La película que estaba programa para el día martes 22 de diciembre fue suspendida por la emergencia sanitaria, debido a lo cual damos por concluido el ciclo 2020 de Cine Club Rocha.
Estimado socio/a:
En este año de ribetes tan especiales, queremos agradecerle a nuestros queridos socios que nos acompañaron contra viento, marea… y virus, superando entre todos el parate que nos vimos obligados a realizar por la emergencia sanitaria.
Muchas veces venimos al cine en búsqueda de grandes héroes, pero los héroes de verdad están ahí afuera… son ustedes, apoyando a este añejo y querido emprendimiento.
A pesar del coronavirus, que se empeñó en arruinarnos la temporada, sumamos nuevos valores que aportaron ideas frescas, y dos ciclos semanales: Jueves de Miedo, y Cine de Autor, que se constituyeron en verdaderos éxitos y acercaron al cine a decenas de jóvenes con ganas de ver películas en el mejor lugar posible: nuestra coqueta sala de cine.
Ello nos reconforta y nos impulsa a continuar con estos ciclos el próximo años, así como a realizar una nueva campaña de socios, que permita solidificar estos éxitos, y en la que bregaremos, como siempre, para que en la medida de sus posibilidades usted pueda también recomendarnos a una amistad, o acercarnos un nuevo asociado.
No faltaron como todos los años las mejoras en la sala, donde se colocaron grandes telones, y se continúa trabajando en un mejor escenario.
Sólo nos resta desearle un ¡Feliz 2021!, donde el reencuentro nos permita transformar la distancia en abrazo, y este año que llega a su fin quede atrás, en un mero recuerdo, como una mala película que esperamos y deseamos, no tener que verla de nuevo.
Reparto Betiana Blum, Roberto Carnaghi, Lucas Ferraro, Alan
Sabbagh, Regina Lamm, Alejandra Flechner, Gipsy Bonafina, María José Gabín,
Soledad García Lombardo, Hernán Chiozza
Género Comedia | Comedia negra
Clasificación +12
Sinopsis Dina Foguelman siempre ha sido una madre
controladora de sus hijos. Como sufre de aerofobia, sus hijos aprovechan y
deciden armar sus vidas fuera del país, lejos del control maternal. Cuando
todos los intentos de Dina fracasan para reunir a sus hijos, decide fingir su propia
muerte y así lograr que vuelvan. Con la ayuda de sus amigas, realizará un falso
velorio donde todo se terminará descontrolando. (FILMAFFINITY)
Crítica
“El día que me muera” es la nueva comedia de Néstor Sánchez
Sotelo, quien propone una historia absurda y grotesca que se va acrecentando
con el correr del metraje. En todo momento se recurre al recurso humorístico
para hacer avanzar la trama, con algunos chistes efectivos. Si bien se tocan
temas serios y dramáticos como las relaciones familiares, el trato hacia la
madre, la identidad, la vejez, la muerte, entre otros, no existe una mayor
profundidad de los mismos sino que se los aborda desde un costado más
superficial y ameno.
En este sentido también se encuentran las actuaciones del
elenco, encabezado por Betiana Blum e integrado por Roberto Carnaghi, Alan
Sabbagh, Alejandra Fletchner, entre otros, quienes exacerban sus acciones y
reacciones con un fin meramente cómico.
En síntesis, “El día que me muera” es una comedia hilarante
y grotesca, en la cual el recurso humorístico se termina convirtiendo en un
elemento que logra que la trama avance y que la historia sea efectiva y cómica.
Una película argentina pasatista para ver en familia. Sami Schuster en cinefiloserial.com
Trailer
Los ciclos de jueves y sábados finalizaron por este año.
Título
original Chico ventana también quisiera tener un submarino
Año 2020
Duración 85 min.
País Uruguay
Dirección Alex Piperno
Guion Alex Piperno
Fotografía Manuel Rebella
Reparto Daniel Quiroga, Inés Bortagaray, Noli Tobol
Género Romance. Comedia. Fantástico | Cine experimental
Clasificación N/D
Sinopsis A bordo de un crucero en los mares de la Patagonia,
un miembro de la tripulación descubre un portal mágico bajo la cubierta del
barco que lleva al apartamento de una joven mujer en una ciudad sudamericana.
Al mismo tiempo, un grupo de hombres encuentra accidentalmente un refugio cerca
de su campamento en las Filipinas que tiene aterrorizados a algunos de los
habitantes del poblado. En algún lugar entre las oscuras salas de máquinas y
los salones de los apartamentos más lujosos; entre el vasto mar y la densa jungla;
entre el tradicionalismo y el modernismo fruto del capitalismo, los individuos
se conocen y se observan entre ellos con curiosidad, escepticismo y ansiedad.
(FILMAFFINITY)
Premios
2020: Festival de Mar del Plata: Selección oficial
competencia iberoamericana
Crítica
Es raro que una película uruguaya empiece en un paisaje
extranjero, entre campesinos que hablan un idioma que casi nadie podrá
identificar (en los créditos finales sabremos que son filipinos). Más extraño
aún es cuando, de sopetón, aparecemos en plena Montevideo, sin saber qué
conexión tendrá una cosa con la otra. Dentro de la intrigante extrañeza
general, iremos entendiendo paulatinamente las reglas de juego: en un crucero
hacia la Patagonia un marino descubre una puerta que lo lleva al baño de la
residencia de una mujer en Montevideo. No habrá intento alguno de explicación
de ese elemento fantástico. Hay otra extrañeza superpuesta a esta: las
reacciones de los personajes no llegan a ser normales, sobre todo en su pronta
asunción, no cuestionadora, de los hechos sobrenaturales. Hurgan un poco, pero
más para maravillarse y disfrutar que para buscar razones. Por su lado, los
filipinos parecen alarmados por un hecho que debería parecer totalmente normal.
Es la ópera prima del uruguayo Alex Piperno, quien muestra un dominio notable
en ese terreno esquivo. Los planos (casi todos fijos) están compuestos con un
rigor excepcional, y es como que cada fotograma podría entrar en una exposición
de fotografía. Hay imágenes formidables en su constitución laberíntica, que
funcionan como microcosmos de los atajos dimensionales que maneja la anécdota.
Y hay momentos de gran ternura. La expectativa no se disipa en ningún momento.
Es una obra especialmente sólida de la cinematografía nacional. Guilherme de
Alencar Pinto: Diario La Diaria
Trailer:
¡No te pierdas los nuevos ciclos de jueves y sábado en Cine Club Rocha!
