ya está de vuelta de la noción de lo
convencional como “normal”. Lidia con una pareja de veteranas lesbianas, pero
en ningún momento la homosexualidad es un tema. Tiene que ver con el desgaste
de la relación, en la que Chela empieza a sentirse usada por Chiquita. Tiene
que ver con una situación vital estancada que, de pronto, se desacomoda y se
amplía cuando, bajo fuerte presión económica, Chela empieza a trabajar como
remisera y, sobre todo, cuando conoce a una cuarentona glamorosa que la
enamora. El inicio es depresivo, en esa casona oscura llena de muebles y
objetos viejos que Chela y Chiquita son forzadas a vender para sobrellevar la
crisis. Pero en el correr del metraje la película va ganando otras dimensiones.
Hay interesantes y delicados apuntes sobre el clasismo de la sociedad
paraguaya: la forma en que Chela y Chiquita tratan a su empleada Pati, y la
manera en que sus clientes tratan a Chela cuando empieza a trabajar como
remisera; el extrañamiento en las visitas a la cárcel femenina; todo eso
mostrado en forma muy sutil, nada ostentosa ni maniquea. La película lidia
también con la timidez y el pánico de enfrentar una nueva vida y buscar la
felicidad. Hay un notable trabajo de fotografía y de edición de sonido (no hay
música incidental), que potencian una cinematografía que juega constantemente
con los fuera de campo. La interpretación de Ana Brun (Chela) ganó, en forma merecida,
el Oso de Plata a la actuación femenina en el Festival de Berlín (donde Las
herederas conquistó además los premios Alfred Bauer y Fipresci).
Reparto Omar
Sy,Clémence Poésy,Gloria Colston,Antoine Bertrand,Karl Farrer, Anna Cottis,Susan Fordham,Phelim Kelly,Richard Banks,Attila G. Kerekes,
Andy Mihalache,David Lowe,George Johnston,John Heartstone,Sian Altman, Alexandra Kiss,Claire Ashton
Productora Vendôme
Production / Mars Films / TF1 Films Production / Poisson Rouge Pictures
Género Comedia. Drama | Remake. Comedia dramática. Infancia.
Familia. Cine dentro del cine
Clasificación: + 9 años
Sinopsis Samuel vive la vida sin responsabilidades en la
playa en el sur de Francia. Hasta que un día, una de sus antiguos amores le
deja en los brazos a un bebé de pocos meses, Gloria: su hija. Incapaz de cuidar
de un bebé y decidido a devolverle la niña a su madre, Samuel se va a a Londres
para tratar de encontrarla pero no tiene éxito. Remake de 'No se aceptan
devoluciones' (2013), la película mexicana más exitosa de la historia.
(FILMAFFINITY)
Critica:
Esta es una historia sencilla, pero no es fácil contarla.
Un hombre mujeriego y juerguista descubre un buen día que es padre de un bebé
del que tiene que hacerse cargo tras la huida de la madre. Lo que comienza como
una comedia con gags y clichés propios del género se convierte pasada la
primera media hora en una profunda reflexión sobre la paternidad, a través de
dos personajes creados para devolvernos la fe en el ser humano: ese papá que
crea para su pequeña un mundo de fantasía (una casa con tobogán, emails
mensuales haciéndose pasar por su madre, parques de atracciones en horario
escolar…) y una hija que nos abruma con sus contagiosas ganas de vivir.El
talento de Omar Sy para la dramedia, de la que dio buena cuenta en Intocable,
encuentra en la risueña Gloria Colston a la mejor aliada para enaltecer una
historia de apariencia simple, pero que calibra con tanta precisión su tono
tragicómico, que cuando menos lo esperamos dispara sin piedad contra nuestras
emociones, para desbaratarlas antes de precipitarse hacia un final desgarrador.
¿Es un filme insólito? No, se trata del remake de la mexicana No se aceptan
devoluciones. Sn embargo, más allá de la versión original, Hugo Gélin bebe de
la grandeza de La vida es bella. Porque en esta historia, como en una fábula,
hay dolor. Y, como una fábula, está llena de maravillas y de felicidad.
Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios
gratis
Título original Madame
Año 2017
Duración 91 min.
