lunes, 21 de mayo de 2018

22 y 25may18: Dos noches hasta mañana

Dos noches hasta mañana

Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis


Título original 2 yötä aamuun (2 Nights Till Morning)
Año 2015
Duración 88 min.
País Finlandia
Dirección Mikko Kuparinen
Guion Mikko Kuparinen
Música Timo Hietala
Fotografía Tuomo Virtanen
Reparto Marie-Josée Croze,  Mikko Nousiainen,  Arly Jover,  Andrius Ziurauskas, Larisa Kalpokaite,  Sakalas Uzdavinys,  Lukas Bulevicius,  Gabija Siurbyte, Vytautas Medineckas,  Paulius Jurgaitis,  Aiste Paskeviciute,  Linas Mikuta
Productora Mjölk
Género Drama. Romance | Drama romántico
Calificación ATP
Sinopsis
La aventura de una noche de dos extraños en un país extranjero, da un giro inesperado cuando la nube de polvo de un volcán impide que todos los vuelos puedan despegar. (FILMAFFINITY)

Los no-lugares
Varios comentarios sobre este film lo vinculan con Antes del amanecer (1995), el clásico de Richard Linklater que se convirtió en el principal referente de película de amor en lo que va del siglo. El vínculo parece ser intencional, ya que la compañera de Caroline se llama Céline (como la coprotagonista de la trilogía Antes de…). Caroline es una arquitecta francesa, Jaakko un DJ finlandés, se conocen en Vilna, Lituania, donde ambos están de paso. Se involucran, pero ya tienen sus vuelos programados para partir. Mientras tanto dialogan y se pasean por la ciudad.
La similitud termina ahí. Es fundamental la diferencia entre el lapso de 24 hs de la anécdota de Linklater y el de 48 de ésta, con las dos noches referidas en el título. Caroline, según lo confirmaremos más adelante, suele tener encuentros sexuales fugaces durante sus viajes, tanto con hombres como con mujeres. (En París tiene una pareja estable, la mencionada Céline). Siempre se ocupa de que esos encuentros no se profundicen. Pero resulta que esta vez una erupción volcánica en Islandia llena de cenizas el cielo del norte de Europa y se bloquean los aeropuertos: el tiempo adicional y la segunda noche que pasa con Jaakko van a ablandar sus mecanismos de defensa. Entonces las ocurrencias aquí son más complejas a nivel sicológico que en Antes del amanecer. En tren de trazar una genealogía de influencias, tanto como la trilogía de Linklater está aquí la tradición de los amores de hotel: Hiroshima mon amour, Lost in Translation (Perdidos en Tokio), Le Temps de l’aventure (El tiempo de los amantes), Anomalisa.
El que la película envuelva mayor complejidad sicológica no implica que en el cómputo general sea más compleja. Tiene mucho menos peso conceptual que cualquiera de los antecedentes/modelos nombrados. Nadie conversa de nada que no sean sus propias relaciones personales y su manera de plantarse ante ellas. Los momentos más animados de conversación (cuando están bebiendo desenfrenadamente en el bar) se muestran con el recurso habitual, generalizador y poco imaginativo, de mostrarlos riéndose y moviendo los labios, pero sin sonido, como parte de una secuencia de montaje que dice “la pasaron bomba juntos”. El único asunto que se aborda realmente, por fuera de las referencias emotivas de ambos personajes, es la propuesta arquitectónica de Caroline de diseño para una sala de espera de aeropuerto, concebida para propiciar mayor comodidad pero también mayores oportunidades para hacer contacto. Luego tendremos una escena en la sala de espera del aeropuerto de Vilna, y puse todo mi esfuerzo interpretativo a ver si se establecía algún tipo de vínculo que tematizara este asunto, pero no fui capaz de encontrar ninguno. Tampoco hay mucho énfasis en el contraste entre los no-lugares (hotel y aeropuerto —“no-lugares” segun el concepto de Marc Augé—) y las calles de Vilna.
Hay una evidente pretensión de incluir aspectos un poco salidos de lo mayoritario/tradicional/dominante. Está la bisexualidad de Caroline, y el hecho de que ella es un poquito mayor que él (la actriz tenía 45 cuando hizo la película, el actor 40 pero parece más joven). No parece haber nada demasiado especial en el vínculo entre Caroline y Jaakko (por más que él diga que sí es algo especial). El nudo del drama está más bien en la constatación de que la pareja de Caroline y Céline no da para más. Esto sí lo vivenciamos por empatía, en la impaciencia de Caroline, muy justificable además porque Céline (a quien vemos repetidas veces por Skype) es un plomazo y no parece hacer otra cosa que demandar, intentar suscitar piedad y chantajear emocionalmente a la compañera. Pero esto en vez de dar peso dramático a la película se lo resta: que se separe de una vez, por Dios. Del otro lado entonces está Jaakko, la opción hetero, y que tiene rostro, físico y actitud de modelo de propaganda de perfume. A Caroline al principio como que le intriga, pero luego se asusta de su vida estelar del DJ, siempre de viaje y cercado de minitas espléndidas. Pero luego descubre que no, que es un tipo bastante comedido sexualmente, que aspira a relaciones más profundas, y que además tiene una hijita en Finlandia con la que se vincula en forma muy tierna. Él, por otro lado, desde el primer amanecer de ambos, asume esa actitud del varón que enseña a la mujer a liberarse de la prisión de sus propias trancas, combinando una incidencia de tipo paternalista con otra más bien edípica, que trata de agitar en ella los instintos protectores-maternales por la tristeza varonil de su amor decidido al que ella todavía no se decidió a corresponder, y mostrándose además como papá cariñoso y comprensivo.
Ninguno de los dos es un personaje especialmente fascinante, aunque sí encajan decididamente en ciertos estándares de belleza. Uno esperaría una lluvia de ideas interesantes en una charla entre dos profesionales creativos que se pasan viajando y se encuentran en Lituania, pero el esqueleto anecdótico-sicológico-conceptual quedaría intacto si se tratara de dos burócratas que se conocen en Semana de Turismo en San Gregorio de Polanco. Los lugares comunes de los diálogos hacen juego con el euro-pop bastante banal de la banda musical y la fotografía de tonos apastelados.
Creo que por un tiempo más se seguirán haciendo películas motivadas por Antes del amanecer o Lost in Translation, pero dudo que alguien vaya a hacer alguna inspirada en ésta.
Guilherme de Alencar Pinto (La Diaria, 05/07/2017)