Guion Sergio Dubcovsky, Santiago Korovsky, Walter Tejblum
Fotografía Massimo Ruggieri, Roman Kasseroller
Reparto Fabián Rosenthal, Mercedes Funes, Carlos Portaluppi,
Santiago Korovsky, Sebastián Hsun, Alan Sabbagh, Betiana Blum, Paula Grinszpan
Género Drama
Clasificación ATP
Sinopsis Los problemas financieros de una comunidad judía que lidera
en un barrio de la ciudad de Buenos Aires son una pesadilla para el Rabino
Aarón. Su excesiva generosidad para ayudar arriesgándolo todo amenaza la obra
que está llevando a cabo. Ni el optimismo ni la laboriosidad del Rabino, ni su
viaje a Nueva York por donaciones, alcanzan para pagar una deuda que contrajo y
además debe procurar no arruinar su comprometida armonía familiar. Acorralado y
cubierto de agobio, Aarón intenta un último recurso: emprender un viaje al
lejano Oriente para conseguir donaciones. La llegada a Taiwán es reveladora en
todo sentido: lejos de las tradiciones conocidas, el Rabino Aarón debe
enfrentar múltiples desafíos para lograr su objetivo.
Crítica
“¿Quién diría que un financista no es la
persona confiable que uno piensa?”, se asombra el ayudante medio zonzo de un
joven rabino, apesadumbrado por el embargo que se le viene encima. Queriendo
estar a la altura del rabino anterior y acaso superarlo, el muchacho se metió
en gastos quizás innecesarios. Ahora su moderna sinagoga luce muy bien, pero el
prestamista, el oficial de justicia y los peones de mudanza no saben
apreciarla. Quizá tampoco la aprecien demasiado los propios fieles. Ni la
esposa, que le reclama un poco más de tiempo en el hogar.
Al pobre guía
espiritual le sobran pretensiones y le falta calle. En cambio, junta millas que
da gusto buscando donaciones en Nueva York y hasta en Taiwán. Hay judíos ricos
en ambos lados. Como uno que levanta la vista extrañado cuando le cuentan de
los comedores gratuitos para judíos pobres. O la millonaria que ofrece todo lo
necesario con una condición que afecta los sentimientos del rabino. Algún
efectivo conseguirá, después de todo. Pero más aún conseguirá valorar la
armonía familiar en la sencilla casa de un empleado de hotel, y otras cositas,
que obran de moraleja sin dar sentencia.
Buena historia,
simpática, bien hecha, su autor es Walter Tejblum, productor de “Otro entre
otros”, sobre los homosexuales dentro de la comunidad judía, y autor de “Malka,
una chica de la Zwi Migdal”, historia de alguien que logró establecerse por su
cuenta y rehacer su vida. En el elenco, Fabián Rosenthal, eficaz debutante,
Mercedes Funes, Santiago Korovsky, también coguionista, Sebastián Hsu, Carlos
Portaluppi, Alan Sabbagh, y Bettiana Blum en breve aparición como típica madre
cargosa. Paraná Sendrós en Ámbito
Financiero
Trailer:
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Reparto Daniel
Craig, Ana de Armas, Chris Evans, Jamie Lee Curtis, Toni Collette, Don Johnson,
Michael Shannon, Christopher Plummer, Lakeith Stanfield, Katherine Langford,
Jaeden Martell, Riki Lindhome, Edi Patterson, Raúl Castillo, Frank Oz, M. Emmet
Walsh
Género Intriga | Crimen. Comedia negra
Clasificación + 15 años
Sinopsis Cuando el renombrado novelista de misterio Harlan
Thrombey (Christopher Plummer) es encontrado muerto en su mansión, justo
después de la celebración familiar de su 85 cumpleaños, el inquisitivo y cortés
detective Benoit Blanc (Daniel Craig) es misteriosamente reclutado para
investigar el asunto. Se moverá entre una red de pistas falsas y mentiras
interesadas para tratar de descubrir la verdad tras la muerte del escritor.
Premios
2019: Premios Oscar: Nominada a mejor guion original
2019: Globos de Oro: Nom. a mejor film comedia, actor
(Craig) y actriz (de Armas)
2019: Premios BAFTA: Nominada a mejor guion original
2019:
National Board of Review (NBR): Mejor reparto. Top films del año
2019: American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores
películas del año
2019: Critics Choice Awards: Nominada a mejor comedia,
reparto y guion original
2019: Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a mejor
guion y dirección artística
2019: Círculo de Críticos de San Francisco: Nominada a mejor
guion original
2019: Satellite Awards: Mejor reparto. 4 nominaciones,
incluyendo mejor comedia
2019: Sindicato de Productores (PGA): Nominada a mejor
película
2019: Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guion
original
Crítica Por más que CUCHILLOS AFUERA, título original en inglés, le
sugiiera al espectador que en la historia que va a presenciar corre la sangre,
el desarrollo del asunto se encargará de demostrar que gran parte de lo que
disimulan, ocultan o falsean los diferentes personajes de una poblada galería
resulta quizás más terrible y devastador que las heridas provocadas por el filo
de un arma, De ahí a que Entre navajas y secretos, la denominación del film en
castellano , se acerque bastante más a lo que la propuesta en sí trae consigo,
un punto que poco y nada tiene que ver, a pesar de los anuncios y la
propaganda, con las novelas de la ocurrente Agatha Christie, la cual, en
verdad, se ocupó siempre de otra clase de misterios. Más allá entonces de una
estructura narrativa que el guionista y director Ryan Johnson mantiene al
alentar el tono de misterio alrededor de lo que, en verdad, sucedió, la trama,
a propósito del suicidio del acomodado patriarca de una familia numerosa,
detalla las idas y venidas de sus descendientes antes y después del hecho
luctuoso. Asoman por allí intrigantes enfrentamientos que se encargan de
revelar actitudes y procederes que complican no sólo la manera en la cual podría ser repartida la fortuna
del desaparecido -autor literario de enorme aceptación, además- sino también la
forma en que tuvo lugar dicho suicidio, si lo hubo. De ahí a que, además de los
familiares que se reúnen para el sepelio y la posterior lectura de la voluntad
final del fallecido, aparecen asimismo en la gran casona del suicida, un par de
representantes de la policía que buscan aclarar ciertas circunstancias que
envolvieron la desaparición de un hombre que, de buenas a primeras, no tenía
motivos para acabar con su vida.
Habida cuenta de todo lo que antecede y, cabe señalar, de un
punto de partida bastante forzado, así como de ciertas situaciones que Johnson
alarga sin tener en cuenta la verosimilitud que exigen los relojes, cabe empero
reconocer la agilidad con que arma un asunto que incluye la inserción de
oportunas secuencias que transcurren en un pasado cercano y la habilidad que la
que dispone para introducir las entradas
y salidas de tanta gente sin que se le descalabre la narración. Cuenta para ello con un más que desenvuelto elenco
en el que destacan Daniel Craig, como autoritario representante de la ley, el
televisivo Don Johnson, las sinuosas Jamie Lee Curtis y Toni Collette y el
respetable Christopher Plummer, en el papel del suicida, a quien se ve en
varios sabrosos flashbacks. Como la enfermera que lo atiende, debe mencionarse
a la joven Ana de Armas, la cual tiene que soportar que, dados los orígenes
sudamericanos de la silueta que compone, nadie sepa bien si es paraguaya,
venezolana o uruguaya, típica confusión de algunos estadounidenses distraídos.
