Productora Coproducción
Canadá-Irlanda; Landscape Entertainment / Parallel Film Productions / Rink Rat
Productions / Solo Productions
Género Drama |
Pintura. Discapacidad. Biográfico. Basado en hechos reales
Calificación: + 9
años
Sinopsis Maud
Dowley (Sally Hawkins) es una mujer alegre de Nueva Escocia que sueña con
independizarse de su protectora familia. Everett Lewis (Ethan Hawke) es un
huraño pescador local que busca asistenta. Tras ver su anuncio, Maudie no tarda
en mudarse a casa de Everett para encargarse de las tareas del hogar. Pero lo
que comienza siendo una difícil convivencia entre dos polos opuestos poco a
poco irá transformándose en una historia de amor... Basada en hechos reales, la
película cuenta la historia de la pintora canadiense Maud Lewis, de su relación
con el que se convirtió en su inseparable compañero de vida, Everett Lewis, y
de cómo sus sencillas pinturas llegaron a ser vistas y reconocidas por todos
los rincones del país convirtiéndola en una de las artistas folk más
representativas de Canadá. (FILMAFFINITY)
Premios 2017
Canadian Screen Awards: Mejor película
Critica
Basada en hechos
reales, esta humilde producción de la guionista canadiense Sherry White y la
directora irlandesa Aisling Walsh, recrea el romance inusual vivido en Nueva
Escocia durante décadas por Everett Lewis (en pantalla, Ethan Hawke), vendedor
de pescado sin apenas educación, y Maud Lewis ( Sally Hawkins), pintora amateur
que disfrutó de cierta notoriedad y que sufrió desde la juventud artritis
reumatoide. White y Walsh sacan a flote, sin concesiones al buen rollo ni la
corrección política, una historia mínima sobre personas que, pese a tenerlo
todo en contra –lugar y época de nacimiento, infinitos prejuicios ajenos,
problemas físicos o psicológicos– no renuncian, ni a amar, ni a comprender al
otro; aunque sus escasas herramientas afectivas, hagan que lo que obtienen sea
una felicidad difícil de reconocer como tal. Apoyándose en las interpretaciones
de dos actores con estilos diferentes, y en una realización sutil que juega con
elipsis precisas y la observación de los personajes a través de marcos de
puertas y ventanas, Maudie: El color de la vida acaba por trascender su
modestia para transmitir un mensaje emotivo sobre la necesidad de la expresión
personal para otorgar nobleza al mundo.
Productora Rebolucion
/ MyS Producción / Telefé / Bowfinger International Pictures
Género Thriller
Calificación:+ 15 años
Sinopsis Antonio
Decoud es un hombre de familia conservador que se ve obligado por el destino a
enfrentar una situación inesperada que lo sacude hasta el núcleo, revolviendo
su vida y sus prioridades, empujándolo a olvidar sus creencias y su forma de
entender la vida y seguir el instinto más básico: el instinto animal.
(FILMAFFINITY)
Premios 2018:
Festival de Sitges: Sección oficial a competición
Critica:
Caso curioso el
de Animal: es una buena película difícil de recomendar. Porque no se la
disfruta ni un poco: se la sufre. “Es jodido que una película no te provoque
nada”, dice Armando Bo, y es consecuente con sus palabras. En seis años pasó de
emocionar con la dulzura melancólica de El último Elvis a retorcernos las
tripas con este thriller desesperante, que bien podría haber sido uno de los
Relatos salvajes de Damián Szifron.
Como desde El
secreto de sus ojos a esta parte, Guillermo Francella vuelve a despegarse de
sus mohínes de cómico y se calza con solvencia la máscara dramática para
meterse en la piel de Antonio, un hombre de cincuentilargos con una apacible
vida pequeñoburguesa. Trabajo jerárquico bien remunerado, chalet, camioneta,
dos hijos adolescentes que lo quieren, un bebé adorable, y Susana, una esposa
cariñosa y comprensiva (una sólida Carla Peterson). Pero este aceitado
engranaje se traba cuando Antonio sufre un problema de salud que requiere de un
trasplante.
Un experimento
ficcional rendidor: exponer a un hombre común a una situación límite,
provocarle un apocalipsis personal y mostrar cómo reacciona. La pregunta de
base es hasta dónde es capaz de llegar y cuánto puede sacrificar un ser humano
con tal de sobrevivir. Aquí el dilema se extiende a su entorno: ¿qué están
dispuestos a resignar sus parientes de sus propias, cómodas existencias con tal
de que su amado padre o marido salga adelante?
Este juego
existencial de egoísmos se complica porque no se circunscribe únicamente al
circuito familiar, sino que incluye a una pareja que aparece como una solución
posible al intríngulis. Pero Elías y Lucy (Federico Salles y Mercedes De
Santis, dos revelaciones) son el reflejo invertido de Antonia y Susana:
jóvenes, marginales, viven fuera de cualquier convención social. Parecen un
eslabón perdido del clan Manson.