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lunes, 14 de mayo de 2018

15 y 18may18: Dunkerque


Dunkerque

Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis

Título original Dunkirk
Año 2017
Duración 107 min.
País Estados Unidos
Dirección Christopher Nolan
Guion Christopher Nolan
Música Hans Zimmer
Fotografía Hoyte van Hoytema
Reparto Fionn Whitehead,  Mark Rylance,  Kenneth Branagh,  Tom Hardy,  Cillian Murphy, Barry Keoghan,  Harry Styles,  Jack Lowden,  Aneurin Barnard,  James D'Arcy, Tom Glynn-Carney,  Bradley Hall,  Damien Bonnard,  Jochum ten Haaf,  Michel Biel
Productora Coproducción Estados Unidos-Reino Unido-Francia-Países Bajos (Holanda); Warner Bros. / Syncopy Production / Dombey Street Productions / Kaap Holland Film / Le Studio Canal+ / Ciné+ / RatPac-Dune Entertainment
Género Bélico. Drama. Basado en hechos reales
Calificación: +12 años
Sinopsis
Año 1940, en plena 2ª Guerra Mundial. En las playas de Dunkerque, cientos de miles de soldados de las tropas británicas y francesas se encuentran rodeados por el avance del ejército alemán, que ha invadido Francia. Atrapados en la playa, con el mar cortándoles el paso, las tropas se enfrentan a una situación angustiosa que empeora a medida que el enemigo se acerca. (FILMAFFINITY)

Premios 2017
3 Premios Oscar: Mejor montaje, sonido y efectos sonoros. 8 nominaciones.
Globos de Oro: Nominada a mejor película, director y banda sonora
Premios BAFTA: Mejor sonido. 8 nominaciones
National Board of Review (NBR): Mejores 10 películas del año
American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año
Critics Choice Awards: Mejor montaje (ex aequo). 8 nominaciones
Críticos de Los Angeles: Mejor montaje
Satellite Awards: Mejor sonido. 11 nominaciones
Sindicato de Productores (PGA): Nominada a Mejor película
Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor director/película
Sindicato de Actores (SAG): Nominada a Mejores especialistas de acción
Asociación de Críticos de Chicago: Mejor director. 6 nominaciones
Premios Gaudí: Mejor película europea
Premios César: Nominada a Mejor película extranjera
Premios David di Donatello: Mejor film extranjero

Estatura moral de una derrota
La crítica extranjera, ha vivenciado el film Dunkerque de Christopher Nolan, como una obra “de gran intensidad, poseedora de una magnificencia que demanda ser apreciada en la mejor y más grande pantalla posible”. Es la explanación visual, auditiva, con escasos diálogos de una épica magistral, de un realizador que no había transitado por el tema bélico hasta entonces, si tenemos en cuenta su quehacer precedente (Memento: Recuerdos de un crimen, la trilogía de Batman: El caballero de la noche, Interestelar, – entre otros films -.
Sorprende que el director se haya interesado por la realidad histórica, abordando el llamado “Milagro de Dunkerque”, que tiene como tema nada menos que el rescate de más de 360.000 soldados, pertenecientes a las fuerzas aliadas, – ingleses, belgas, franceses -, que en el contexto de la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), entre los meses de mayo-junio de 1940, en la batalla de Dunkerque, quedaron cercados, atrapados, acorralados, varados por el siniestro ejército nazi-alemán, que los hostigara en su ofensiva llevada a cabo por tierra, mar, y aire, con ametralladoras y bombas, de extremado suspenso, en un poblado de la costa norte francesa, ubicado sobre el Canal de la Mancha, a orillas del Paso de Calais, en la ciudad-puerto de Dunkerque o Dunkirk.
Nolan en varias entrevistas, expresaba que aspiraba que el film mostrara la intensidad del “espíritu de Dunkerque”, sin acudir al horror y a la sangre, poniendo el acento en el ritmo, “en la aceleración de la tensión, en el suspenso que implicaba la superposición de situaciones límites”, en la crueldad del continuo asedio, perpetrado por la insanía del enemigo alemán, frente a la indefensión provocada, de la fatalidad padecida por los ingleses, y los aliados, en una Francia invadida.

Las tomas de miles de hombres bombardeados en las playas de Dunkerque, que esperan cruzar a la otra costa salvífica, al puerto inglés de Dover, se resuelven en imponentes planos-secuencias que trasmiten silentemente el dolor, la impotencia la desesperación por sobrevivir.
El rescate podía hacerse solamente atravesando el Canal de la Mancha, pero las aguas poco profundas, impedían que los buques de guerra, destructores de gran calado pudieran acercarse a las playas francesas, de aquí que el Reino Unido les enviara botes de pesca, barcazas, pequeñas embarcaciones, yates, veleros, transbordadores conducidos por civiles, habilitados para llegar hasta la costa, para así poder salvar a los soldados, trasladándoles hacia Dover.
Según el historiador Joshua Levine, que trabajase con el realizador en el guión del film, explicita que “si el Reino Unido se hubiera rendido, todo Europa hubiese caído en manos de los nazis”.
El drama de la guerra, se recrea utilizando la perspectiva, la óptica o puntos de vista de varios personajes, así la del comandante a cargo del muelle durante la evacuación (encarnado con gran solvencia por el actor Kenneth Branagh), la del “capitán” de una embarcación civil (una genial performance de Mark Rylance), la de un oficial malogrado por la guerra (Cillian Murphy), de pilotos pertenecientes a la Fuerza Aérea Británica (Tom Hardy y Jack Lowden), de los jóvenes soldados interpretados por Fionn Whitehead y Harry Styles, este último ex integrante de la banda musical “One Direction”, que descollara en este opus por sus dotes y habilidades histriónicas.
“Volver a casa” se volvería un tópico repetido por varios agonistas, ya que las luces de la orilla salvadora, se vislumbraba desde el caótico horror. La duración del film es sólo de una hora y 47 minutos, para el desarrollo de una épica que no es lineal, ni cronológica, sino que avanza, retrocede, vuelve a plasmar incidentes desde diferentes ángulos, en su decurso fílmico con gran magisterio.
La banda sonora de Hans Zimmer, por momentos imita el tic-tac del reloj, que exaspera, despierta el miedo, la ansiedad, la expectante emocionalidad del espectador.
Desde las primeras imágenes, se sufre la presencia de un joven que corre por intrincadas calles, huyendo de las poderosas balaceras germanas; constituyendo el hundimiento de un crucero repleto de tripulantes, otra inflexión letal. La imagen del barco que lo van llenando de agua en su interior, mediante los agujeros balísticos que permiten la entrada, es otra desgraciada, tremenda hazaña de los “vencedores”.
La evacuación finaliza exitosamente, – no quedaba otra opción a tomar – y permitirá expresar al Primer Ministro británico, Sir Winston Churchill en el parlamento inglés, que la victoria moral lograda era lo trascendente, más allá que en términos bélicos el hito de Dunkerque era una derrota. Llegar a Dover era sinónimo de haber podido sobrevivir en la lucha con valentía, en aras de recomponer el necesario espíritu de autoestima y de resistencia en un tiempo inglorioso.