Crédito especial merece, en otros rubros, la dirección artística de David
Crank, quien se las ingenia para conseguir que todos los ambientes de la
propiedad en donde se desarrolla la mayor parte de la acción luzcan tan
atractivos como sugerentes con respecto a una platea que, recién al final,
conseguirá captar todo lo que verdaderamente les sucedió a los integrantes de
un clan poco digno de ser imitado. Álvaro Loureiro (Exclusivo para accu.uy,
23/12/2019)
Trailer:
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Género Drama. Comedia | Años 80. Música. Basado en hechos
reales. Adolescencia.
Clasificación + 6 años
Sinopsis En la Inglaterra de 1987, durante los austeros años
en los que Margaret Thatcher estuvo en el poder, Javed, un adolescente
británico de ascendencia paquistaní, aprende a vivir y a comprender a su
familia a través de la música de Bruce Springsteen. (FILMAFFINITY)
Critica Todo lo que está medio más o menos en Yesterday, está muy
bien en La música de mi vida, una simpática comedia sobre cómo un cancionero
puede cambiar la vida de todos. La música es la de Bruce Springsteen que parece
estarle hablando directamente a a Javed, un muchacho hijo de paquistaníes que
debe sortear su adolescencia en thatcherianos tiempos de recesión e
intolerancia. Su padre -como el de Jack en Yesterday- son un tanto
reaccionarios (tradicionalistas, quizás sea más justo) e intentan inculcarle
algunas de las cosas que Springsteen explica muchísimo mejor en un par de
estrofas que son mostradas en reafirmantes sobreimpresos.
Dirigida por Gurinder Chadha (que había mostrado el mismo
encanto en Jugando con el destino), el tono es simpatiquísimo y está salpicado
más que con detalles sociales con números musicales que son contagiosos.
Javed va a conseguir un aliado en la música de “El Jefe”
para cambiar su vida y, por qué no la vida de los que lo rodean. Un amigo “new
romantic” y un amigo singh, le dan el apoyo que precisa y una novia con
conciencia política, el impulso del que todo adolescente suele andar escaso.Fernán Cisnero en El País
Trailer:
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Dirección Jon Garaño, Aitor Arregi, José Mari Goenaga
Guion Luiso Berdejo, José Mari Goenaga
Música Pascal Gaigne
Fotografía Javier Agirre Erauso
Reparto Antonio de la Torre, Belén Cuesta, Vicente Vergara,
José Manuel Poga, Emilio Palacios, José María del Castillo, Carlos Bernardino,
Adrián Fernández, Nacho Fortes, Marco Cáceres, Joaquín Gómez, Esperanza
Guardado, Óscar Corrales, Enrique Asenjo, Estefanía Rueda
Género Drama | Basado en hechos reales. Guerra Civil
Española. Posguerra española. Años 30.
Clasificación+16
Sinopsis Higinio y Rosa llevan pocos meses casados cuando
estalla la Guerra Civil, y la vida de él pasa a estar seriamente amenazada. Con
ayuda de su mujer, decidirá utilizar un agujero cavado en su propia casa como
escondite provisional. El miedo a las posibles represalias, así como el amor
que sienten el uno por el otro, les condenará a un encierro que se prolongará
durante más de 30 años.
Crítica
En estos años un grupo de autores se destacó en el panorama
de la cinematografía española. El término es amplio, ya que son bastante
inclasificables: se trata de un trío de cineastas que no siempre trabajan
juntos ni en la misma labor, funcionando a veces como directores, guionistas o
las dos. Pero sea en la función que sea el equipo de Jon Garaño, Aitor Arregi y
Jose Mari Goenaga es digno de tener en cuenta, ya que desde su primer
colaboración en un mismo proyecto, Loreak, se muestran como artistas con una
voz creativa y fresca, dispuestos a proponerse desafíos en la pantalla. Lo
demostraron convirtiendo lo que parecía un melodrama clásico en una interesante
muestra de habilidad narrativa, y lo reafirmaron en Handia, un bonito cuento
freak sobre las adversidades y las sorpresas que se nos presentan en la vida,
con un notable trabajo técnico y de recreación de época además de una narrativa
sensible, con algo del cine de Jeunet, que no juzgaba a sus criaturas sino que
las exponía con cariño ante el espectador, evitando las bajadas de línea sobre
las personas diferentes. Estos dos trabajos, con sus aciertos y errores, ya
dejaban la vara alta, y La trinchera infinita supone un importante antes y
después en la carrera de los tres, ya que es un trabajo (si se puede) más
ambicioso que el anterior y con mayor repercusión tanto en España como
internacionalmente.
La película nos sitúa en 1939, cuando la Guerra civil está
finalizando en España. Hidalgo, un republicano, debe huir de su pueblo ya que
las fuerzas franquistas andan detrás de él, pero rápidamente descubre que es
imposible ya que no sólo los soldados están alertas sino también los vecinos,
especialmente uno que mantiene un viejo rencor contra el protagonista. Sin
lugar a donde ir Hidalgo regresa a su casa, en donde tiene un pequeño hoyo que
sirve de refugio cada vez que alguien entra a revisar el lugar. Al principio
tanto él como su esposa, Rosa, confían en que esta situación extrema durará
poco tiempo, idea que sostiene la cordura del hombre y la esperanza de la
mujer, pero los años pasan y las cosas siguen igual, o más afianzadas aún.
Seremos testigos entonces de cómo se las ingenia este personaje para sobrevivir
durante 30 años en un encierro total.
Como mencionaba antes, este debe ser el trabajo más complicado
de sus autores, y afortunadamente el más satisfactorio, ya que potencia y
consolida las habilidades que demostraron previamente. Un primer acierto se
encuentra en la eficacia de la narración, empezando de forma muy rápida aunque
sin apresurarse, explicando lo necesario y confiando también en que el público
sabrá rellenar lo que falte, para luego adaptar el ritmo a lo que la situación
requiera. Existen momentos muy movidos en el metraje, sobre todo en cada
intento de escape de Hidalgo, pero también se le presta atención a la
desesperación interna, el tedio del escondite, la impotencia al no poder salir
y el miedo a lo que puede pasar —- un intimismo que le da más potencia al drama
y sobre todo no desentona. También es notable el manejo de la tensión a través
de todo lo que sucede fuera de plano, lo que nos posiciona directamente dentro
de la cabeza del personaje principal.