País Francia
Dirección Amanda Sthers
Guion Amanda Sthers, Matthew Robbins (Historia: Amanda
Sthers)
Música Matthieu Gonet
Fotografía Régis Blondeau
Reparto Harvey Keitel,Toni Collette,Rossy de
Palma,Michael Smiley,Tom Hughes, Violaine Gillibert,Stanislas Merhar,Sue Cann,Ariane Seguillon, Amélie Grace Zhurkin,James Foley,Brendan
Patricks,Tim Fellingham, Joséphine de
La Baume,Sonia Rolland
Productora LGM Cinéma SAS / Made in PM
Género Comedia. Drama | Comedia dramática. Sátira
Clasificación: + 9 años
Sinopsis Anne y Bob son un matrimonio de americanos que
acaba de instalarse en París y han decidido celebrar una cena en la que reunir
a miembros de la alta sociedad americana y parisina. Ella descubre en el último
momento que el hijo del primer matrimonio de su marido también ha sido
invitado, haciendo así que la cena tenga trece cubiertos. Por simple
superstición, decide añadir un decimocuarto cubierto y le pide a su empleada
doméstica María que se haga pasar por una rica española. Pero, el exceso de
vino y una sugerente conversación hacen que María se encariñe accidentalmente
con un marchante de arte inglés. Anne no aprueba este romance y tiene la firme
intención de detenerlo. (FILMAFFINITY)
Yo creo que tú
sabes... ¿Cómo era?
Típica comedia de enredos, pero que no por conocida no puede
sacar sonrisas y alguna risita, Madame hace pie en las confusiones. El eje es
precisamente cómo la mentira tiene repercusiones en unos y en otros personajes.
La base: una pareja de estadounidenses algo snobs y
semidecadentes alquilan un caserón en París. Y Anne (Toni Collette) decide
realizar una cena para reunir amigos e invitan algunos extranjeros. Son doce a
la mesa, hasta que se autoinvita Steven, hijo de su marido Bob (Harvey Keitel)
de un matrimonio anterior. Y ante el escozor que le provoca que sean 13
sentados a la mesa, le pide a una de sus mucamas, María (Rossy de Palma) que se
haga pasar por una amiga española.
Por supuesto que las recomendaciones de Anne a María –que no
hable, que no beba, que pase desapercibida- no se cumplen ni por asomo, y como
Steven le dice a otro invitado, David, un dealer de obras de arte, que María es
una condesa, éste empieza a acercarse y termina enamorándose.
El engaño en una pareja (los affaires de Anne y Bob) es una
cosa, muy distinta al que realiza María. La confusión generalizada es que María
cree que David –que está por autenticar si el Caravaggio que tienen colgado en
una pared es obra del artista o es una falsificación- sabe cuál es su trabajo,
y que él la ama igual.
Mejor directora de actores que dialoguista, la guionista y
realizadora parisina Amanda Sthers deja que descansen en los hombros de sus
intérpretes el peso de la película.
Y lo bien que hace. Es cierto que la australiana de Sexto
sentido y la musa de Almodóvar están un escalón arriba que Keitel y el resto.
Hay un duelo interpretativo que va más allá de la diferencia de clase social,
la burguesa y la mucama.
Sin ser una comedia para destornillarse de la risa, Madame
es un relato ameno, entretenido, que permite pasar una hora y media entre
sonrisas.
Productora
Clubhouse Pictures / LuckyChap Entertainment / Neon / 30West / Ai Film
Género Drama. Comedia | Biográfico. Deporte. Patinaje sobre
hielo. Años 90. Comedia negra
Calificación: + 15 años
Sinopsis Tonya Harding fue la primera patinadora
estadounidense en completar, en 1991, un triple salto axel en competición. Pero
el éxito sobre el hielo no siempre estuvo acompañado de felicidad en su vida
personal. (FILMAFFINITY)
Premios 2017
Premios Oscar: Mejor actriz sec. (Janney). Nom. actriz
(Robbie) y montaje
Festival de Toronto: 1ª finalista Mejor película
Globos de Oro: Mejor actriz de reparto (Allison
Janney)
Premios BAFTA: Mejor actriz secundaria (Janney). 5
nominaciones
Premios Independent Spirit: Mejor actriz secundaria
(Janney) y montaje
Premios Gotham: Nom. a Mejor película, Actriz (Robbie)
y Premio del público
Critics Choice Awards: Mejor actriz - comedia (Robbie)
y Actriz sec. (Janney)
Asociación de Críticos de Chicago: Nom. a Mejor actriz
(Robbie) y Actriz sec.