La crítica en general es unánime en destacar que el trabajo de dirección fue visceral, que se trata de una obra maestra impresionista, que tal vez sea la película bélica más brillante de todos los tiempos. En tanto otra crítica, expresiva de alguna disidencia, curiosamente no ha podido dejar de pensar en el film.
El elemento dramático emerge de su subtexto, de la omnipresencia de la muerte como una constante cierta, en permanente acecho, de las acciones simultáneas y superpuestas en las que la cámara sigue a los soldados de a pie en la playa, a los barcos que son hundidos o que han podido acercarse, a las aeronaves de época que sobrevuelan el mar y toda la región, con sus hábiles pilotos que luchan denodadamente con los aviones alemanes, en el espacio aéreo.
Hay un anónimo soldado, que ya no puede soportar el desgaste psicológico producido por la situación de espera, de ayuda que no llega y así se despoja de sus armas y se interna en el mar bajo la mirada silenciosa de dos jóvenes combatientes.
La obra de Nolan amerita una profunda reflexión sobre el fatalismo que implica la guerra, en su muy desgarrador, brillante largometraje, un tríptico épico-narrativo.
Dunkerque se encamina como la película más fuerte, distintiva y beligerante, en la próxima entrega de los premios Oscar. Que así sea.
“Dunkerque”, (Dunkirk) Estados Unidos, Reino Unido, Francia, Holanda, 2017. Dirección: Christopher Nolan. Guión: Christopher Nolan. Música: Hans Zimmer. Sonido: Richard King . Montaje: Lee Smith. Fotografía: Hoyte van Hoytema. Elenco: Fionn Whitehead, Mark Rylance, Kenneth Branagh, Tom Hardy, Cillian Murphy, Barry Keoghan, Harry Styles, Jack Lowden, Aneurin Barnard, James D’Arcy, Tom Glynn-Carney, Bradley Hall, Damien Bonnard, Jochum ten Haaf, Michel Biel.
Paula Montes (21/08/2017)

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martes, 8 de mayo de 2018

08 y 11may18: Una serena pasión


Una serena pasión

Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis

Título original A Quiet Passion
Año 2016
Duración 125 min.
País Reino Unido
Dirección Terence Davies
Guion Terence Davies
Fotografía Florian Hoffmeister
Reparto
Cynthia Nixon,  Jennifer Ehle,  Duncan Duff,  Keith Carradine,  Jodhi May, Joanna Bacon,  Catherine Bailey,  Emma Bell,  Benjamin Wainwright, Annette Badland,  Rose Williams,  Noémie Schellens,  Miles Richardson,  Eric Loren
Productora Hurricane Films / Potemkino
Género Drama. Siglo XIX
Clasificación + 12 años

Sinopsis
Biopic de la obra y vida de la gran Emily Dickinson, una poetisa que paso la mayor parte de su vida en casa de sus padres en Amherst, Massachusetts. La mansión en la que vivió sirve de telón de fondo al retrato de una mujer nada convencional de la que se sabe muy poco. Nacida en 1803, fue considerada una niña con talento, pero un trauma emocional la obligó a dejar los estudios. A partir de ese momento, se retiró de la sociedad y empezó a escribir poemas. A pesar de su vida solitaria, su obra transporta a sus lectores a su apasionante mundo. Esta es la historia de la poeta estadounidense Emily Dickinson, desde su infancia hasta convertirse en la famosa artista que conocemos. (FILMAFFINITY)

Sentimientos
Emily Dickinson (1830-1886) fue una poetisa estadounidense, caracterizada por la pasión de sus textos. Vivió casi toda su vida recluida en su casa; de su producción literaria solamente publicó una docena de un total de alrededor de mil ochocientos poemas. Su obra revalorada luego de fallecida, la ha ubicado entre los mayores poetas de su país.
Sus antepasados fueron prominentes figuras del mundo político, jurídico y de la enseñanza. El puritanismo religioso de la familia, provocó la rebelión de Emily, que empero permaneció en el seno de su familia en una especie de voluntaria reclusión.
A partir de esos elementos, el realizador y guionista Terence Davis, construye un film extraño. Apartándose de lo que pudo ser solamente una biografía convencional y detallada (estilo HBO), su montaje torna imperceptibles los saltos del tiempo.
Emily Dickinson persiste en su rebeldía ante la familia y la sociedad, aunque nunca pudo desprenderse de la dependencia de un padre casi inhumano en su férrea conducción del hogar y sus integrantes. Las discusiones familiares, actúan a modo de detonante para revelar con precisión los diferentes caracteres. Davis toma a sus personajes como si fueran figuras de una pintura (la iluminación remite a los flamencos), haciendo del relato una filigrana recreando la sociedad de la época.
Ese quietismo, esa abundante rigidez física de las figuras centrales, es todo un desafío para un elenco que trasmite ajustadamente la (in)moralidad de su tiempo, con una Emily que podría calificarse de feminista no consciente de su condición vanguardista.
La cuidada y refinada escenografía actúa como el segundo o tercer plano de tan pictóricas imágenes.
Un film clásico a la vez que renovador, al que dramáticamente sobran reiteraciones, compensadas por tan original propuesta.
Álvaro Sanjurjo Toucon (Semanario Crónicas, 22/09/2017)

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lunes, 30 de abril de 2018

01 y 04may18: La Cordillera


La Cordillera

Título original La cordillera
Año 2017
Duración 114 min.
País Argentina
Dirección Santiago Mitre
Guion Santiago Mitre, Mariano Llinás
Música Alberto Iglesias
Fotografía Javier Juliá
Reparto
Ricardo Darín,  Dolores Fonzi,  Erica Rivas,  Gerardo Romano,  Paulina García, Alfredo Castro,  Daniel Giménez Cacho,  Elena Anaya,  Leonardo Franco, Christian Slater,  José María Marcos,  Esteban Bigliardi,  Luis Herrera, Claudia Cantero,  Héctor Díaz
Productora Coproducción Argentina-Francia-España; K&S Films / La Unión de los Ríos / Telefé / Maneki Films / Mod Producciones / Movistar+ / arte France Cinéma / Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA)
Género Intriga. Drama
Calificación + 12 años
Sinopsis
En una Cumbre de presidentes latinoamericanos en Chile, en donde se definen las estrategias y alianzas geopolíticas de la región, Hernán Blanco (Ricardo Darín), el presidente argentino, vive un drama político y familiar que le hará enfrentarse a sus propios demonios. Deberá tomar dos decisiones que podrían cambiar el curso de su vida en el orden público y privado: por un lado, una complicada situación emocional con su hija, y por otro, la decisión política más importante de su carrera. (FILMAFFINITY)

Premios 2017-18
Festival de Cannes: Un Certain Regard (Sección oficial)
Premios Goya: Nominada a Mejor música original
Premios Sur: 11 nominaciones incluyendo mejor película y director
Premios Fénix: 5 nominaciones incl. mejor fotografía, música y actor (Darín)
Premios Platino: Nominada a mejor película, fotografía, música y dir. Artística