Ese es tal vez el mayor triunfo de la película, ya que no
solo podemos entender lo que vive el pobre Hidalgo sino también su esposa y posteriormente
su hijo. La trinchera infinita se encuentra totalmente en contra de la
persecución por parte de un régimen autoritario, sea por ideales, por gustos o
por lo que sea que se reprima a una persona, pero también muestra que la
condena no solo la sufre el individuo sino también todo aquél que lo rodea,
gente que incluso se puede llevar la peor parte, como puede ser la tortura
física y la psicológica. Y finalmente abre otra línea, la del idealismo
político, planteando una pregunta interesante: ¿Tiene más valor aquél que huye
o aquél que es mártir? ¿En qué lugar de la historia quedan esos “topos”, como
se les llamó a estos hombres que se escondieron del franquismo en sus casas?
Esos cuestionamientos son espléndidamente interpretados por
la dupla de Antonio de la Torre y Belén Cuesta, los cuales realmente se
involucran con el material y transmiten muy bien el dolor y la amargura de sus
roles. Él viene de dos roles que realmente me habían impactado, en El reino y
La noche de 12 años (en donde incluso imita a la perfección los modismos del
Pepe Mujica), por lo que no me sorprende su nivel, pero debo confesar que
desconocía el trabajo de Cuesta y logró impresionarme, por momentos llegando a
robarse toda mi atención. Ambos tienen mucha química y resultan creíbles en
cada salto temporal, ayudados también por el buen y discreto trabajo de diseño
de producción que, si bien no es tan vistoso como en Handia, deja bien en claro
en qué momento viven los personajes.
También hay que detenerse un segundo en el notable
fotografía de este film, la cual sin dudas era un gran reto. Sin irse a los
extremos de Enterrado, otra destacable película española, aquí casi todo se
filma en espacios reducidos, pero con la suficiente inteligencia y creatividad
para que el espectador no se sienta aprisionado sino que crea que realmente
está ante un espacio infinito. Es una lástima que en la pasada edición de los
Premios Goya esta película se haya tenido que enfrentar con otras igual de
poderosas, lo que se vio reflejado en los pocos premios que terminó
consiguiendo a pesar de ser la más nominada, pero si siguen por este camino no
hay dudas: en algún momento estos tres directores se llevarán a casa el premio
más importante de la ceremonia. Martín Imer (La vida en un cine, 24/03/2020)
Sinopsis Paula es directora de una revista para mujeres como
ella: liberales, independientes y comprometidas. Las ventas no son buenas y
para salvar la publicación, se ve forzada a escribir una columna sobre
maternidad. Paula no puede con su genio y en lugar de fomentar la idea
romántica de la maternidad, se inclina por todo lo contrario. Así nace la
columna: `Razones para no ser madre`, donde se dedica a derribar todos los
mitos sobre maternidad y que, inesperadamente, se convierte rápidamente en un
suceso entre las madres y las no madres. (FILMAFFINITY)
Crítica
Paula vive sola, no tiene pareja (solo un amigo con derecho
a roce) y no le interesa tener hijos. Es periodista en una revista femenina que
se viene a pique hasta que… por sugerencia de su hermana, que le aconseja
escribir desde el odio, se le ocurre crear una columna antimaternidad,
explicando todas las razones por las que no quiere ser madre. Para ello se
alimenta de lo que le pasa día a día, incluso lo que le ocurre cuando conoce a
su vecino, un apuesto padre soltero de una simpática niña (en estas comedias
todos los niños son ocurrentes y compradores) que desde el vamos la necesita
para salir de los distintos apuros que le provoca criar a una hija solo (la
madre se fue en busca de un futuro profesional a Finlandia). La columna es un
éxito, pero a Paula empiezan a pasarle cosas que contradicen o afectan sus
“máximas”. Es una comedia romántica, por lo tanto tiene sus reglas que se
respetan casi que a rajatabla: dos corazones que se atraen más allá de sus
diferencias, una buena línea de secundarios para apelar al humor -acá se roba
todo Daniela Pal como la mujer poco femenina que ayuda a Rafael con la casa y
su hija- y un obstáculo final que deberá ser superado para el “happy end”. Es
una historia muy propia de Marcos Carnevale, un director de películas efectivas
pero poco arriesgadas y que, por lo general, tienen un elenco de peso que tapa
las posibles falencias. Julieta Díaz y Pablo Echarri son en este caso los pesos
pesados que todo lo pueden, incluyendo levantar un guión que a veces cae
demasiado en los clichés y termina arruinando la posibilidad de defender la
premisa de la que parte: que una mujer quiera ser feliz sin tener hijos ni
ataduras. Es una de esas comedias que se eligen para pasar el rato y no
defrauda; si busca drama o un alegato feminista (aunque así lo pinte la
sinopsis), no es esta la película. Analía Filosi en Sábado Show
Martes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis.
Título original Gisaengchung aka AKA Parasite
Año 2019
Duración 132 min.
País Corea del Sur
Dirección Bong Joon-ho
Guion Bong Joon-ho, Jin Won Han
Música Jaeil Jung
Fotografía Kyung-Pyo Hong
Reparto Song Kang-ho, Lee Seon-gyun, Jang Hye-jin, Cho
Yeo-jeong, Choi Woo-sik, Park So-dam, Park Seo-joon, Lee Jeong-eun, Park
Keun-rok, Hyun Seung-Min, Andreas Fronk, Park Myeong-hoon, Jung Hyun-jun,
Ji-hye Lee, Joo-hyung Lee, Jeong Esuz, Ik-han Jung, Seong-Bong Ahn, Dong-yong
Lee, Hyo-shin Pak
Género Intriga. Comedia. Drama. Thriller | Comedia negra.
Drama social. Familia
Clasificación +18
Sinopsis Tanto Gi Taek (Song Kang-ho) como su familia están
sin trabajo. Cuando su hijo mayor, Gi Woo (Choi Woo-sik), empieza a dar clases
particulares en casa de Park (Lee Seon-gyun), las dos familias, que tienen
mucho en común pese a pertenecer a dos mundos totalmente distintos, comienzan
una interrelación de resultados imprevisibles. (FILMAFFINITY)
Critica La lucha de clases que se dirime en espacios
geográficos diversos contaminados por las asimetrías sociales, las miserias
económicas y humanas y la obscena opulencia de los ricos que subvierte valores,
constituye el radical disparador temático de Parásitos, el séptimo y formidable
largometraje del maestro coreano Bon Joon-Ho.
Esta película, que cosechó la Palma de Oro en el Festival de
Cannes y sorpresivamente los premios Oscar en las categorías Mejor Película,
Mejor Director, Mejor Film Internacional y Mejor Guión Original, es una
auténtica lección de cine de alta escuela y superlativo vuelo dramático, que
impacta y a la vez conmueve.
El aclamado film corrobora los sólidos antecedentes
artísticos de un director referente, autor de recordados títulos como Memorias
de un asesino (2003), El huésped (2006), Madre (2009), El expreso del miedo (2013) y Okja (2017).
El cine de Bong Joon-Ho posee una impronta sin dudas
intransferible, que privilegia –entre otras tantas inquietudes- el análisis de
los grandes dilemas de nuestro tiempo histórico.