Satellite Awards: Nom. a Mejor película, Actriz
(Robbie) y Actriz sec. (Janney)
Sindicato de Productores (PGA): Nominada a Mejor
película
Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guión
original
Sindicato de Actores (SAG): Mejor actriz secundaria
(Allison Janney)
Patinaje sobre fuego
No es que sea esencial ni mucho menos, pero esta crítica,
por si hubiera lectores que aún no conozcan el hecho real al que se acerca la
película, va a obviar el asombroso suceso que convirtió a Tonya Harding en una
figura mediática y mundial, más allá de su anterior condición de figura del
patinaje artístico, de evidente corto recorrido. Ese acontecimiento trágico es
el que provoca la película y, sin embargo, los autores de Yo, Tonya, excelente
biografía cinematográfica de la deportista estadounidense, han hecho algo
sorprendente en el plano artístico, y felizmente arriesgado en el plano moral.
Primero, no basar su relato en aquel incidente; lograr que
narrativamente mute en consecuencia de algo mucho más importante; ir de lo
esencial a lo particular, del alimento para la combustión a la llama
incendiaria. Segundo, transformar una tragedia en una comedia negra; o mejor, en
una farsa, en una caricatura social que provoca la risa desvergonzada, que no
siempre es realista pero que mantiene en todo momento una considerable cuota de
credibilidad. Tercero, tener la valentía de convertir a una villana en una
antiheroína. Y cuarto, asentar una aparente historia de odios y envidias, de
venganzas y frustraciones, en algo mucho más interesante, en una reflexión
sobre la lucha de clases en la sociedad contemporánea en general y en el
deporte en particular.
Steven Rogers, en el guion, y Craig Gillespie, desde la
dirección, hasta ahora lejos de una reputación intachable en libretos melifluos
como Siempre queda el amor y Quédate a mi lado, y películas tan dispares como
Lars y una chica de verdad y Noche de miedo, arriesgan con el tono y logran un
triunfo de la creatividad. Lo hacen con sus entrevistas a cámara en formato de
falso documental, acercándose así a los entresijos de la gloria y el poder
desde el lado más idiota del sueño americano. Una esquina enmarcada en la
risible y terrible figura de la madre, interpretada por la formidable Allison
Janney. “Esto es América”.
Quizá la representación de la competición, mejorable en su
aparataje digital y con la convencional compañía de la voz en off de un
comentarista televisivo, no sea la parte más lograda de la película. Sin
embargo, fuera de las pruebas deportivas, y con un material real que hubiese
hecho salivar a los hermanos Coen de Fargo, Gillespie acompaña su puesta en
escena y su montaje con estéticos efectos de sonido e imagen, canciones y
congelados, que, sin llegar a ser maestros, están en la línea de las mejores
películas de David O. Russell.
Tonya Harding, deportista de la estirpe de George Best y
Dennis Rodman, de Jelena Dokic y Paul Gascoigne, fue una niña criada a tortas,
reconvertida en esposa tratada a tortas, que nunca logró maquillar un origen
social del que renegaba y del que estaba orgullosa. Y Margot Robbie, su
mayúscula intérprete, lo resume en un plano frente al espejo que refleja esa
imposible ambivalencia. Un momento deslumbrante de la lucha de una mujer
consigo misma, y con las condiciones que la hundieron y, al tiempo, la hicieron
mítica.
Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios
gratis
Título original Una mujer fantástica Año 2017 Duración 104 min. País Chile Dirección Sebastián Lelio Guion Sebastián Lelio, Gonzalo Maza Música Mathew Herbert Fotografía Benjamín Echazarreta Reparto Daniela Vega, Francisco Reyes, Luis Gnecco, Aline Küppenheim, Amparo Noguera, Alejandro Goic, Antonia Zegers Productora Coproducción Chile-España; Fabula / Komplizen Film / Setembro Cine Género Drama | Transexualidad / transgénero Clasificación: +12 años Sinopsis Marina (Daniela Vega) una joven camarera aspirante a cantante y Orlando (Francisco Reyes), veinte años mayor, planean un futuro juntos. Tras una noche de fiesta, Marina lo lleva a urgencias, pero él muere al llegar al hospital. Ella debe entonces enfrentar las sospechas por su muerte. Su condición de mujer transexual supone para la familia de Orlando una completa aberración. Ella tendrá que luchar para convertirse en lo que es: una mujer fuerte, pasional... fantástica. (FILMAFFINITY) Premios 2017
Premios Oscar: Mejor película de habla no inglesa
Festival de Berlín: Mejor guión
Globos de Oro: Nominada a Mejor película de habla no inglesa
Premios Goya: Mejor película hispanoamericana
Premios Independent Spirit: Mejor película extranjera
National Board of Review (NBR): Mejores películas extranjeras del año
Critics Choice Awards: Nominada a mejor película de habla no inglesa
Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a mejor película extranjera
Premios Ariel: Mejor película iberoamericana
Premios Fénix: Mejor película, dirección y actriz (Daniela Vega)
Festival de La Habana: Premio Coral Especial del Jurado y Mejor actriz (Vega)
Premios Platino: Mejor película, dirección, actriz (Vega), guion y montaje. 9 no
La ley de la desobediencia
Su protagonista es una transexual que, tras la muerte de su amado, emprenderá una batalla insistente y solitaria contra el entorno familiar para reclamar su derecho al duelo
El pulso entre el deseo y la ley define la esencia del melodrama contemporáneo, cuyos personajes centrales encuentran en la desobediencia el impulso para desencadenar el conflicto y, así, acceder al gesto heroico. Ya lejos de las claves del melodrama ejemplarizante, al otro lado del conflicto no aguarda necesariamente la tragedia, sino, en ocasiones, la emancipación y la conquista de una identidad. No debe de ser casual que el chileno Sebastián Lelio haya escogido el concepto de desobediencia para titular su primera incursión en el cine de habla inglesa: Disobedience, presentada en la última edición del festival de Toronto. Un título que le podía haber sentado tan bien a Gloria (2013) –su cuarto largometraje y su gran revelación internacional- como a esta Una mujer fantástica que, merecedora del premio al mejor guion en la Berlinale, llega ahora a nuestras pantallas.
En los tres casos, una misma constante: mujeres que desobedecen, que se rebelan contra el determinismo del rol social, los lenguajes impuestos y la tradición. En Gloria, Lelio mostraba a su protagonista en soledad, escuchando baladas románticas que esculpían la subjetividad femenina en modo de perpetua espera. Lo que le interesaba era el desajuste entre esos discursos sentimentales y la capacidad de su personaje para conjurarlos: Gloria acababa contando la historia de una mujer que se negaba a acomodarse al constructo social que dessexualiza y niega la gestión del placer a toda mujer (sola) de mediana edad. En Una mujer fantástica, Marina –una Daniela Vega que hace más que honor al título- es una transexual que, tras la muerte de su amado, emprenderá una batalla insistente y solitaria contra el entorno familiar de este para reclamar su derecho al duelo.
Lelio aborda su relato como un problema de lenguaje que se despliega en un doble nivel: por un lado, subraya que, para sus antagonistas y según determina el prejuicio, Marina forma parte del campo semántico de la marginalidad –nadie le hablará de afecto, pero la sospecha de, entre otras cosas, el consumo tóxico no tardará en manifestarse-; por otro, deja que la propia película se transexualice constantemente, oscilando entre el melodrama y el thriller, el realismo y el desvío onírico o la extravagancia musical, las arias y la música disco, Lavoe y Aretha Franklin. Una mujer fantástica prolonga con coherencia el discurso de Gloria, pero también es una película más imprevisible y desconcertante, aunque, sobre todo, libre y felizmente abrumadora. Jordi Costa en El Pais de Madrid
Guion Álex de la Iglesia, Jorge Guerricaechevarría
Música Carlos Riera, Joan Valent
Fotografía Ángel Amorós
Reparto
Blanca Suárez,Mario
Casas,Jaime Ordóñez,Carmen Machi,Secun De La Rosa, Terele Pávez,Alejandro Awada,Joaquín
Climent,Jordi Aguilar,Diego Braguinsky, Mamen García
Productora Coproducción España-Argentina; Pokeepsie Films / Nadie es
perfecto / Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA)
Género Thriller. Intriga. Comedia | Comedia negra
Clasificación: + 15 años
Sinopsis
9:00 horas. Un grupo de personas absolutamente heterogéneo
desayuna en un bar en el centro de Madrid. Uno de ellos tiene prisa; al salir
por la puerta recibe un disparo en la cabeza. Nadie se atreve a socorrerle.