Un hombre común
Hernán Blanco fue electo presidente de Argentina hace poco. El motor de su campaña fue presentarlo como "un hombre común" y, como tal, hoy es un misterio para muchos a la hora de gobernar. Al punto que un periodista lo define como "el presidente invisible". Su primera prueba de fuego es una Cumbre de Presidentes en la cordillera chilena para resolver la creación de una organización petrolera de estados sudamericanos, idea que lidera el poderoso presidente de Brasil, la estrella del momento (Uruguay tiene presidenta). Pero la valija con la que viaja Blanco es más pesada aún, su ex yerno amenaza con revelar cosas que sabe de él y su hija –la ex esposa del chantajista- no está pasando por un buen momento psicológico. Entonces el presidente decide que la hagan ir a Chile. Esta película de Santiago Mitre (El estudiante, La patota) comienza como una intriga política centrada en los sucios manejos del poder, y en un momento vira hacia el drama familiar en el que la hija de Blanco es sometida a hipnosis y empieza a contar cosas aparentemente sin sentido. Parecen caminos inconexos, pero al final del film el espectador entenderá el doble planteo. Eso sí, la interpretación correrá por cuenta de cada uno, no hay explicación explícita. El elenco es brillante, desde lo que ya sabemos de Darín, pasando por los talentos de Rivas (asistente del mandatario) y Fonzi (hija), hasta un Romano que en los últimos tiempos viene encontrando papeles a su medida y les saca jugo. La cordillera es fundamentalmente un thriller psicológico, pero también tiene denuncia política sin bajar línea. Una historia que deja pensando y hace que guste más cuanto más se la piensa.
Analía Filosi en Sábado Show


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Programación de mayo'18



lunes, 23 de abril de 2018

24 y 27abr18: Loving Vincent

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Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis

Título original Loving Vincent
Año 2017
Duración 95 min.
País Polonia.Reino Unido
Dirección Dorota Kobiela,  Hugh Welchman
Guion Dorota Kobiela, Hugh Welchman, Jacek Dehnel
Música Clint Mansell
Fotografía Animation, Tristan Oliver, Lukasz Zal
Reparto Animation,  Douglas Booth,  Helen McCrory,  Saoirse Ronan,  Aidan Turner, Eleanor Tomlinson,  Chris O'Dowd,  Jerome Flynn,  John Sessions,  Holly Earl, Robert Gulaczyk,  James Greene,  Bill Thomas,  Martin Herdman,  Josh Burdett, Richard Banks,  Shaun Newnham
Género Animación. Drama. Biográfico.
Calificación: + 9 años
Sinopsis
Primer largometraje compuesto por pinturas animadas, "Loving Vincent" es un film homenaje a Van Gogh en el que cada fotograma es un cuadro pintado sobre óleo, tal y como el propio Vincent lo hubiera pintado. Sus 80 minutos de duración están compuestos por 56.800 fotogramas que han sido pintados, uno a uno, por una gran cantidad de excelentes pintores a lo largo de varios años, todos inspirándose en el estilo y arte magistral de Van Gogh. (FILMAFFINITY)

Premios 2017
Premios Oscar: Nominada a mejor largometraje de animación
Globos de Oro: Nominada a Mejor filme de animación
Premios BAFTA: Nominada a Mejor película de animación
Premios Annie: Nominada a mejor película independiente, guion y música
Festival de Annecy: Premio del público
Premios del Cine Europeo: Mejor largometraje de animación
National Board of Review (NBR): Mejores películas independientes del año
Critics Choice Awards: Nominada a mejor largometraje de animación
Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a Mejor film de animación
Satellite Awards: Nominado a mejor largometraje de animación
Premios David di Donatello: Nominada a Mejor film de la Unión Europea

De vida, locura, muerte… y más vida
Para la Asociación de Críticos de Cine del Uruguay la Mejor Ópera Prima y Mejor Animación del año 2017. En dicha categoría, también ha ganado los Premios del Cine Europeo y ha recibido la nominación a los Globo de Oro. Se espera por los Oscar. Más allá de galardones, un gesto de amor y un acontecimiento histórico en sí misma.
“¿Quién soy yo a los ojos de la mayoría? Un don nadie, una no entidad, una persona desagradable. Alguien que no tiene, ni nunca tendrá, posición alguna en la sociedad; en resumen, lo más bajo entre lo bajo”.
Vincent van Gogh (1853-1890)
De plano, hay dos cosas que debemos respetar mucho en Loving Vincent: el gran trabajo artístico y técnico detrás de la realización del filme, y el profundo amor que demuestra la empresa. Esto se encuentra muy por encima de la consideración que pueda merecer la historia que se nos relata y su mayor o menor calidad y sostenibilidad. Lo dicho: lo anterior se respeta y se aprecia, mucho. Y es el gran diferencial de Loving Vincent.
Al igual que en la recordada canción de Don McClean, “Vincent” (Starry, starry night, para muchos), a la que no sólo hace honor la película, sino que parece servir de inspiración en muchos aspectos, el gran pintor neerlandés Vincent van Gogh es considerado con afecto, con amor, hasta con devoción, nos animaríamos a afirmar. Así, esta realización deviene en una nueva forma del reconocimiento, un nuevo homenaje: a su vida, a su obra, a toda una concepción del arte. Una nueva reivindicación. Y más allá de acuerdos o desacuerdos con la postura, el planteo se percibe honesto -responsablemente honesto-, auténtico. Y cuando prima el amor, difícil oponerse.
Y sí, hay una carta del pintor -ya fallecido- que debe llegar a su destinatario, su hermano y mecenas Theo; y sí, hay un padre preocupado -cartero y amigo de Vincent- que se ocupa de que ello suceda; hay un hijo al que le es encomendada la misión, aún sin su beneplácito, pero que intentará responsablemente completarla. Y sí, habrá un viaje, con sus estaciones, a partir del cual -como es habitual- ya nadie será el mismo; y habrá un encargo que se transformará en obsesión, y lo que debería haber sido una simple entrega se convertirá en investigación: la de la muerte de aquél, el pintor loco y enfermo, el pintor apasionado por su trabajo, pasional en sus vínculos, no muy correspondido en sus afectos, incomprendido en su arte. Su suicidio parece no haber sido tal.
Pero el misterio será sólo un intento. Y el suspense estará más sostenido por la calma tensa de la banda sonora -funcional, efectiva, climática-, que se impone sin ostentar, que por el casi ingenuo desarrollo argumental y dramático. Historia, por otra parte, que incorpora, incluso, las más recientes hipótesis sobre la muerte de quien se convirtió, quizá deseándolo pero sin asistir a ello, en una de las referencias más importantes de la pintura, y el arte todo, en el siglo XX.
Y es tal el ícono en el que se ha convertido Vincent van Gogh que dos directores, ella de origen polaco, Dorota Kobiela, y él de origen inglés, Hugh Welchman, decidieron realizar la primera película animada de la historia del cine hecha a partir de pinturas casi como un tributo al Maestro. Para ello, necesitaron más de 6 años, 125 pintores de óleo bien formados, provenientes de 20 países diferentes, especialmente entrenados para la ocasión en la técnica del neerlandés -seleccionados entre más de 5.000 candidaturas- y 65.000 fotogramas -en una relación de casi 12 por segundo-, cada uno de los cuales representó una pintura al óleo fotografiada en alta resolución para generar con ellas la animación posterior. Animación, por otra parte, que utilizó la técnica del croma, o clave de color -la asociada hoy día al fondo verde para modificar y reemplazar áreas o imágenes por otras-, para que actores profesionales dieran cuerpo y representaran a todos los personajes involucrados, fueran filmados, y así permitir luego el trabajo de los pintores, que pintaron los lienzos finales sobre sus imágenes. Para esto, el parecido físico de los actores y los hombres y mujeres retratados por van Gogh tuvo un rol protagónico, al menos en los rasgos reflejados por los cuadros. De ese modo, otro de los destaques de Loving Vincent es el doble reconocimiento que permite el gran trabajo artístico y técnico efectuado: por un lado, reconocer la pintura de la que parte la toma en cada caso y, por otro, reconocer a los actores detrás de las voces y las representaciones pictóricas.
Setenta y siete fueron las obras de van Gogh utilizadas en el filme, setenta de las cuales mantuvieron los tonos y colores de la pintura original, mientras que siete fueron “transportadas” al blanco y negro utilizado para generar los flashbacks con los que se relata el pasado de sus últimas semanas de vida en Auvers sur Oise (Francia), en las que se centra la investigación del joven Armand Roulin sobre el paradero de Vincent, al inicio, y las razones y el cómo de su fallecimiento, posteriormente. Relatos efectuados por quienes frecuentaron al artista, por motivos diversos, durante dicho período, y que van Gogh -ese que, en vida, vendió sólo tres de sus casi novecientos cuadros- dejara inmortalizados en algunos de sus trabajos más famosos.
Ese dato, el del reflejo del mundo que lo rodeara en su obra -sujetos, situaciones, paisajes- fue decisivo al momento de elaborar el guión. Ello, y los centenares de cartas en las que relatara, principalmente a su hermano Theo, sus vivencias cotidianas y su proceso creativo en cada período. A través de ellas -pinturas, cartas-, es posible recrear su entorno y sus acciones de un modo tan cercano a la precisión -de acuerdo a palabras de sus directores- que es difícil de comparar con algún otro artista de la pintura.
Y es a partir de esa imagen especular maravillosamente deformada por su arte que podemos rastrear sus pasiones y obsesiones, sus apegos y desapegos, sus lugares favoritos, las calles que lo rodearon, sus amigos, sus zapatos, su cuarto, alguno de sus amores; su ser tortuoso, y torturado, su peculiar forma de ver y sentir el mundo; la lucidez, su lucidez, con la que intentó liberarnos de tanta atadura; la rosa espinada pisoteada en la nieve -al cantar de McClean-, la brisa y la sombra sobre las colinas, las flores flameantes y las noches estrelladas, las nubes en remolino, los rostros sufrientes embellecidos y enternecidos por su mano, los hombres en harapos; su amor por nosotros nunca correspondido; su belleza infinita…
Lamentablemente, si no pudimos entenderla, si no supimos cómo verla en su turno -tierra y tiempo sin profeta-, nadie podrá garantizarlo ahora. Por más pasión y amor que se hayan puesto en la empresa.
Andrés Vartabedian (Revista digital Vadenuevo, 03/01/2018)