Esa predisposición a hurgar en la condición humana suele
discurrir entre la crítica a un sistema económico y social realmente
disfuncional y las respuestas y pulsiones emocionales colectivas, en un mundo
globalizado y signado por una creciente incertidumbre.
Todo eso y mucho más ofrece Parásitos, que, sorprendentemente,
ha impactado y concitado la atención y admiración de diversas audiencias del
planeta, quizás por plantear temáticas que son universales y transversales y
que obviamente trascienden a las fronteras geográficas, étnicas y culturales.
En efecto, no es frecuente que un cineasta coreano –cuya
producción está habitualmente acotada al ámbito de los festivales que
privilegian la calidad artística sobre el mero comercio-tenga un tan importante
nivel de penetración en el público masivo.
Sin embargo, Bong Joon-Ho lo ha logrado, con una historia
que sensibiliza particularmente por un realismo crudo no exento de humor negro
ni de crítica vitriólica y una superlativa carga emocional.
Al respecto, el propio nombre de la película amerita una
profunda reflexión, porque refiere, en lenguaje meramente biológico y también
alegórico, a un organismo que vive a expensas de otro.
En buena medida, en las sociedades de impronta capitalista
sucede casi lo mismo, con una clase social- la burguesa- que detenta la
propiedad privada de los medios de producción y se apropia de la renta generada
por el trabajo de la clase media baja y aun de quienes sobreviven malamente en
la pobreza.
Esa suerte de despiadada explotación – que es admitida
explícitamente por un sistema económico y social hecho a la medida de las
necesidades de una clase privilegiada- es realmente una suerte de despojo con
marco legal.
Parásitos es, en muy buena medida, el correlato de este
vínculo claramente asimétrico, el cual horada los más elementales fundamentos
de la equidad que debería existir en todo sistema presuntamente democrático.
Desde las primeras secuencias, el director y guionista
conduce al espectador a través del corazón de la historia, describiendo las
paupérrimas condiciones en las cuales vive la familia Kim, integrada por una
madura pareja con dos jóvenes hijos.
El primer e irónico indicio de la miseria de este grupo
humano condenado a vivir en un sótano que se inunda cuando llueve y a dormir en
refugios cuando todo se anega, es que sus integrantes se quedan sin wifi.
En efecto, parece insólito que se preocupen mas por estar
conectados que por tener trabajo y comer todos los días, ya que todos son
desocupados y se alimentan gracias a los menguados ingresos originados en su
trabajo de montar cajas de pizza.
Empero, los caprichos del destino les permiten relacionarse
con la potentada familia Park, que vive en una lujosa mansión de dos plantas
con numerosos y amplios ventanales y un jardín que parece una estancia.
El vínculo se concreta a través del joven hijo de los Kim,
quien comienza a enseñarle inglés a la adolescente hija de la pareja y a
integrarse a ese núcleo familiar de extracción burguesa que, con el tiempo,
otorgará trabajo a todo ese grupo humano que vive en la periferia de la
sociedad.
El primer núcleo de reflexión refiere al radical contraste
entre la sagacidad de esos pobres habituados a sobrevivir a como dé lugar y la
ingenuidad de los ricos, que se dejan engañar fácilmente, porque viven en su
limbo de privilegios.
Empero, hay un personaje que pertenece a ambos mundos: el
ama de llaves y cocinera de la familia, quien, pese a ser de condición humilde,
ha usufructuado el bienestar y el status que le confiere haberse transformado
en indispensable.
Empero, esa armónica convivencia entre personas tan
diferentes por su origen social, es obviamente aparente. No en vano, el dueño
de casa le comenta a su esposa, con absoluta naturalidad, que de sus
trabajadores emana el mismo olor que se percibe en los trenes. Por supuesto, la
mujer le responde que jamás viaja en ese medio de transporte, sino en una
lujosa limusina con chofer.
El film destila humor negro, mofándose amargamente de los
ridículos ritualismos de la clase acomodada, que se aferra obsesivamente a su
statu quo arribista.
Por supuesto, esta propuesta cinematográfica no omite
denunciar la grosera colonización de Corea del Sur por parte de los Estados
Unidos, que modificó radicalmente las costumbres y hasta la cultura del país
asiático. En tal sentido, la película revela que el tan mentado modelo
surcoreano es un mito, en tanto las diferencias sociales son tan abrumadoras
como exasperantes.
Otro tema sobre el que ironiza Bong Joon-Ho es el relativo a
la amenaza de invasión por parte de Corea del Norte, que justifica la
permanencia de tropas estadounidenses en Corea del Sur desde hace setenta años,
en una suerte de ocupación que afianza la avanzada imperialista de Washington y
requiere una millonaria inversión.
Empero, más allá de eventuales disquisiciones geopolíticas,
Parásitos es un potente drama impregnado de ironía, que cuestiona las
despiadadas asimetrías sociales del sistema capitalista y denuncia todas las
miserias humanas, tanto las materiales como las morales.
Al margen de su mero contenido discursivo y sus excelentes
actuaciones protagónicas, la película es también una experiencia audiovisual
prodigiosa y realmente apasionante, que confirma el indudable talento del
galardonado autor, quien, en la noche del domingo 9 de febrero, ingresó en la
mejor historia de Hollywood al obtener el máximo galardón para el cine
asiático.
Martes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis.
Título original La tregua
Año 1974
Duración 108 min.
País Argentina
Dirección Sergio Renán
Guion Sergio Renán, Aida Bortnik (Novela: Mario Benedetti)
Música Julián Plaza
Fotografía Juan Carlos Desanzo
Reparto Héctor Alterio, Ana María Picchio, Luis Brandoni, Marilina
Ross, China Zorrilla, Cipe Lincovsky, Oscar Martínez, Luis Politti, Norma
Aleandro, Antonio Gasalla
Género Drama | Drama romántico
Sinopsis Martín Santomé, un viudo con tres hijos, comienza a
registrar en un diario íntimo la vida cotidiana y anódina de la oficina y las
tensiones de su vida familiar. Un día, a punto de jubilarse, irrumpe en su vida
la joven Laura Avellaneda, y Martín descubre que aún está vivo. Superados los
temores que les infunde la gran diferencia de edad que hay entre ellos, se
atreven a correr el riesgo de vivir una relación amorosa. (FILMAFFINITY)
Premios
1974: Nominada al Oscar: Mejor película de habla no inglesa
“La Tregua” es una película emblemática del cine rioplatense
de los años 70, dirigida por Sergio Renán y con un notable elenco encabezado
por Héctor Alterio, Ana María Picchio, China Zorrilla, Marilina Ross, Luis
Brandoni y Cipe Lincovsky. Lleva a la pantalla la más famosa novela de Mario
Benedetti, una historia de amor agridulce ambientada en el Montevideo de
finales de los años 50 que plantea inquietudes que trascienden contextos
históricos y que enfrenta al espectador a grandes temas como el amor, la
soledad, el paso del tiempo, la rutina y la acción política. “La tregua” es una
novela que se sigue leyendo y releyendo, con reediciones en decenas de países y
diferentes idiomas, lo cual demuestra que es una obra que ha logrado acercarse
a diferentes generaciones y así sobrevive al tiempo en la apreciación de los
lectores.
