lunes, 27 de agosto de 2018

28 y 31ago18: El bar

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Título original El bar
Año 2017
Duración 102 min.
País España
Dirección Álex de la Iglesia
Guion Álex de la Iglesia, Jorge Guerricaechevarría
Música Carlos Riera, Joan Valent
Fotografía Ángel Amorós
Reparto
Blanca Suárez,  Mario Casas,  Jaime Ordóñez,  Carmen Machi,  Secun De La Rosa, Terele Pávez,  Alejandro Awada,  Joaquín Climent,  Jordi Aguilar,  Diego Braguinsky, Mamen García
Productora Coproducción España-Argentina; Pokeepsie Films / Nadie es perfecto / Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA)
Género Thriller. Intriga. Comedia | Comedia negra
Clasificación: + 15 años
Sinopsis
9:00 horas. Un grupo de personas absolutamente heterogéneo desayuna en un bar en el centro de Madrid. Uno de ellos tiene prisa; al salir por la puerta recibe un disparo en la cabeza. Nadie se atreve a socorrerle. Están atrapados. (FILMAFFINITY)

Premios 2017-18
Premios Goya: Nominada a Mejor sonido
Festival de Málaga: Sección oficial largometrajes (Fuera de concurso)
Premios Sur: Nominada a mejor dirección artística, vestuario y maquillaje
Premios Feroz: 4 nominaciones, incluyendo Mejor actor sec. (Ordóñez)
Premios Platino: Nominada a mejor sonido

Los malos hábitos
Gran cantidad de españoles de pueblos, villas y las grandes urbes, (Madrid, donde transcurre esta historia), no ingieren el desayuno en su hogar. Lo hacen en el bar más próximo, o en otro que sea de su preferencia. Churros crocantes, mantecadas, polvorones y café con leche o chocolate; y hasta algun carajillo o directamente la copa de jerez, corren por las mesas –más bien escasas- y el muy concurrido mostrador.
Ese desayuno en el bar es pretexto para poner en funciones otro “deporte” de los hispanos: la conversación sobre cualquier asunto y acto seguido la discusión, que habrá de prolongarse con variada extensión. El bar del film, está presente en todo momento, pues allí se desarrolla el relato. Ese desayuno -alejado de los “burger” y “cafeterías” multinacionales para gente apurada- es el que en horas de la mañana da cabida a un grupo –no demasiado grande- de hombres y mujeres dispuestos a reñir amablemente con la otra mitad de los hombres y mujeres.
Semejante idiosincrasia, queda fuera del film de Alex de la Iglesia, ya que detenerse en ella convertiría a la realización en algo diferente a lo logrado. Esas líneas iniciales han definido precisamente a los allí presentes, cuyos personajes van a transitar los que parecen ser aires de comedia liviana, insertos en un film dramático.
En la esquina de ese bar, aparecerá el asesino sorpresivamente, iniciando una escalada de violencia. En este punto, y conocida la costumbre del realizador y colibretista de abundar en referentes cinematográficos, aquí pueden hallarse varios. El cine norteamericano ha ofrecido numerosos títulos que básicamente eran esto: un grupo de personas es secuestrado por uno o varios delincuentes. Las “citas fílmicas”, pueden ser un acertijo para espectadores dispuestos a aceptar ese juego. No obstante, el mayor referente se sitúa en el cine de la violencia, que el Hollywood contemporáneo ofrece desde distintos géneros (cine de gangsters, de denuncia, aventuras, comedias e incluso musical).
El cine de Alex de la Iglesia, puede atraer o provocar rechazo, difícilmente deje a alguien indiferente. El realizador se regocija en el tratamiento de situaciones trágicas, muy reales, con la conversión de estas en caricaturas: en tanto reflejen hechos reales deformados, en este caso con humor chirriante, acerca de situaciones dramáticas.
Con sus películas, De la Iglesia parece estar buscando una forma de llamar la atención sobre una sociedad a la que pulveriza. Con Humor, desde luego,
Álvaro Sanjurjo Toucon (Semanario Crónicas, 18/08/2017

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lunes, 20 de agosto de 2018

21 y 24ago18: El proyecto Florida

Proyecto Florida

Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis.