Trailer:

lunes, 16 de abril de 2018

17 y 20abr18: Elle: abuso y seducción


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Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis

Título original Elle
Año 2016
Duración 130 min.
País Francia
Dirección Paul Verhoeven
Guion David Birke (Novela: Philippe Djian)
Música Anne Dudley
Fotografía Stéphane Fontaine
Reparto Isabelle Huppert,  Laurent Lafitte,  Anne Consigny,  Charles Berling,  Virginie Efira, Judith Magre,  Christian Berkel,  Jonas Bloquet,  Alice Isaaz,  Vimala Pons, Raphaël Lenglet,  Arthur Mazet,  Lucas Prisor,  Hugo Conzelmann,  Stéphane Bak
Género Thriller. Drama. Abuso.
Calificación: + 18 años
Sinopsis
Michèle, exitosa ejecutiva de una empresa de videojuegos, busca venganza tras ser asaltada de forma violenta en su propia casa por un intruso. (FILMAFFINITY)

Premios 2016
Premios Oscar: Nominada a mejor actriz (Isabelle Huppert)
2 Globos de Oro: mejor película extranjera y mejor actriz-drama (Huppert)
Premios César: Mejor película y actriz (Isabelle Huppert). 11 nominaciones
Premios del Cine Europeo: 3 nominaciones, incluyendo mejor película
Festival de Cannes: Sección oficial largometrajes a concurso
Premios Independent Spirit: Mejor actriz (Isabelle Huppert)
Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actriz (Huppert)
Críticos de Los Angeles: Mejor actriz (Huppert)
National Board of Review (NBR): Mejores películas extranjeras del año
Premios Gotham: Mejor actriz (Isabelle Huppert)
Critics Choice Awards: Mejor película de habla no inglesa. 2 nominaciones
 Asociación de Críticos de Chicago: 3 nom., incl. Mejor pel. ext. y actriz (Huppert)
Satellite Awards: Mejor actriz (ex-aequo) (Isabelle Huppert). 2 nominaciones
Premios Goya: Mejor película europea
Premios Gaudí: Mejor película europea
Premios del Sindicato de Críticos de Cine Franceses: Mejor film

Premios 2017
Premios BAFTA: Nominada a Mejor película en habla no inglesa
Premios David di Donatello: Nominada a Mejor film de la Unión Europe

Contrastes de ella
Estaba aquella reflexión de Jacques Rivette que planteaba que toda buena película es algo más complejo de lo que su director se propuso hacer. Decía que toda gran película es en realidad el retrato de esa cosa que el director, sin quererlo, estaba imprimiendo en la pantalla, en la interacción de sus planos, escenas, secuencias. No es que uno, después, como espectador, vaya a ser capaz de deducir todo lo que está ocurriendo allí pero algo se percibe vivo, misterioso, inasible; en el caso de Elle (2016), también, chocante y contradictorio.