Están atrapados. (FILMAFFINITY)
Premios 2017-18
Premios Goya: Nominada a Mejor sonido
Festival de Málaga: Sección oficial largometrajes (Fuera de
concurso)
Premios Sur: Nominada a mejor dirección artística, vestuario
y maquillaje
Premios Feroz: 4 nominaciones, incluyendo Mejor actor sec.
(Ordóñez)
Premios Platino: Nominada a mejor sonido
Los malos hábitos
Gran cantidad de españoles de pueblos, villas y las grandes
urbes, (Madrid, donde transcurre esta historia), no ingieren el desayuno en su
hogar. Lo hacen en el bar más próximo, o en otro que sea de su preferencia.
Churros crocantes, mantecadas, polvorones y café con leche o chocolate; y hasta
algun carajillo o directamente la copa de jerez, corren por las mesas –más bien
escasas- y el muy concurrido mostrador.
Ese desayuno en el bar es pretexto para poner en funciones
otro “deporte” de los hispanos: la conversación sobre cualquier asunto y acto
seguido la discusión, que habrá de prolongarse con variada extensión. El bar
del film, está presente en todo momento, pues allí se desarrolla el relato. Ese
desayuno -alejado de los “burger” y “cafeterías” multinacionales para gente
apurada- es el que en horas de la mañana da cabida a un grupo –no demasiado
grande- de hombres y mujeres dispuestos a reñir amablemente con la otra mitad
de los hombres y mujeres.
Semejante idiosincrasia, queda fuera del film de Alex de la
Iglesia, ya que detenerse en ella convertiría a la realización en algo
diferente a lo logrado. Esas líneas iniciales han definido precisamente a los
allí presentes, cuyos personajes van a transitar los que parecen ser aires de
comedia liviana, insertos en un film dramático.
En la esquina de ese bar, aparecerá el asesino
sorpresivamente, iniciando una escalada de violencia. En este punto, y conocida
la costumbre del realizador y colibretista de abundar en referentes
cinematográficos, aquí pueden hallarse varios. El cine norteamericano ha
ofrecido numerosos títulos que básicamente eran esto: un grupo de personas es
secuestrado por uno o varios delincuentes. Las “citas fílmicas”, pueden ser un acertijo
para espectadores dispuestos a aceptar ese juego. No obstante, el mayor
referente se sitúa en el cine de la violencia, que el Hollywood contemporáneo
ofrece desde distintos géneros (cine de gangsters, de denuncia, aventuras,
comedias e incluso musical).
El cine de Alex de la Iglesia, puede atraer o provocar
rechazo, difícilmente deje a alguien indiferente. El realizador se regocija en
el tratamiento de situaciones trágicas, muy reales, con la conversión de estas
en caricaturas: en tanto reflejen hechos reales deformados, en este caso con
humor chirriante, acerca de situaciones dramáticas.
Con sus películas, De la Iglesia parece estar buscando una
forma de llamar la atención sobre una sociedad a la que pulveriza. Con Humor,
desde luego,
Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis. Título original The Florida Project Año 2017 Duración 115 min. País Estados Unidos Dirección Sean Baker Guion Sean Baker, Chris Bergoch Música Lorne Balfe Fotografía Alexis Zabé Reparto Brooklynn Prince, Willem Dafoe, Bria Vinaite, Caleb Landry Jones, Mela Murder, Valeria Cotto, Christopher Rivera, Macon Blair, Sandy Kane, Karren Karagulian, Lauren O'Quinn, Giovanni Rodriguez, Carl Bradfield, Betty Jeune, Cecilia Quinan, Andrew Romano, Samantha Parisi, Gary B. Gross Productora Cre Film / Freestyle Picture Company / June Pictures. Distribuida por A24 Género Drama | Drama social. Infancia. Pobreza. Crisis económica 2008. Cine independiente USA Clasificación: + 12 años Sinopsis Una niña de 6 años y sus amigos pasan el verano en un pequeño motel muy próximo a Disneyworld, mientras sus padres y el resto de adultos que les rodean sufren aún los efectos de la crisis. (FILMAFFINITY)
Premios 2017
Premios Oscar: Nominada a mejor actor de reparto (Willem Dafoe)
Globos de Oro: Nominada a mejor actor de reparto (Willem Dafoe)
Premios BAFTA: Nominada a mejor actor secundario (Willem Dafoe)
National Board of Review (NBR): Mejores películas del año, actor sec. (Dafoe)
American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año
Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor director y actor sec. (Dafoe)
Críticos de Los Angeles: Mejor actor sec. (Dafoe) y 2ª mejor película
Premios Independent Spirit: Nominada a mejor película y director
Critics Choice Awards: Mejor intérprete joven (Brooklynn Prince)
Premios Gotham: Nom. mejor película, actor, nueva actriz y premio del público
Satellite Awards: Nominada a mejor director, guion original y actor sec. (Dafoe)
British Independent Film Awards (BIFA): Nom. a mejor pel. internacional indep.
Sindicato de Actores (SAG): Nominada a mejor actor secundario (Willem Dafoe)
Asociación de Críticos de Chicago: Mejor actor secundario (Dafoe). 5 nom.
Anti princesas
Sean Baker empezó a tener notoriedad internacional con Starlet, en la que narra una especialísima amistad entre una mujer de 85 años y una de 21. La película llama la atención por su libertad para contar los cuerpos femeninos, con una cámara que no tiene temor alguno a la cercanía y sigue las derivas de sus personajes con curiosidad contagiosa. Su siguiente película, Tangerine, fue una apuesta de producción muy inteligente porque fue realizada con tres Iphone 5, demostrando que con los nuevos medios digitales también se puede hacer un cine atractivo. La razón de que la película funcione increíblemente es porque sus medios técnicos son perfectamente funcionales a la historia que se cuenta: dos transexuales dan vueltas por las calles de Holly-wood intentando encontrar al novio proxeneta de una de ellas para resolver un triángulo amoroso. La textura de la imagen y el modo en que Baker relaja su necesidad de control y deja entrar el mundo real, filmando en locaciones reales, dejando improvisar fuertemente a sus actores y haciendo del contexto casi un personaje más, hacen que la película logre un tinte documental que, al presentar una historia callejera sobre los márgenes de la sociedad, construye una consistente verosimilitud, colaborando a que el espectador entre en el pacto de aceptar como cine de ficción un registro casi casero.
En su nueva película Baker demuestra que su lucidez para combinar medios técnicos, locaciones, actores y guiones no es para nada producto del azar o el impulso, sino de la conciencia de construir un cine con verdadera mirada de autor. Del mismo modo, no cede a la tentación que implica tener mucho dinero para producir (el éxito de Tangerine lo llevó a despreocuparse de conseguir la inversión necesaria para su siguiente película) y vuelve a elegir personajes marginales, en un contexto de pobreza y disfuncionalidad; perdedores en la escala del sistema de consumo pero portadores de una vitalidad que le resulta fascinante. Y dentro del territorio de ese borde, además, su preferencia es por las mujeres, por la vulnerabilidad de los cuerpos feminizados.