«La tregua» es una novela escrita en 1959 y publicada en
1960. Ha sido traducida a 18 idiomas y es, por lejos, la obra de Mario
Benedetti más editada. Hasta la fecha, según datos de la Fundación Mario
Benedetti, lo ha sido en 153 ocasiones. La historia de Martin Santomé, un
hombre viudo desde hace muchos años, que ha dedicado su vida al trabajo
contable en una oficina y a sacar adelante a sus tres hijos -dos de los cuales
no conocieron o conocieron escasamente a su madre-, y que repentina e
insospechadamente, a poco de jubilarse, ya casi en sus cincuenta, conoce a
Laura Avellaneda y prueba el amor una vez más, a pesar de una gran diferencia
etaria. Cuando todo parece encaminarse felizmente, sorteando las dificultades
propias de temores y prejuicios, súbitamente Avellaneda también muere y la vida
de Santomé parece perder sentido definitivamente.
La tregua, el filme, se estrenó en agosto de 1974 y se
convirtió en la primera película argentina en ser candidata a un premio de la
Academia de Hollywood como mejor filme extranjero, o de habla no inglesa. La
versión libre de la novela de Mario Benedetti marcó el debut en cine del
director Sergio Renán, también fue el primer protagónico de Héctor Alterio y la
primera adaptación al cine de un guion de Aída Bortnik (La historia oficial,
1984; Tango feroz: la leyenda de Tanguito, 1993; Caballos salvajes, 1995;
Cenizas del paraíso, 1997; entre otras).
Aquí, esa adaptación funciona para sostener la sustancia del
relato original, pero además amplifica su dimensión a un tono de tragedia
urbana, citadina, que trasmite todo el gusto amargo de esa vida trunca, carente
de emociones vitales, que no logra despegar del tono resignado y opaco, y que
tiene a la jubilación como único sinónimo del ocio y última esperanza y
posibilidad concreta de encontrarse a sí mismo como ser en el mundo. En La
tregua, Renán se permite la pausa, el silencio, la mirada atenta… y con ello
nos permite la reflexión, la asunción de la derrota, el doler con…
También la intertextualidad con la que trabaja Renán -sin
dudas presente en el original literario, pero reforzada y casi explicitada en
su versión cinematográfica- sostiene con bases sólidas la idea de vidas
meramente transcurridas, de posibilidades de futuro autocercenadas por la
mecanicidad de sus acciones cotidianas, de seres sin horizontes, en los que la
felicidad solo asoma como remedo de la alegría.
Roberto Arlt y «La isla desierta» (1937) se imponen como
índice de lectura.
La adaptación que Bortnik realizó junto a Renán traslada las
entradas de ese diario que lleva Martín Santomé, y que estructura toda la
novela de Benedetti, de modo preciso, respetuoso y solidario con el espíritu de
su original literario. Dicho con mayor precisión: traslada su espíritu, no
estrictamente su texto. También le presta oídos a la ciudad y sus sonidos y al
tono melancólico del tango que la habita; la bellísima y punzante banda sonora
original de Julián Plaza subraya el tedio de esa vida de rutinas -incluso en
domingo-, el dolor de ciertos desencuentros vitales, y el sabor amargo de lo
que ya no será. Los acordes que como golpes se reiteran al inicio y al final
del filme marcan el fin de esa tregua. Ese hombre triste, enfrentado al espejo
del mueble de su cuarto, al comienzo, y que enfrentará al espejo de la platea
sobre el final, no sabrá de paz. Tal vez debamos correr la mirada; la
identificación podría desalentarnos ciertamente. (…) Benedetti nunca entendió
muy bien el éxito de su novela; no consideraba que fuera lo mejor que había
escrito en ese género. Sin embargo, funcionaba. En una recordada entrevista
realizada por María Esther Gilio para Brecha, ella insiste con la búsqueda de
sus virtudes: «[…] algo tiene que tocar en la gente«, le cuestiona. A lo que
Mario se limita a responder: «Es una historia de amor. Creo que no es cursi«.
Mario relataba sorprendido, curioso: «No sabés cuántas veces
la han dado en radio, cine, teatro, televisión. A veces bien hecha, a veces
mal. En Colombia, por ejemplo, hicieron una versión desastrosa. Metieron
complicaciones con el narcotráfico. Yo solo les había exigido que la ubicaran
en Uruguay. Nunca imaginé que saldrían con algo así. La tregua me conquistó un
público de afuera. Cuando la hicieron en televisión con Héctor Alterio y Ana María
Picchio fue fantástico. A mí me gustó más esta versión que la hecha en cine«.
Y es que a Mario le molestó que la trasladaran de época,
pero más aún le molestó que la trasladaran de espacio. Que la situaran en
Buenos Aires lo llevó a enemistarse durante un cierto tiempo con Renán. Es por
ello que Gracias por el fuego incluye varias escenas exteriores filmadas -como
condición suya o como concesión ajena- en la ciudad que él tanto amaba:
Montevideo. (En Gracias por el fuego la molestia vendría por las risotadas
finales que los productores le impusieron a Renán para el personaje
interpretado por Graciela Dufau; muy lejos del tono de ese epílogo en la
novela).
La historia de «La tregua» tiene una base real «levemente»
modificada por el escritor nacido en Paso de los Toros. Parte de un romance
real que viviera uno de sus jefes de oficina con el que sostenía una relación
cálida y cordial. En determinado momento, casi inesperadamente, rondando más o
menos los cincuenta años, le confiesa a Mario que estaba enamorado.
««Pero el problema es que esta muchacha tiene la mitad de
mis años. Tiene 26. ¿Qué voy a hacer?» «¿Por qué no se casa?»
Andrés Vartabedian (Revista Cultural Vadenuevo, 05/08/2020)
Mario Benedetti en el cine
La obra del escritor uruguayo (1920-2009) nacido en Paso de
los Toros, Tacuarembó, recorre diversos géneros literarios: poesía, narrativa,
ensayo, incluso teatro. Varias han sido sus obras adaptadas al lenguaje
cinematográfico, ya sea en forma de largometrajes como de cortometrajes. En un
primer momento, fue su obra en prosa la elegida por diversos realizadores para
ser trasladada a la pantalla grande. Sin embargo, lentamente, la poesía fue
ocupando también su lugar de importancia.
Esta relación con el séptimo arte, de acuerdo a la
investigación realizada por Andrés Vartabedian (Revista Cultural Vadenuevo)
abarcaría diez largometrajes, 17 cortos, tres series de televisión,
incluyéndolo asimismo como actor en un par de oportunidades.