La película narra el juego en el que Michelle se mete cuando decide no denunciar la violación que sufre ni bien empieza la película, y buscar (o esperar) al atacante y resolver el tema bajo sus propios medios. Eso es, en realidad, la superficie, porque la película también la narra a ella como mujer, empresaria del mundo de los videojuegos, víctima de un trauma en la infancia, madre, hija, ex-esposa, amante, amiga. Y sobre todo, narra el cruce donde la violación no es del todo un punto que la devela en su fragilidad y sufrimiento sino que, por el contrario, hecha luz sobre su fría elegancia, su racionalidad y su deseo. Porque su reacción a la violación no es, digamos, lo que uno espera; y detrás de eso, hay cierta complejidad que la lleva a recorrer una línea peligrosa de coqueteo, literal, con su atacante. En ese recorrido, el guión y la puesta en escena establecen un choque entre lo que parece esperable y lo que de hecho ocurre, construyendo momentos de comedia y perplejidad.
Lo atroz se vuelve sexy; lo violento, erótico. Las contradicciones abundan en la película, desde el hijo negro de una pareja blanca (con un padre obstinado con afirmar que se trata de su hijo) a la extraña comicidad de un policial. No son fundamentos de una tesis sino piezas del misterio que, al fin y al cabo, es ella y su deseo, que se afirma en su ley, ilógico e inexorable. Entonces lo que genera rechazo o atracción se vuelve imposible de distinguir. La síntesis última es el rostro de ella (spoiler), la forma sutil en la que sonríe (casi como si lo hiciera con los ojos) frente al rostro ensangrentado del violador moribundo (fin de spoiler.)
En una entrevista a IndieWire, el director Paul Verhoeven parece afirmar su intensión de buscar el cruce entre terrenos contradictorios: “Mantengo un ojo abierto al lado destructivo del universo; la sexualidad, la amistad y el amor están en el otro lado. Yo estoy tratando de usarlos a los dos al mismo tiempo. Los dos están en todos lados”. La incómoda concatenación de sucesos que albergan esta doble naturaleza son la premisa que construye la extrañeza que sobrevuela a toda la película y la perplejidad que puede provocar las decisiones y actitudes de ella, u otros de los personajes. Más que llevarnos a formular una idea racional -que quizá podríamos- lo más interesante sucede en la parte que parece escapar a ese esfuerzo.
Juan Andrés Belo en Revista Film

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domingo, 8 de abril de 2018

10 y 13abr18: Mi amiga del parque


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Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis

Título original Mi amiga del parque
Año 2015
Duración 86 min.
País Argentina-Uruguay
Dirección: Ana Katz
Guion: Inés Bortagaray, Ana Katz
Música: Leo Maslíah
Fotografía: Guillermo Nieto
Reparto:
Julieta Zylberberg,  Ana Katz,  Maricel Álvarez,  Mirella Pascual,  Daniel Hendler, Malena Figo
Género Drama. Comedia dramática
Calificación:+ 15 años
Sinopsis
Corren días difíciles para Liz, madre primeriza de Nicanor y esposa de Gustavo, que está de viaje filmando en Chile. Liz parece perdida y sola, visita todos los días el parque vecino a su casa. Allí conoce a un grupo de madres y a algún padre y se encuentra con Rosa, presunta madre de Clarisa y hermana de la inestable Renata. En esta intensa amistad se crea una complicidad especial, en la que las nuevas amigas comparten confesiones, tareas domésticas y de a poco lo más importante, el cuidado de los hijos. (FILMAFFINITY)

Premios
2016: Festival de Sundance: Mejor guión (World Cinema)
2015: Premios Sur: Mejor actriz de reparto: (Maricel Álvarez)

"Un lugar en el mundo"
En plena era de las comunicaciones, las cuales, según se podría apreciar, dan pie a que cada uno exprese lo que quiere en el momento que así lo desee, los medios parecen no bastar para impedir que, pese a quien pese, mucha gente no encuentre un par de oídos dispuestos a escuchar. Todo un tema capaz de asomar en las reflexiones del espectador que vea esta película que algún apresurado catalogaría de feminista, por atreverse a seguir los pasos de una madre reciente (Julieta Zylberberg) que, habida cuenta de que su marido se halla trabajando en otro país, trata de arreglárselas para sobrellevar la soledad. La relación que surge con otra muchacha (Ana Katz, la propia realizadora) a la que conoce en un parque, y luego también con su hermana, se entreteje en una historia que deja en claro que, sin otros familiares a la vista, no resulta fácil salir adelante con un bebé, tratar de reintegrarse a las actividades laborales y, por cierto, dar con la persona adecuada que, en ciertas horas, le cuide al niño. Si bien entonces gran parte de lo que le sucede a nuestra protagonista cae en la órbita de aconteceres femeninos, cualquier hombre capaz de esgrimir un mínimo de imaginación puede muy bien traducir los contratiempos, indecisiones, dudas y soledades que aquejan a Liz –el personaje que anima con milimétrica precisión Zylberberg– a una órbita masculina donde otro tipo de contratiempos, indecisiones, dudas y soledades asoman muchas veces sin que el hombre en cuestión se tope con las orejas que presten atención a sus pesares.
De ahí que valga la pena no sólo tratar de escuchar en profundidad lo que Liz trata de señalarle a su nueva amiga, a la hermana de ésta, a un ex, a la empleada que viene a darle una mano y, por supuesto, al alejadísimo marido que asoma vía Skype, sino también entender por qué razones la historia de Liz no se termina al finalizar la proyección de la película, ya que, como en la propia vida de cualquiera, ella tendrá otros asuntos que se agregarán a los ya entrevistos. Toda una conclusión a la que conviene sumar los pensamientos que la platea se pueda plantear acerca de lo que Liz trasluce en sus miradas, sus silencios, sus sonrisas y, claro está, sus estallidos, ya que, también como en la propia vida, siempre conviene tener en cuenta, además de lo que las personas dicen, buena parte de lo que nunca dicen. Con miradas dirigidas hacia ambos terrenos, Ana Katz e Inés Bortagaray plantean un libreto pleno de elocuentes puntos suspensivos, que la primera filma en interiores y exteriores que el fotógrafo Guillermo Nieto capta con la expresividad del caso para darle marco al deambular de una mujer cuyos pasos ilustran etapas que, quizás, la conduzcan a superar algún obstáculo. El asunto, como es fácil suponer, puede suceder en cualquier parte, un detalle que el elenco que incluye a argentinos como Zylberberg y uruguayos como Mirella Pascual (la empleada) y Daniel Hendler (el marido) se encarga de justificar con la misma naturalidad que impulsa a la cámara a moverse por algún paisaje reconocible. Como en las películas de sus admirados Eric Rohmer y Nanni Moretti, lo que cuenta Katz queda en la cabeza del espectador. Si lo que uno piensa resulta, en definitiva, distinto de lo que piensa el de al lado, mejor. Vivan las diferencias… si éstas surgen por haber pensado.
Alvaro Loureiro en Brecha

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viernes, 30 de marzo de 2018

03 y 06abr18: París puede esperar

París puede esperar

Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis.