Título original The Florida Project
Año 2017
Duración 115 min.
País Estados Unidos
Dirección Sean Baker
Guion Sean Baker, Chris Bergoch
Música Lorne Balfe
Fotografía Alexis Zabé
Reparto Brooklynn Prince,  Willem Dafoe,  Bria Vinaite,  Caleb Landry Jones,  Mela Murder, Valeria Cotto,  Christopher Rivera,  Macon Blair,  Sandy Kane,  Karren Karagulian, Lauren O'Quinn,  Giovanni Rodriguez,  Carl Bradfield,  Betty Jeune,  Cecilia Quinan, Andrew Romano,  Samantha Parisi,  Gary B. Gross
Productora Cre Film / Freestyle Picture Company / June Pictures. Distribuida por A24
Género Drama | Drama social. Infancia. Pobreza. Crisis económica 2008. Cine independiente USA
Clasificación: + 12 años
Sinopsis Una niña de 6 años y sus amigos pasan el verano en un pequeño motel muy próximo a Disneyworld, mientras sus padres y el resto de adultos que les rodean sufren aún los efectos de la crisis. (FILMAFFINITY)

Premios 2017
Premios Oscar: Nominada a mejor actor de reparto (Willem Dafoe)
Globos de Oro: Nominada a mejor actor de reparto (Willem Dafoe)
Premios BAFTA: Nominada a mejor actor secundario (Willem Dafoe)
National Board of Review (NBR): Mejores películas del año, actor sec. (Dafoe)
American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año
Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor director y actor sec. (Dafoe)
Críticos de Los Angeles: Mejor actor sec. (Dafoe) y 2ª mejor película
Premios Independent Spirit: Nominada a mejor película y director
Critics Choice Awards: Mejor intérprete joven (Brooklynn Prince)
Premios Gotham: Nom. mejor película, actor, nueva actriz y premio del público
Satellite Awards: Nominada a mejor director, guion original y actor sec. (Dafoe)
British Independent Film Awards (BIFA): Nom. a mejor pel. internacional indep.
Sindicato de Actores (SAG): Nominada a mejor actor secundario (Willem Dafoe)
Asociación de Críticos de Chicago: Mejor actor secundario (Dafoe). 5 nom.