Género Drama. Fantástico. Romance | Drama social. Drama
romántico. Inmigración. Fantasmas
Clasificación +13
Sinopsis A lo largo de la costa atlántica, una torre
futurista que pronto será inaugurada se cierne sobre un suburbio de Dakar. Ada,
de 17 años, está enamorada de Souleimane, un joven trabajador de la
construcción. Pero ella ha sido prometida a otro hombre. Una noche, Souleimane
y sus compañeros desaparecen en el mar. Poco después, regresan para atormentar
a su antiguo vecindario tomando posesión de las novias que dejaron atrás.
Algunos de los trabajadores han venido reclamando venganza y amenazan con
quemar la torre si el desarrollador no paga sus salarios. Pero Souleiman ha
regresado por Ada, para que puedan estar juntos por última vez. (FILMAFFINITY)
Crítica
En Atlantique, la directora franco senegalesa Mati Diop se
basa en un cortometraje documental que hizo en 2009, y en el filme evoca a su
mentora, Claire Denis. La había dirigido -Diop tiene una carrera como actriz-
un año antes, en 35 rhums, en 2008.
Con esta mención, quizá, pueda verse a su opera prima desde
otra óptica, porque, por cierto, Atlantique es una película que parece
desestructurada y querer desestructurar a su espectador.
Si hubiera que resumir, para ayudar a entender la trama,
diríamos que es la historia de un amor casi imposible, como es casi imposible
que se construya ese enorme edificio, esa torre, muy cerca de la costa del
Océano Atlántico en Senegal. Es el romance entre una futura novia, Ada (Mame
Bineta Sane) y un amante, Souleiman (Traore), que es su primer amor. El,
trabajador, albañil de esa torre, decide emigrar con otros hombres jóvenes y a
través del Océano Atlántico, llegar a España desde Dakar. Les adeudan tres
meses de sueldos. Espera, supone que allí, en Europa, el futuro le brindará más
y mejores oportunidades.
Ante esta situación, Ada parece destinada a casarse con su
novio, un rico, pero aburrido tipo, Omar (Babacar Sylla), que no está siempre
en su hogar, un empresario u hombre de negocios.
Hasta que suceden cosas, digamos, extrañas en la ciudad.
Como que Souleiman empieza a tener un comportamiento algo
perturbador. Como que se incendia la cama matrimonial. Como que están
comenzando a pasar cosas sumamente surrealistas.
Por suerte, no ingresa en las aguas del realismo mágico,
pero hay algo de espíritus flotando en el aire. ¿O no?
Las crisis de la inmigración pueden contarse de una y mil
maneras, y Dip lo hace agregando lo que podríamos decir legados de la violencia
que hubo en las colonias.
Esta es una fábula contemporánea, que recorrió muy bien los
festivales internacionales, y que desde el viernes está en la plataforma de
Netflix.
Ese viaje había empezado nada menos que en la competencia
por la Palma de Oro del Festival de Cannes, en mayo de este año, donde ganó el
Gran Premio del Jurado. Fue la primera vez que una directora negra ingresó en
la competencia del festival más importante del mundo en sus 72 años de
historia. Tal vez le alcance. O no. Pablo O. Scholz en Clarín
Reparto Ricardo Darín, Luis Brandoni, Chino Darín, Verónica
Llinás, Daniel Aráoz, Carlos Belloso, Rita Cortese, Andrés Parra, Marco Antonio
Caponi, Ailín Zaninovich, Alejandro Gigena, Guillermo Jacubowicz, Luciano
Cazaux
Género Comedia. Drama | Comedia dramática. Venganza. Comedia
negra. Robos & Atracos
Clasificación +9 años
Sinopsis
Provincia de Buenos Aires, fines del 2001. Un grupo de
amigos y vecinos pierde el dinero que había logrado reunir para reflotar una
vieja cooperativa agrícola. Al poco tiempo, descubren que sus ahorros se
perdieron por una estafa realizada por un inescrupuloso abogado y un gerente de
banco que contaban con información de lo que se iba a desencadenar en el país.
Al enterarse de lo sucedido, este grupo de vecinos decide organizarse y armar
un minucioso plan con el objetivo de recuperar lo que les pertenece.
(FILMAFFINITY)
Crítica
Es la historia de una estafa pero también de una utopía y de
la rebeldía de un grupo de personas humildes con intereses comunes: Fermín
Perlassi (Ricardo Darín), propietario de una estación de servicio, y Antonio
Fontana (Luis Brandoni), el dueño de una gomería en quiebra que supo ostentar
en el pasado un alto cargo en el Departamento de Vialidad, que se sublevan
contra un destino aciago.
Habitantes de la pequeña localidad de Alsina, en el interior
de la provincia de Buenos Aires, ambos se declaran hastiados de la decadencia
del lugar y resuelven iniciar un proyecto productivo, junto a otros pobladores.
Ignorando que la debacle estaba cerca, la idea es fundar una
cooperativa de acopio para los productores de la zona en una planta fabril
cerrada, capaz de generar no menos de veinte puestos de trabajo. Obviamente, el
emprendimiento requiere de un abultado financiamiento en dólares, que es
recolectado por estos dos auténticos quijotes.
Por supuesto, ninguno de los integrantes del grupo –alejados
de los centros de decisión- imagina que en su país se avecina una crisis de
terribles proporciones que puede poner en riesgo este plausible sueño
compartido.
Salvo Antonio Fontana, que tiene un pasado anarquista y
algún que otro peronista nostálgico, la mayoría de esta personas no entiende
nada de política. Naturalmente, todos ignoran que, entre las medidas que tomará
el gobierno que hereda el desastre está el mentado corralito bancario, que en
2002 fue replicado por el gobierno de coalición que por entonces detentaba el
poder en Uruguay.
Esta draconiana decisión, que originó otros fraudes de
corruptos de guante blanco, se transforma en una auténtica Espada de Damocles
que pende sobre el proyecto productivo.
La película, cuyo género es inclasificable, mixtura el drama
–en toda su dureza- con la comedia, el cine de acción por momentos vertiginosa
y la mirada costumbrista, lo cual conforma un producto de plausible calidad
cinematográfica.
La odisea de los giles es un auténtico retrato sobre la
rebeldía, que reflexiona- en clave crítica no exenta de lenguaje irónico- sobre
el radical fracaso del modelo de concentrador de acumulación capitalista pero
también sobre la corrupción y la inmoralidad. Hugo Acevedo en Revista Onda Digital
Martes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis.
Título original Le Jeune Ahmed
Año 2019
Duración 84 min.
País Bélgica
Dirección Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne
Guion Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne
Fotografía Benoît Dervaux
Reparto Idir Ben Addi, Olivier Bonnaud, Myriem Akheddiou,
Victoria Bluck, Claire Bodson, Othmane Moumen
Género Drama | Religión. Adolescencia
Clasificación + 12 años
Sinopsis
En la Bélgica actual, el destino del joven Ahmed, de apenas
13 años, se ha quedado atrapado entre los ideales de pureza del que le habla su
imán y las pasiones de la vida.