Título original Paris Can Wait
Año 2016
Duración 92 min.
País Estados Unidos
Dirección Eleanor Coppola
Guion Eleanor Coppola
Música Laura Karpman
Fotografía Crystel Fournier
Reparto Diane Lane,  Alec Baldwin,  Arnaud Viard,  Elise Tielrooy,  Linda Gegusch, Élodie Navarre,  Cédric Monnet
Género Romance. Comedia. Road Movie
Calificación ATP


Sinopsis
Anne se encuentra en una encrucijada en su vida. Casada con un exitoso productor de cine, un día se encuentra de forma inesperada viajando en coche desde Cannes a París con un socio de negocios de su marido. Lo que debería ser un viaje de siete horas se convierte en una aventura de dos días repleta de diversión llena de lugares pintorescos, buena comida y mejor vino, mucho humor, sabiduría y romance, despertando los sentidos de Anne y dándole un nuevo deseo a su vida. (FILMAFFINITY)

“Crisis, turismo y gastronomía”
Por momentos uno teme lo peor: una sucesión de escenas de turismo y gastronomía francesa que rocen lo pornográfico. En París puede esperar, los personajes se dan la gran vida en paisajes de la Provence, mientras viven una (¿platónica?) historia de amor maduro.
Y aunque la película se deja tentar demasiado por un exhibicionismo cercano a programa de cocina de algún canal especializado, en su último tercio tuerce un poco más la mirada a los personajes dejando por un rato esos platos exquisitos y esos paisajes sobrecogedores. Y así consigue redimir algunos excesos de esa travesía a bordo de un Peugeot 504 deportivo.
París puede esperar es de Eleanor Coppola, quien a los 80 años dirigió su primer largometraje de ficción. Antes había filmado Heart of Darkness, un documental sobre la locura que fue para su esposo, Francis Coppola, filmar Apocalypse Now, y alli conseguía algo muy bueno.
Esa vocación de documentalista se hace notar en esta tardía ópera prima que se preocupa tanto por el entorno como por los protagonistas. Es la historia de la esposa (Diane Lane) de un productor de Hollywood (Alec Baldwin), un matrimonio que debe llegar a París desde Cannes. Por esas cosas de la vida ella termina yendo en auto con un socio francés (Arnaud Viard) de su marido.
Y el viaje que era de unas horas se convierte en uno de dos días y una noche porque el chofer parece conocer todos los rincones gastronómicos y turísticos del camino y ella —a la que se la ve aburrida en su matrimonio con hombre quizás amoroso pero demasiado ocupado— se deja tentar fácilmente.
Es la excursión que cualquier mortal y hasta una fantasía femenina sueñan aunque tiene toda la pinta de ser carísima. Y si ver cómo disfrutan otros no es lo más entretenido del mundo, a Coppola no le estaría importando.
Y allí va él con toda la galantería y el desenfado romántico de los franceses (es como un Pepé Le Pew sin olor y con encanto). Y va ella, una americana aferrada a la fidelidad matrimonial, que se la pasa sacando fotos como una manera de llenar el hueco que ha dejado el que su hija mayor se fuera a la universidad.
La oposición entre una sensibilidad norteamericana y una francesa es otro de los subtextos no demasiado disimulados que vienen con una historia que Coppola también escribió. Algunos contactos con la vida pública de la directora podrían hacer pensar que ella está hablando de su vínculo con un director famoso y adicto al trabajo que la obligó a una vida en segundo plano.
La complicidad explícita de Diane Lane con las espectadoras en la toma final, es el cierre feliz de un paseo inolvidable. Y un final bien resuelto a una historia que muestra exteriores para hablar de cosas más interiores.
Fernán Cisnero en El País

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Programación de abril '18.



lunes, 18 de diciembre de 2017

¡Felices fiestas!

best movie santas

Foto: Miracle on 34th Street (1947)


"Culminamos la temporada 2017.Como siempre, es momento de agradecer, una vez más, a los socios, por su aporte.Este año, hemos programado para ustedes, películas de distintos orígenes, desde producciones nacionales (al menos una por mes) como así también películas de Europa, Asia, Latinoamérica, etc.Difícil tarea (ya van dos años sin Voltaire....), pero al repasar la lista, creemos que fue muy acertada. Queremos contarles además , que este verano vamos a hacer algunas obras en la sala; como arreglos en los cielo rasos, patio, pinturas ,etc., para que el año que viene comencemos con las funciones presentando una sala en óptimas condiciones.Nuevamente queremos agradecerles su aporte, vital para la existencia y desarrollo de nuestro querido Cine Club, y desearles muy felices fiestas”. 

La Comisión Directiva 


19 y 22dic17: Perfectos desconocidos

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Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis.
¡Las dos últimas funciones de 2017!

Título original Perfetti sconosciuti
Año 2016
Duración 97 min.
País Italia
Dirección Paolo Genovese
Guion Paolo Genovese, Filippo Bologna, Paolo Costella, Paola Mammini, Rolando Ravello
Fotografía Fabrizio Lucci

Reparto
Giuseppe Battiston,  Anna Foglietta,  Marco Giallini,  Edoardo Leo, Valerio Mastandrea,  Alba Rohrwacher,  Kasia Smutniak
Género Comedia | Amistad
Calificación: +15 años

Sinopsis
Siete amigos que lo son desde hace años (tres parejas y un soltero) se reencuentran en una cena en la que deciden jugar a un juego extraño y arriesgado: ponen sus smartphone sobre la mesa y al grito de “no tenemos nada que ocultar”, deciden compartir los mensajes y las llamadas que cada uno de ellos reciba durante la noche, en una especie de ruleta rusa a golpe de SMS y tonos de llamada. (FILMAFFINITY)

Premios 2015-16
Premios David di Donatello: Mejor película y guión. 9 nominaciones
Festival de Tribeca: Mejor guión en largometraje internacional

Críticas
"Por momentos, hilarante; por momentos, en busca de una emoción forzada, tiene en el trabajo dinámico de los actores el mejor argumento para que el espectador se sienta reconfortado. "

Leonardo D’Espósito: Revista Noticias

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jueves, 14 de diciembre de 2017

12 y 15dic17:Paterson

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Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis.

Título original Paterson
Año 2016
Duración 113 min.
País Estados Unidos
Dirección Jim Jarmusch
Guion Jim Jarmusch (Poemas: Ron Padgett)
Música Sqürl
Fotografía Frederick Elmes
Reparto
Adam Driver,  Golshifteh Farahani,  Sterling Jerins,  Luis Da Silva Jr.,  Frank Harts, William Jackson Harper,  Jorge Vega,  Trevor Parham,  Masatoshi Nagase, Owen Asztalos,  Jaden Michael,  Chasten Harmon,  Brian McCarthy,  Jared Gilman, Kara Hayward
Género Drama | Literatura.
Calificación: ATP
Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis.
Sinopsis
Historia sobre un conductor de autobús y poeta aficionado sobre las pequeñas cosas llamado Paterson, que vive en Paterson, New Jersey. (FILMAFFINITY)
Premios 2016
Festival de Cannes: Sección oficial largometrajes a concurso
Premios David di Donatello: Nominada a Mejor film extranjero
Críticos de Los Angeles: Mejor actor (Adam Driver)
Premios Gotham: Nominada a mejor película, guión y actor (Adam Driver)
Críticas
"Una película perfecta como un palíndromo. (...) la piel de la pantalla se eriza en un escalofrío tan delicado, tan cálido, tan sorprendente que todo se quiere diferente".  Luis Martínez: Diario El Mundo

"Pocas películas han sabido poner en imágenes el proceso creativo de un poeta de una manera tan simple y hermosa, como si cada plano fuera una palabra escrita en el agua. (...) sí, 'Paterson' es una obra maestra"  Sergi Sánchez: Diario La Razón

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lunes, 4 de diciembre de 2017

05 y 08dic17: Roslik y el pueblo de las caras sospechosamente rusas

Roslik y el pueblo de las caras sospechosamente rusas
Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis.