Anti princesas
Sean Baker empezó a tener notoriedad internacional con Starlet, en la que narra una especialísima amistad entre una mujer de 85 años y una de 21. La película llama la atención por su libertad para contar los cuerpos femeninos, con una cámara que no tiene temor alguno a la cercanía y sigue las derivas de sus personajes con curiosidad contagiosa. Su siguiente película, Tangerine, fue una apuesta de producción muy inteligente porque fue realizada con tres Iphone 5, demostrando que con los nuevos medios digitales también se puede hacer un cine atractivo. La razón de que la película funcione increíblemente es porque sus medios técnicos son perfectamente funcionales a la historia que se cuenta: dos transexuales dan vueltas por las calles de Holly-wood intentando encontrar al novio proxeneta de una de ellas para resolver un triángulo amoroso. La textura de la imagen y el modo en que Baker relaja su necesidad de control y deja entrar el mundo real, filmando en locaciones reales, dejando improvisar fuertemente a sus actores y haciendo del contexto casi un personaje más, hacen que la película logre un tinte documental que, al presentar una historia callejera sobre los márgenes de la sociedad, construye una consistente verosimilitud, colaborando a que el espectador entre en el pacto de aceptar como cine de ficción un registro casi casero.
En su nueva película Baker demuestra que su lucidez para combinar medios técnicos, locaciones, actores y guiones no es para nada producto del azar o el impulso, sino de la conciencia de construir un cine con verdadera mirada de autor. Del mismo modo, no cede a la tentación que implica tener mucho dinero para producir (el éxito de Tangerine lo llevó a despreocuparse de conseguir la inversión necesaria para su siguiente película) y vuelve a elegir personajes marginales, en un contexto de pobreza y disfuncionalidad; perdedores en la escala del sistema de consumo pero portadores de una vitalidad que le resulta fascinante. Y dentro del territorio de ese borde, además, su preferencia es por las mujeres, por la vulnerabilidad de los cuerpos feminizados.
Proyecto Florida es la historia de una madre soltera, muy joven, que vive con su hija en un hotel de segunda para turistas, una especie de monoblock de color púrpura que se encuentra al lado del Magic Kingdom, el famoso parque de Disney que es tal vez el mayor ícono de la infancia burguesa de todo el mundo. Está filmada en hermoso 35 milímetros, llena de luminosidad y color, tiene un perfecto look de comedia juvenil. Dialoga en muchos sentidos con el cine de Wes Anderson, con su construcción supuestamente independiente pero híper estilizada e híper controlada de la imagen, donde nada se mueve un centímetro fuera de la planificación. Pero lo que en Anderson es dominio absoluto de lo que sucede, técnica perfecta, idea monolítica de la belleza y legitimación de un gran cine autoral, en Baker se convierte exactamente en lo contrario: todo lo que sucede en la pantalla sirve para poner en crisis el propio concepto de representación. Es 35 milímetros y hay un montón de colores, pero las imágenes perfectas y limpias de los centros comerciales, de los shoppings de peluchitos, de las heladerías simpáticas en edificios con forma de helado, de los plásticos en tonos pastel, se vuelven el contexto más opresivo imaginable. El género de película infantil “a lo Disney”, que cuenta las aventuras de niños y niñas en un verano, se convierte aquí en una pesadilla en tonos rosa y violeta, donde la soledad y el aislamiento de los adultos –esas madres tan jóvenes que están muy lejos de sentir la adultez burguesa como posibilidad– hacen que los niños corran peligros reales, tan tremendos como un incendio provocado por ellos. Sin embargo, la capacidad de divertirse y ser feliz en esa época única de la vida emerge con una contundencia y una libertad infinitamente mayores, justamente porque la infancia no es tratada como algo acartonado y previsible, capaz de mediatizarse en episodios ordenaditos con curvas emocionales definidas, sino como un universo de crecimiento caótico, complejo y completamente aleatorio, en el que a pesar de estar circunscriptos a contextos de marginalidad y pobreza, con falta de seguridad, de salud o de vivienda, con una exposición intensa a la violencia, la resiliencia humana de los niños encuentra un espacio para esa experiencia inefable que es el conocimiento y la experimentación del mundo que los rodea.
Proyecto Florida es una película sobre una madre y una hija, sobre los límites barrosos del amor. La actuación de Brooklyn Prince, esa niña que Baker filma como a un misterio infinito a ser desentrañado, es muy impresionante y también angustiante, porque su madurez nos interpela de un modo incómodo y extraño. Pero a mi entender el costado artístico más maravilloso de esta película es la actuación de Bria Vinaite en el papel de Halley, esa muchachita que Baker encontró por Instagram y que encarna a esa mamá casi adolescente a la que, sin idealización alguna, nos invita a mirar muy de cerca. Transitamos su desborde y sus imposibilidades pero también la complicidad con su hija –esa hijita que es casi hermana–, además de su vínculo con esa especie de padre también imposibilitado y frustrado que es William Dafoe. Ni el personaje del hotelero que encarna en la ficción, ni el gran actor consolidado que es Dafoe en la vida real –dos caras de la misma moneda en una película que constantemente está pensando la propia práctica cinematográfica– tienen nada para ofrecerles a esa madre y esa niña marginalizadas, tanto en la ficción como en el universo de representación de un mundo que no las piensa, que no las toma en cuenta, que las deja sistemáticamente fuera. Proyecto Florida reflexiona sobre el género y el capitalismo, sobre lo que significa ser madre soltera, joven y pobre, sobre lo que esconde una construcción de lo femenino que no toma en cuenta la realidad de esas jóvenes que nunca accederán al universo de los castillos mágicos y las princesas. Por eso Disney es el fuera de campo literal y constante, las familias turistas sacándose la foto, un mundo lleno de esas niñas domesticadas con madres ordenadas y pulcras que Halley y Monee jamás serán.
Soledad Castro Lazaroff en Brecha