Crítica
Los hermanos Dardenne, infalibles. Su cine recupera el aura
de impecabilidad abordando un tema que, precisamente, parece que solo pueda ser
tratado aplicando su fórmula. La radicalización islámica como punto de partida
para un cuento de corte realista, sobre la posibilidad de ver la luz, en lo más
hondo del agujero más oscuro. Escrita por Víctor Esquirol (FilmAffinity)
Martes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis.
Título original Yesterday
Año 2019
Duración 116 min.
País Reino Unido
Dirección Danny Boyle
Guion Richard
Curtis (Historia: Jack Barth)
Música Daniel
Pemberton (Canciones: The Beatles)
Fotografía Christopher
Ross
Reparto Himesh
Patel, Lily James, Kate McKinnon, Ed Sheeran, Lamorne Morris, Ellise Chappell,
Camille Chen, Alexander Arnold, Joel Fry, Sophia Di Martino, James Corden,
Robert Carlyle
Sinopsis Un músico que lucha por abrirse camino se da cuenta
de que es la única persona en el mundo capaz de recordar a los Beatles.
(FILMAFFINITY)
Crítica: Apela al típico accidente inexplicable que hace que el
protagonista, de la noche a la mañana, tenga una característica o habilidad de
lo separa del resto. En este caso, Jack Malik (Himesh Patel), un músico
callejero o de bares que no tiene mucha suerte con sus interpretaciones, se
convierte en la única persona en el mundo que sabe de la existencia de Los
Beatles. En un primer momento se aprovechará de esa situación e incorporará las
canciones de los Cuatro de Liverpool a su repertorio, con las lógicas consecuencias:
se volverá un éxito. Claro está que conforme la pequeña bola de nieve se vaya
haciendo más grande, entrará a terciar la conciencia y la necesidad de ser
sincero, empezando por su mejor amiga y representante (Lily James), que siempre
lo apoyó en todo. La película es liviana, no tiene un conflicto muy marcado
salvo el cargo de conciencia del protagonista y un amor oculto que todos
sabemos a dónde llegará. Pero tiene las canciones de Los Beatles y eso es
imbatible, con esa banda sonora tiene todas las de ganar, cuente lo que cuente.
Los oídos de los espectadores más que agradecidos y, si encima la historia es
simpática y saca alguna sonrisa o alienta la esperanza de que el mundo pueda
ser más entusiasmante, mejor. Analía Filosi en Columnas.
Martes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis.
Título original El gran viaje al país pequeño
Año 2019
Duración 106 min.
País Uruguay
Dirección Mariana Viñoles
Reparto Sanaa Almohamed, Ibrahim Almohamed, Meri Alshebli,
Nada Alshebli, Fatma Alshebli
Género Documental
Clasificación ATP
SinopsisA mediados
de 2014, respondiendo a un llamado de emergencia humanitaria, el presidente de
Uruguay José Mujica crea un programa de gobierno para recibir refugiados de
guerra sirios instalados en el Líbano. A partir del primer encuentro de la
realizadora con sus protagonistas en un campo de refugiados, esta película
acompaña el largo proceso de adaptación de dos de estas familias, que al dejar
atrás su tierra y sus tradiciones, comienzan una nueva vida en un país distante
del que nada sabían, llamado Uruguay.
Crítica Las familias abordadas por Viñoles se presentan numerosas
veces desde sus contradicciones: no se pueden sentir del todo parte de la
sociedad, pero al mismo tiempo varias mujeres empiezan a disfrutar de las
libertades que les ofrece el nuevo país; algunos personajes se quejan de la
inaccesibilidad laboral o la imposibilidad de realizar negocios, pero más tarde
vemos cómo sus emprendimientos, en medida modesta, comienzan a florecer; los
vemos añorar Siria como la tierra prometida, pero a su vez terminan de darse
cuenta de las condiciones de peligro inminente que rodean las vidas de seres
queridos que permanecen ahí. Al final de El gran viaje al país pequeño nos
encontramos con un escenario agridulce, en el que nos alegra que uno de los
retratados incorpore un uruguayismo como el “llevándola” cuando se le pregunta
cómo le va en el trabajo, pero a su vez nos damos cuenta de que, más allá de
los paños fríos, el dolor y el horror siguen latiendo del otro lado del mundo. Agustín Acevedo Kanopa en La Diaria
Martes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis.
Título original Gloria Bell
Año 2018
Duración 102 min.
País Estados Unidos
Dirección Sebastián Lelio
Guion Alice Johnson Boher (Historia: Sebastián Lelio,
Gonzalo Maza)
Música Mathew Herbert
Fotografía Natasha Braier
Reparto Julianne
Moore, John Turturro, Michael Cera, Jeanne Tripplehorn, Holland Taylor, Brad
Garrett, Caren Pistorius, Sean Astin, Cassi Thomson, Tyson Ritter
Género Drama. Romance | Remake. Amistad
Sinopsis Una divorciada de espíritu libre (Moore) pasa los
días trabajando en una oficina. Por la noche se desata bailando en las
diferentes discotecas de Los Ángeles. Cuando encuentra a Arnold (Turturro), su
vida cambia radicalmente al verse inmersa en un inesperado romance.
(FILMAFFINITY).
Remake de "Gloria" dirigida por el director de la
original, Sebastián .
Clasificación: + 15 años
Crítica:
El premiado director, ganador del Oscar a película
extranjera por Una mujer fantástica, realiza en Gloria Bell, una adaptación de
una obra suya: Gloria. Este film de 2013 galardonado en los Premios Platino, y
en los festivales de La Havana, San Sebastián y Berlín.
La película, una remake prácticamente idéntica al
largometraje de 2013 donde hasta los lentes de la protagonista son iguales, se
centra en Gloria (Julianne Moore), una mujer cincuentona, divorciada y madre de
dos hijos que ya no la necesitan, a la que le gusta salir a bailar, tomar algo
y conocer hombres de su edad; todo en ese orden.
Si bien Gloria Bell parece ser plana y quieta en apariencia,
es un reflejo fiel de la vida que lleva la protagonista. Para distenderse, adora salir a bailar. En una de esas noches,
conoce a Arnold (John Turturro), un hombre bastante complicado.
Julianne Moore se convierte, desde el primer momento, en el
punto fuerte de esta versión. Es una mujer que, pese a los malos momentos, no
pierde su optimismo ni deja de cantar y bailar. Moore muestra, a través de su
actuación intensa, silenciosa y apacible, que Gloria cree en el amor. También que
una canción como “Gloria”, de Laura Branigan, es tan poderosa que no solo puede
hacernos recordar nuestros años jóvenes, también nos deja en un trance del que
es imposible resistirse; como pasa con esta película. Nicolás Lauber en El País