Título original Roslik y el pueblo de las caras sospechosamente rusas
Año 2017
Duración 90 min.
País Uruguay
Dirección Julián Goyoaga
Música Miguel Magud
Fotografía Andrés Boero Madrid, Germán Tejeira
Género Documental
Calificación: ATP

Sinopsis
Este documental atraviesa la vida de Mary y Valery, la viuda y el hijo de Vladimir Roslik, el último muerto de la dictadura militar uruguaya.  Hoy, ellos buscan cerrar una herida que es suya y es la de una comunidad perseguida por su origen ruso, bajo la sombra que dejó la ley de caducidad que impidió juzgar el asesinato.

Critica
"Sorprende en su exploración de la superación a lo adverso. La fotografía, la labor de sonido y especialmente los segmentos animados son otros puntos favorables del documental, que amerita ser visto en una pantalla grande."

Pablo Staricco: Diario El Observador

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Programación de diciembre '17



viernes, 1 de diciembre de 2017

28nov y 1dic17: Viaje a Italia

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Título original The Trip to Italy
Año 2014
Duración 108 min.
País Reino Unido
Director Michael Winterbottom
Guion Michael Winterbottom
Fotografía James Clarke
Reparto Steve Coogan,  Rob Brydon,  Claire Keelan,  Rosie Fellner,  Marta Barrio, Ronni Ancona,  Timothy Leach,  Rebecca Johnson,  Alessandro Cuomo, Alba Foncuberta Bufill,  Flora Villani
Género Comedia
Sinopsis
Dos hombres que recorren Italia por carretera hacen seis comidas en seis regiones diferentes: Liguria, Toscana, Roma, Amalfi y Capri. (FILMAFFINITY)
Críticas
"Es, básicamente, una película en la que dos tipos charlan, improvisando, y, en el camino, convierten su rivalidad dialéctica en finísima forma de comedia… "  Jordi Costa: Diario El País
"Incide en los mismos términos que hicieron triunfar a la primera, pero con más ahínco (...) Rebosa optimismo y alegría, tanto que al final te dan ganas de ir a Italia y bebértela entera (...)"  José Manuel Cuéllar: Diario ABC

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lunes, 20 de noviembre de 2017

21 y 24nov17: La chica sin nombre

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Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis.

Título original La Fille Inconnue
Año 2016
Duración 113 min.
País Bélgica
Director Jean-Pierre Dardenne,  Luc Dardenne
Guion Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne
Fotografía Alain Marcoen
Reparto
Adèle Haenel,  Jérémie Renier,  Olivier Bonnaud,  Olivier Gourmet,  Louka Minnella, Pierre Sumkay,  Nadège Ouedraogo,  Ben Hamidou,  Thomas Doret, Fabrizio Rongione,  Christelle Cornil
Género Drama
Clasificación: + 12 años
Sinopsis
Una noche, después del cierre de su consultorio, Jenny, una joven doctora, escucha el timbre, pero decide no abrir. Al día siguiente, se entera por la policía de que han encontrado, no lejos de allí, a una joven muerta, sin identidad. (FILMAFFINITY)

Premios 2016
Premios César: Nominada a Mejor película extranjera
Festival de Cannes: Sección oficial largometrajes a concurso

Críticas
"No es la primera vez que el cine urgente de los hermanos Dardenne flirtea con los códigos del cine de género"  Jordi Costa: Diario El País

"Los Dardenne leen a Agatha Christie (...) el alma de la película es el de un 'thriller' triste vaciado de la tensión impúdica que convierte un crimen en espectáculo. Y aquí, los directores vuelven a demostrar su estatura de gigantes."  Luis Martínez: Diario El Mundo

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lunes, 13 de noviembre de 2017

14 y 17nov17: Frantz

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Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis.

Título original Frantz
Año 2016
Duración 113 min.
País Francia
Director François Ozon
Guion François Ozon, Philippe Piazzo, Ernst Lubitsch (film)
Música Philippe Rombi
Fotografía Pascal Marti
Reparto Paula Beer,  Pierre Niney,  Johann von Bülow,  Marie Gruber,  Ernst Stötzner, Cyrielle Clair,  Alice de Lencquesaing,  Anton von Lucke
Género Drama
Clasificación: + 12 años

Sinopsis Una pequeña ciudad alemana, poco tiempo después de la I Guerra Mundial. Anna va todos los días a visitar la tumba de su prometido Frantz, caído en la guerra, en Francia. Un día, Adrien, un misterioso joven francés, también deja flores en la tumba. Su presencia suscitará reacciones imprevisibles en un entorno marcado por la derrota de Alemania. (FILMAFFINITY)

Premios 2016
Premios César: Mejor fotografía. 11 nominaciones
Festival de Venecia: Mejor nueva actriz (Paula Beer)

Críticas
"Es una pieza mayor en la obra de Ozon: un sutil drama en torno a la confluencia de dos sacrificios vitales en la construcción de una ficción aliviadora."  Jordi Costa: Diario El País

"Magistral Ozon. (...) una tragedia dura y cruda lanzada sobre el borde mismo de todos los precipicios posibles. Y así, hasta alumbrar una de las mejores películas de una filmografía camino de lo inacabable. Tal cual."  Luis Martínez: Diario El Mundo

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martes, 7 de noviembre de 2017

07 y 10nov17: El gruñón

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Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis.

Título original Mielensäpahoittaja
Año 2014
Duración 104 min.
País Finlandia
Director Dome Karukoski
Guion Dome Karukoski, Tuomas Kyrö
Música Hilmar Örn Hilmarsson
Fotografía Pini Hellstedt
Reparto Antti Litja,  Kari Ketonen,  Janne Reinikainen,  Timo Lavikainen,  Mikko Neuvonen, Milla Puolakanaho,  Sulevi Peltola,  Mari Perankoski,  Alina Tomnikov,  Iikka Forss, Minna Koskela
Género Comedia | Familia
Calificación: ATP

Sinopsis
Un arisco anciano choca con su nuera cuando, a consecuencia de una caída, tenga que trasladarse a vivir con la familia de su hijo a Helsinski, una ciudad moderna, lejos de su entorno. Su nuera es una mujer de carrera que no tiene tiempo para perder con un cascarrabias. Las cosas se complican cuando el gruñón decide ayudar a su nuera a cerrar un trato con unos empresarios rusos y mejorar la relación con su hijo. (FILMAFFINITY)

Críticas
"La genialidad de Dome Karukoski pasa por mostrar, a modo de drama con toques de comedia ácida, la cada vez más amplia brecha generacional"  Janire Zurbano: Cinemanía 
"Esta juguetona comedia cuenta con el tipo de humor que puede ser apreciado por cualquier persona que piensa que el mundo se va al garete".  Alissa Simon: Variety

Trailer:


Programación de noviembre 17.