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lunes, 13 de agosto de 2018

14 y 17ago18: In search of Fellini


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Título original In Search of Fellini
Año 2017
Duración 93 min.
País Estados Unidos
Dirección Taron Lexton
Guion Nancy Cartwright, Peter Kjenaas
Música David Campbell
Fotografía Kevin Garrison
Reparto Ksenia Solo,  Mary Lynn Rajskub,  Maria Bello,  Beth Riesgraf,  Barbara Bouchet, Andrea Osvárt,  David O'Donnell,  Kim Evans,  Michael Wiseman,  April Martucci, Mike Falkow,  Angela Nordeng,  Lorenzo Balducci,  Dan van Husen, Branislav R. Tatalovic,  Victoria Clare,  Laura Allen,  Emily Dahm,  Bruno Zanin
Productora Coproducción Estados Unidos-Italia; Cartwright Entertainment / TXL Films / United Pictures Group
Género Drama. Aventuras
Clasificación: +16
Sinopsis Una chica tímida de un pueblo de Ohio ama el cine, pero no le gusta la realidad. Un día descubre las películas de Federico Fellini y decide embarcarse en un viaje por Italia para encontrarle. (FILMAFFINITY)

Critica:
"En general, la producción es pulcra y los jóvenes soñadores que den con ella en algún estreno limitado seguramente la aprecien."  John DeFore: The Hollywood Reporter

"Un drama encantador sobre el amor al cine y la pasión juvenil"  Monica Castillo: The New York Times

"'In Search of Fellini' valora más las extravagancias de los personajes que la historia (...) Las imágenes son impresionantes" Katie Walsh: Los Angeles Times
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sábado, 11 de agosto de 2018

Matinee 11 y 12ago18: Capitán Calzoncillos

Las aventuras del Capitán Calzoncillos: la película

Hora de comienzo: 14.30
Entrada: menores hasta 12 años $ 120, mayores $ 140. 
Sala del cine: Ramírez Nº 68.

Resumen
George y Harold son amigos y pasan sus días creando cómics y bromas. Un día, hipnotizan accidentalmente al director de su escuela, el Sr. Krupp, que a partir de entonces se cree que es el Capitán Calzoncillos, un superhéroe malhumorado cuyo traje consiste en ropa interior y una capa. Por si esto fuera poco, su nuevo maestro es un malvado científico vengativo. George, Harold y el Capitán Calzoncillos deberán unirse para frustrar su siniestro plan.

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martes, 7 de agosto de 2018

07 y 10ago18: La forma del agua


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Título original The Shape of Water
Año 2017
Duración 119 min.
País Estados Unidos
Dirección Guillermo del Toro
Guión Guillermo del Toro, Vanessa Taylor
Música Alexandre Desplat
Fotografía Dan Laustsen
Reparto Sally Hawkins,  Doug Jones,  Michael Shannon,  Octavia Spencer,  Richard Jenkins, Michael Stuhlbarg,  Lauren Lee Smith,  David Hewlett,  Nick Searcy,  Morgan Kelly, Dru Viergever,  Maxine Grossman,  Amanda Smith,  Cyndy Day,  Dave Reachill
Productora Bull Productions / Fox Searchlight
Género Fantástico. Drama. Romance. Thriller | Años 60
Clasificación: + 15 años
Sinopsis
En un inquietante laboratorio de alta seguridad, durante la Guerra Fría, se produce una conexión insólita entre dos mundos aparentemente alejados. La vida de la solitaria Elisa (Sally Hawkins), que trabaja como limpiadora en el laboratorio, cambia por completo cuando descubre un experimento clasificado como secreto: un hombre anfibio (Doug Jones) que se encuentra ahí recluido. (FILMAFFINITY)

Premios 2017
4 Premios Oscar: Mejor película, director, música y diseño de prod. 13 nom.
Festival de Venecia: León de Oro (Mejor película)
Globos de Oro: Mejor director y banda sonora original. 7 nominaciones
Premios BAFTA: 3 premios, incluyendo Mejor director. 12 nominaciones
American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año
Critics Choice Awards: Mejor película, director, dir. artística y banda sonora
Críticos de Los Angeles: Mejor director, actriz (Hawkins) y fotografía
Asociación de Críticos de Chicago: 7 nominaciones incluyendo mejor película
Satellite Awards: Mejor actriz ( Sally Hawkins). 10 nominaciones
Sindicato de Productores (PGA): Mejor película
Sindicato de Directores (DGA): Mejor director/película
Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guión original
Sindicato de Actores (SAG): Nom. mejor actriz (Hawkins) y actor sec. (Jenkin