Pero lo que los
hace inquietantes, tanto para Antonio como para los espectadores, es su
imprevisibilidad. ¿Son dos psicópatas hanekianos al estilo de Funny Games o
apenas un par de vagos patéticos? Otro experimento ficcional interesante, en la
línea de Cabo de Miedo: confrontar a un burgués asustado con un lumpen fuera de
control, a ver cuál de los dos resulta más peligroso.
Al ritmo de estos
dos personajes ambiguos, la película entra en una vorágine de angustia, apenas
matizada por toques de humor negro. Una Mar del Plata invernal y desolada es el
marco perfecto para el proceso de descomposición humana que va sucediendo ante
nuestros ojos. Un proceso tan repugnante que, aun sin escenas explícitas de
violencia, hace que salgamos del cine con un regusto nauseabundo en la boca.
Productora Coproducción
Francia-Bélgica; Wy Productions / Belga Productions / Belga Films Fund
Género Thriller.
Drama | Thriller psicológico
Calificación: + 9
años
Sinopsis Delphine
(Emmanuelle Seigner) es una sensible y atormentada novelista de éxito,
paralizada ante la idea de tener que comenzar a escribir una nueva novela. Su
camino se cruza entonces con el de Elle (Eva Green), una joven encantadora,
inteligente e intuitiva. Elle comprende a Delphine mejor que nadie, y pronto se
convierte en su confidente. Delphine confía en Elle y le abre las puertas de su
vida. Pero ¿quién es Elle en realidad? ¿Qué pretende? ¿Ha venido para darle un
nuevo impulso a la vida de Delphine o para arrebatársela? (FILMAFFINITY)
Premios 2017:
Festival
de Cannes: sección oficial (fuera de concurso)
Critica:
La obsesión y la
apropiación de la voluntad como génesis de conflictos humanos profundos no
exentos de alienación, es el disparador temático de Basada en hechos reales, el
ultimo film del genial realizador franco-polaco Román Polanski, que fue
presentado fuera de concurso en el Festival de Cannes.
Este largometraje
indaga en el complejo y turbulento universo interior de una escritora de best
sellers, que padece un grave bloqueo y necesita perentoriamente recuperar su
capacidad de crear.
Con bastante más
de medio siglo de carrera cinematográfica a cuestas, Roman Polanski es, sin
dudas, un artista mayor, que inició su exitoso periplo en el cine en la década
del sesenta, con El cuchillo bajo el agua (1962), Repulsión (1965) y Cul-de-Sac
(1966), títulos referentes que ya revelaban su predilección por la construcción
de atmósferas opresivas y micro-mundos humanos clausurados.
Su obra, que
incluye comedias negras de trazo satírico como La danza de los vampiros (1967),
¿Qué? (1973) y Un dios salvaje (2011), conoció un gran suceso de taquilla con
la emblemática El bebé de Rosemary (1968) y con el excitante thriller Búsqueda
frenética (1988), entre otros títulos.
Sin embargo, su
cima artística la alcanzó con filmes de la talla de Barrio chino (1974), El
inquilino (1976), Tess (1979) y la laureada El pianista (2001), sin olvidar su
personalísima y poco recordada pero excelente adaptación al cine de Macbeth
(1971), el célebre clásico de William Shakespeare.
En medio de un
controvertido caso judicial que lo enfrenta desde hace décadas a una severa
acusación por abuso sexual a una menor, a los 84 años de edad el famoso
realizador sigue derramando su sabiduría artística.
Luego de La piel
de Venus (2013), en la cual Polanski plantea un cuadro de compulsiones cuasi
patológicas contaminadas por el masoquismo y la sumisión, Basada en casos
reales es una suerte de thriller marcado por la obsesión, una de las temáticas
predilectas del autor.
Esta historia es
la adaptación de la novela homónima de la escritora Delphine de Vigan, que
indaga en la tormentosa psicología de una exitosa escritora.
En ese contexto,
la protagonista de esta película es Delphine Dayrieux (Emmanuelle Seigner, la
esposa del propio Polanski), una autora de best sellers que se encuentra
virtualmente agobiada por la fama y la perentoria necesidad de seguir creando.
Sin embargo, el
propio agotamiento provocado por el asedio de sus consecuentes lectores sumado
a la falta de motivación, genera en ella un dramático bloqueo.
Víctima del éxito
de mercado, Delphine afronta un angustiante dilema: seguir escribiendo para
satisfacer la oferta aunque esa producción no sea de calidad o encarar un
proyecto no tan rentable pero que la colme desde el punto de vista artístico.
Esa situación de
virtual extenuación se advierte desde el comienzo de la historia, cuando la
escritora participa en una maratónica sesión de firma de libros.
Esa experiencia,
que por lo reiterada la agota y la aburre, la sitúa al borde de un colapso
emocional. Sin embargo, ese es el peaje que debe pagar por el resonante suceso
editorial de su obra.
En esa
circunstancia y por imperio de la causalidad y no de la casualidad, la
protagonista conoce a la intrigante Elle (Eva Green), una escritora fantasma
que comparte también la pasión por la literatura y se declara ferviente
admiradora de la autora.
Usufructuando la
extrema vulnerabilidad de Delphine –una mujer casi abandonada por su pareja e
ignorada por sus hijos- la extraña y seductora fan se apropia virtualmente de
su vida y de sus espacios, al punto de mudarse con ella.
En ese marco, la
relación entre ambas se transforma en enfermiza y en un vínculo invasivo y
prostituido por la obsesión, a tal punto que Elle cocina, acondiciona la casa,
se encarga de responder sus cartas y sus correos electrónicos y hasta
insólitamente se atreve a suplantarla en una entrevista.
Esa suerte de
apropiación y hasta de ejercicio de dominación deviene inexorablemente en
drama, cuando la deprimida novelista advierte que está perdiendo su libertad y
que es víctima de una persona que -por su propia historia y sus recurrentes
fantasías- es realmente una desquiciada.
Mediante un ritmo
moroso pero no menos intrigante que es característico de su cine, Román
Polanski construye un paisaje humano de atmósferas tensas e inquietantes.
En esas
circunstancias, lo que inicialmente era un drama muta en thriller, con dos
mujeres que se alienan mutuamente en una relación que tiene mucho de
patológica.
Román Polanski,
que compartió el guión con el también cineasta Olivier Assayas, transforma a
este relato, aunque no siempre lo logra, en un auténtico duelo de voluntades.
Para ello, apela
en mesuradas dosis a la violencia –más a la psicológica que a la física- con el
propósito de describir un universo humano donde prevalecen las conductas
perturbadas y a la vez perturbadoras. No en vano la escritora padece acoso,
insultos y mensajes amenazantes.
Si bien esta
película tiene la impronta artística de Polanski, el producto está muy lejos de
colmar las expectativas que genera- con absoluta razón- cada nuevo título del
emblemático creador.
Pese a las
excelentes actuaciones protagónicas de Emmanuelle Seigner y de Eva Green, el
desmerecido guión -extrañamente elaborado por dos cineastas consagrados- no
logra conmover ni dotar al relato del ritmo ni del impacto requerido.
Hugo Acevedo
(Publicada en Revista Onda Digital, 16/04/2018)
Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios
gratis
Título original El
último traje
Año 2017
Duración 86 min.
País Argentina
Dirección Pablo
Solarz
Guion Pablo
Solarz
Música Federico
Jusid
Fotografía Juan
Carlos Gómez
Reparto Miguel
Ángel Solá,Ángela Molina,Martín Piroyansky,Natalia Verbeke, Julia Beerhold,Olga Boladz,Jan Mayzel,Maarten Dannenberg
Productora Coproducción
Argentina-España; Zampa Audiovisual / Tornasol Films / Hernández y Fernández PC
/ Rescate Producciones AIE / Haddock Films / Patagonik Films Group
Género Drama |
Holocausto. Vejez
Clasificación:
+15
Sinopsis Narra el
viaje de Abraham (Miguel Ángel Solá), un sastre judío de 88 años que decide
embarcarse en la aventura de encontrar a un viejo amigo que le salvó hace más
de siete décadas de una muerte segura durante el holocausto, hacia el final de
la ocupación Nazi. (FILMAFFINITY)
Crítica:
“Te debo la
vida”. ¿Cuánto vale esa deuda? ¿Hasta dónde se puede llegar para igualar ese
saldo contable vital? Se atreve a lanzar su apuesta en su segundo largometraje
Pablo Solarz (Juntos para siempre), guionista bipolar que por un lado bordó las
Historias mínimas de Carlos Sorín y, por otro, escribió algunas de las comedias
más rentables y cómodas del cine argentino (Un novio para mi mujer, Me casé con
un boludo). Aunque Solarz tiene que alejarse del humor para encuadrar esta
historia de sustrato real, usa parte del humanismo de aquellos geniales
encuentros patagónicos para narrar la odisea mínima de un judío polaco
instalado desde 1945en Buenos Aires, empeñado en devolver un traje a la persona
que le salvó la vida en Varsovia tras el Holocausto. La misma humanidad
desborda los relatos de ambos filmes. Aseada y solventemente protagonizada por
un Miguel Ángel Solá caracterizado en exceso, el tono teatral de su trabajo
aporta una solemnidad que funciona en contraste con los diferentes perso najes
que encuentra en su periplo (taxis, aviones, trenes; Argentina, Madrid, París,
Polonia). La tontuna del músico en el avión, la naturalidad de Ángela Molina en
la noche madrileña (el Toni2, ese templo) y la mano izquierda de la alemana que
sabe yiddish (aquí, sinónimo de “latín”) le ayudan a saldar cuentas consigo
mismo. Con la deuda de su amigo sastre no hacían falta más idiomas, bastaba un
abrazo.