Proyecto Florida es la historia de una madre soltera, muy joven, que vive con su hija en un hotel de segunda para turistas, una especie de monoblock de color púrpura que se encuentra al lado del Magic Kingdom, el famoso parque de Disney que es tal vez el mayor ícono de la infancia burguesa de todo el mundo. Está filmada en hermoso 35 milímetros, llena de luminosidad y color, tiene un perfecto look de comedia juvenil. Dialoga en muchos sentidos con el cine de Wes Anderson, con su construcción supuestamente independiente pero híper estilizada e híper controlada de la imagen, donde nada se mueve un centímetro fuera de la planificación. Pero lo que en Anderson es dominio absoluto de lo que sucede, técnica perfecta, idea monolítica de la belleza y legitimación de un gran cine autoral, en Baker se convierte exactamente en lo contrario: todo lo que sucede en la pantalla sirve para poner en crisis el propio concepto de representación. Es 35 milímetros y hay un montón de colores, pero las imágenes perfectas y limpias de los centros comerciales, de los shoppings de peluchitos, de las heladerías simpáticas en edificios con forma de helado, de los plásticos en tonos pastel, se vuelven el contexto más opresivo imaginable. El género de película infantil “a lo Disney”, que cuenta las aventuras de niños y niñas en un verano, se convierte aquí en una pesadilla en tonos rosa y violeta, donde la soledad y el aislamiento de los adultos –esas madres tan jóvenes que están muy lejos de sentir la adultez burguesa como posibilidad– hacen que los niños corran peligros reales, tan tremendos como un incendio provocado por ellos. Sin embargo, la capacidad de divertirse y ser feliz en esa época única de la vida emerge con una contundencia y una libertad infinitamente mayores, justamente porque la infancia no es tratada como algo acartonado y previsible, capaz de mediatizarse en episodios ordenaditos con curvas emocionales definidas, sino como un universo de crecimiento caótico, complejo y completamente aleatorio, en el que a pesar de estar circunscriptos a contextos de marginalidad y pobreza, con falta de seguridad, de salud o de vivienda, con una exposición intensa a la violencia, la resiliencia humana de los niños encuentra un espacio para esa experiencia inefable que es el conocimiento y la experimentación del mundo que los rodea.
Proyecto Florida es una película sobre una madre y una hija, sobre los límites barrosos del amor. La actuación de Brooklyn Prince, esa niña que Baker filma como a un misterio infinito a ser desentrañado, es muy impresionante y también angustiante, porque su madurez nos interpela de un modo incómodo y extraño. Pero a mi entender el costado artístico más maravilloso de esta película es la actuación de Bria Vinaite en el papel de Halley, esa muchachita que Baker encontró por Instagram y que encarna a esa mamá casi adolescente a la que, sin idealización alguna, nos invita a mirar muy de cerca. Transitamos su desborde y sus imposibilidades pero también la complicidad con su hija –esa hijita que es casi hermana–, además de su vínculo con esa especie de padre también imposibilitado y frustrado que es William Dafoe. Ni el personaje del hotelero que encarna en la ficción, ni el gran actor consolidado que es Dafoe en la vida real –dos caras de la misma moneda en una película que constantemente está pensando la propia práctica cinematográfica– tienen nada para ofrecerles a esa madre y esa niña marginalizadas, tanto en la ficción como en el universo de representación de un mundo que no las piensa, que no las toma en cuenta, que las deja sistemáticamente fuera. Proyecto Florida reflexiona sobre el género y el capitalismo, sobre lo que significa ser madre soltera, joven y pobre, sobre lo que esconde una construcción de lo femenino que no toma en cuenta la realidad de esas jóvenes que nunca accederán al universo de los castillos mágicos y las princesas. Por eso Disney es el fuera de campo literal y constante, las familias turistas sacándose la foto, un mundo lleno de esas niñas domesticadas con madres ordenadas y pulcras que Halley y Monee jamás serán. Soledad Castro Lazaroff en Brecha
Reparto Ksenia
Solo,Mary Lynn Rajskub,Maria Bello,Beth Riesgraf,Barbara Bouchet,
Andrea Osvárt,David O'Donnell,Kim Evans,Michael Wiseman,April Martucci,
Mike Falkow,Angela Nordeng,Lorenzo Balducci,Dan van Husen, Branislav R. Tatalovic,Victoria Clare,Laura Allen,Emily Dahm,Bruno Zanin
Productora Coproducción Estados Unidos-Italia; Cartwright
Entertainment / TXL Films / United Pictures Group
Género Drama. Aventuras
Clasificación: +16
Sinopsis Una chica tímida de un pueblo de Ohio ama el cine, pero
no le gusta la realidad. Un día descubre las películas de Federico Fellini y
decide embarcarse en un viaje por Italia para encontrarle. (FILMAFFINITY)
Critica:
"En general, la producción es pulcra y los jóvenes
soñadores que den con ella en algún estreno limitado seguramente la
aprecien." John DeFore: The
Hollywood Reporter
"Un drama encantador sobre el amor al cine y la pasión
juvenil" Monica Castillo: The New
York Times
"'In Search of Fellini' valora más las extravagancias
de los personajes que la historia (...) Las imágenes son impresionantes" Katie Walsh: Los Angeles Times