Magia y compasión
En todo el cine de Guillermo del Toro, ese hombre adulto que nunca ha perdido la pasión y la fidelidad al cine, las historias, los personajes, los ambientes y las ensoñaciones que le fascinaron desde niño, existen convicciones que nacen en la infancia, aplicables al cine y a la vida. Los espectadores pequeñitos teníamos muy claro (y quiero pensar que a los actuales les ocurre lo mismo) que en cine existían los buenos y los malos y, por supuesto, desconocíamos el significado del maniqueísmo ni falta que nos hacía. Y ganaban los buenos. Posteriormente el cine y la vida te demostrarán que existe algo llamado matices, que además del blanco y el negro hay más colores, que son intercambiables, y que en el mundo real casi siempre vencen los malos.
Su cine sería siempre identificable aunque no apareciera la firma. Hay faunos enternecedores y dragones salvajes (algunos de ellos con apariencia humana), gente acorralada y sola que busca un refugio y que solo se lo proporcionará su imaginación, historias de terror conviviendo con una poética muy personal, un tono y una atmósfera que remiten a películas de otro tiempo.
Reconociendo la singularidad de su obra, sospechando que cada que vez que escribe y rueda siente un embeleso similar al de los críos con sus juguetes, que su relación con el cine viene marcada por el corazón, nunca por el mercenariado o la calculadora, que su huella es igual de poderosa y auténtica con los grandes presupuestos y con el posibilismo, ruede en México, en España o en Hollywood, hay películas suyas que me gustan mucho y otras menos. Hasta ahora, mis favoritas eran El laberinto del fauno y La cumbre escarlata. Con La forma del agua creo que ha logrado su obra maestra, en la que todo funciona. Me fascinan sus imágenes, me preocupa el presente y el futuro de sus atribulados personajes, me creo algo tan irrazonable como el romance (abarrotado audazmente de sexo en un presunto cuento de hadas) entre el sufriente monstruo anfibio y la muda que jamás perdió la pureza, me da mucho miedo el villano, me empapo sin esfuerzo de esa atmósfera tan insólita, me transmite emoción, sentimiento y magia. Y puedo entender ante la arriesgada y poética fabula que ha filmado Guillermo del Toro que determinados espectadores la encuentren irreal e incluso ridícula. Pero no estoy dispuesto a discutir con nadie sobre ello. O entras, o te quedas fuera. No hay términos medios con esta extraña película. En cualquier caso, no quiero imaginármela doblada.
Mi cuelgue es inmediato con esa protagonista tan poco glamurosa. No solo es muda. Tampoco es guapa. Se despierta en plena noche para ir a fregar y a limpiar en unos inquietantes laboratorios gubernamentales durante la Guerra Fría. Se masturba ritualmente en la bañera. Se dirige en un autobús muy triste a su rutinario trabajo. Pero no maldice su suerte ni reniega del mundo. No se siente sola ni desamparada. Sonríe mucho y llora poco. Porque hay dos personas tan perdidas como ella que son sus amigos, una compañera de trabajo que la protege y un anciano homosexual, artista y casi siempre desolado, al que ella cuida y mima. Le basta para seguir tirando. Esa perdedora también posee algo luminoso. Está dispuesta para embarcarse en la aventura más irracional, comenzar un amor con un monstruo que es mucho más humano que aquellos que le recluyeron y esclavizaron.
Esta película habla de la compasión, del calor que se pueden otorgar los marginados, de la capacidad de amar en las circunstancias más duras. Lo cuenta con un lenguaje visual admirable, retratando sensaciones.
Carlos Boyero en El país de Madrid

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Programación de agosto '18






viernes, 3 de agosto de 2018

Matinee 04 y 05ago18: Benji

Benji
Hora de comienzo: 14.30
Entrada: menores hasta 12 años $ 120, mayores $ 140. 
Sala del cine: Ramírez Nº 68.

Resumen
Brandon Camp (Love Happens) escribe, dirige y produce este remake sobre el famoso perro Benji, un animal mestizo que vivía en las calles de Texas.
En su primera película el perrito se hace amigo de unos niños, que son secuestrados, así que Benji y otra perra callejera tendrán que buscar a más gente para rescatarlos.

Trailer: