Género Drama | Biográfico. Literatura. Feminismo. Años 20
Clasificación: + 15 años
Sinopsis Cuenta la historia de Sidonie-Gabrielle Colette
(Keira Knightley), autora de las polémicas novelas que causaron gran revuelo en
el París de los años 20 "Claudine" y "Gigi", desde su
infancia en el campo hasta su consagración en la sociedad parisina junto a su
marido, el también autor Henry Gautheir-Villas “Willy” (Dominic West), que en
un principio actúa como mentor de Colette. (FILMAFFINITY)
Premios
2018
Premios
Independent Spirit: Nominada a mejor guion
British
Independent Film Awards: 4 nominaciones
Satellite Awards: Nominada a mejor banda sonora y vestuario
Crítica
La historia es real. Una campesina sin dote se casa con un
vividor de París que utiliza escritores fantasma para que escriban novelas que
él firma. Gabrielle terminará siendo uno de ellos, creando un personaje –Claudine-
con el que Willy tendrá varios éxitos. Ya conocida como Colette, la joven no se
presentará nunca como una mujer sumisa, sino que aprovechará la situación para
“vivir la vida” y, entre otras cosas, descubrirá su bisexualidad. Un personaje
a la medida de Keira Knightley, una total experta en mujeres de época, en este
caso de fines del siglo XIX y comienzos del XX. Colette es magnética,
carismática, contestataria, pero ama a su marido que, a su manera, también la
quiere. Una historia de otra época con personajes muy de esta época.
Martes y viernes a
las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis.
Título original El amor menos pensado
Año 2018
Duración 136 min.
País Argentina
Dirección Juan Vera
Guion Juan Vera
Música Iván Wyszogrod
Fotografía Rodrigo Pulpeiro
Reparto Ricardo Darín,Mercedes Morán,Claudia
Fontán,Andrea Pietra,Luis Rubio, Jean Pierre Noher,Claudia Lapacó,Chico Novarro,Andrés Gil,Norman Briski, Juan Minujín,Gabriel Corrado,Andrea Politti
Género Romance. Comedia. Drama | Comedia romántica
Clasificación: + 15 años
Sinopsis Marcos (Darín) y Ana (Morán) llevan casados más de
25 años, pero ambos entran en una crisis existencial que los lleva a separarse.
Al principio la vida de solteros les parece fascinante y excitante, pero pronto
se torna también monótona para ella y pesadillesca para él. (FILMAFFINITY)
Premios2018
Festival de San Sebastián: Sección oficial (Película
inaugural)
Crítica:
En el arranque de esta fábula sobre los alborotos,
desarreglos, huidas y reencuentros del corazón, el protagonista lee uno los
inicios más hermosos de la literatura, el de esa novela genial titulada Moby
Dick. Asegura este hombre que las reflexiones de Ismael sobre la inaplazable y
repetida necesidad de embarcarse para curar los males del alma explica a la
perfección la historia que le ha ocurrido. Después de habérmela contado creo
que se equivoca en su percepción. Sería más acertado identificar su crisis
sentimental y la de su esposa con el título de un relato del desolador Raymond
Carver. O sea: ¿De qué hablamos cuando hablamos de amor?
La marcha de casa de su único hijo puede ser el pretexto
para que una pareja larga y aparentemente feliz empiece a plantearse dudas
sobre su plácida situación. Ambos llegan a la conclusión de que el amor y el
deseo se fugaron, aunque se quieran y se necesiten. Y seguirán buscando en vano
con sucesivas parejas el antiguo éxtasis. O simplemente, intentando que el lado
más sombrío de la soledad no se cebe con ellos. Está descrito por el director,
Juan Vera, con brillantez oral, situaciones complejas (alguna tan jocosa como
la cita en un bar utilizando esas webs al parecer irresistibles, infalibles y
muy prácticas para enrollarse con desconocidos) y múltiples y reconocibles
sensaciones sentimentales. En algún momento temo que el torrente de elocuencia
porteña acabe asfixiándome, pero no ocurre. Hay inteligencia, conocimiento del
ser humano, ironía y gracia en ella. Y dispone de dos intérpretes modélicos.
Con Ricardo Darín me ocurre lo que con Messi, se me acaban los adjetivos
laudatorios ante su arte. Y Mercedes Morán, a la que desconocía, es una actriz
notable. Entre los secundarios hay de todo, pero disfruto enormemente con la
dama rubia que interpreta a la ortodoncista sofisticada, voraz, cínica y
tronada. Salgo del cine con una sonrisa. Y se agradece. Sospecho que a la
mayoría de los espectadores les va a ocurrir lo mismo.
Género Thriller. Drama | Crimen. Drogas. Perros/Lobos
Clasificación: + 16 años
Sinopsis El dueño de una peluquería canina a las afueras de
Roma se deja influenciar por un delincuente local hasta que su vida personal se
complica y decide tomar las riendas de la situación. (FILMAFFINITY)
Premios
Festival de Cannes: Mejor actor (Marcello Fonte)
9 Premios David di Donatello: incluyendo mejor película. 16
nominaciones
Premios BAFTA: Nominada a Mejor película en habla no inglesa
Premios del Cine Europeo: Mejor actor (Fonte), vestuario y
maquillaje
Festival de Valladolid - Seminci: Sección oficial
Crítica:
El personaje principal (espectacular actuación de Marcello
Fonte) parece oriundo de esas tragicomedias amargas de tan arraigada tradición
en el cine italiano. Es dulce, amoroso, tímido, de aire embobado, sumiso, hábil
y dedicado en su trabajo. Admira y obedece al fortachón cocainómano Simone, que
lo vapulea constantemente. La humillación tiene un límite, y Marcello urdirá
una venganza sangrienta. Los escenarios deslucidos están tomados en forma
expresamente antiestética, neoneorrealista, algo habitual en el director, que
construye la tensión en forma cuidadosa y plena de contradicciones barrocas.
Sinopsis Con la Guerra Fría como telón de fondo, “Cold War”
presenta una apasionada historia de amor entre dos personas de diferente origen
y temperamento que son totalmente incompatibles, pero cuyo destino les condena
a estar juntos. (FILMAFFINITY)
Premios 2018
Premios Oscar: Nominada a mejor director, fotografía y
película extranjera
Festival de Cannes: Mejor director
Premios BAFTA: 4 nominaciones, inc. a Mejor película en
habla no inglesa
Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película extranjera
Premios del Cine Europeo: Mejor película, director, guion,
montaje y actriz (Kulig)
National Board of Review (NBR): Mejor película de habla no
inglesa
Critics Choice Awards: Nominada a mejor película de habla no
inglesa
Asociación de Críticos de Chicago: 2 nom. incluyendo Mejor
película extranjera
British Independent Film Awards: Nom. mejor película
internacional
Satellite Awards: Nominada a mejor película habla no inglesa
y fotografía
Premios Goya: Mejor película europea
Premios César: Nominada a Mejor película extranjera
Premios David di Donatello: Nominada a Mejor film extranjero
Premios Gaudí: Mejor película europea
Crítica:
Wiktor y Zula se conocen en 1949, cuando él tomaba
audiciones para una compañía de danza y canto de Polonia y ella era una de las
candidatas. Desde ese momento iniciarán una relación que, durante más de diez
años, los tendrá yendo y viniendo, separándose y juntándose. Pero esas idas y
vueltas no tendrán que ver solo con los avatares del amor, sino también con una
situación política propia de la Guerra Fría que no los dejará ser tan libres en
sus traslados entre Polonia y París. El film es en blanco y negro y en una
pantalla casi cuadrada que podrá incomodar en los primeros minutos, pero luego
pasa a ser un recurso narrativo funcional a una historia redonda, emotiva e
intrigante. Belleza estética, buena música y destacadas actuaciones para contar
un camino sinuoso dominado por el amor. Analía Filosi en Sábado Show
ÚNICA FUNCIÓN: martes a
las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis.
Título original Todos lo saben
Año 2018
Duración 130 min.
País España
Dirección Asghar Farhadi
Guion Asghar Farhadi
Música Canciones: Javier Limón, Nella Rojas
Fotografía José Luis Alcaine
Reparto Penélope Cruz,Javier Bardem,Ricardo
Darín,Eduard Fernández,Bárbara Lennie, Inma Cuesta,Elvira Mínguez,Ramón Barea,Carla Campra,Sara Sálamo, Roger
Casamajor,José Ángel Egido,Sergio Castellanos,Iván Chavero, Tomás del Estal,Imma Sancho,Paco Pastor Gómez,Jaime
Lorente,Jordi Bosch, Mari Carmen
Sánchez,Vicente Vergara,Esteban Ciudad,Nella Rojas
Género Thriller. Drama | Thriller psicológico. Secuestros /
Desapariciones. Familia. Vida rural. Bodas
Clasificación +12
años
Sinopsis Laura viaja con su familia desde Buenos Aires a su
pueblo natal, en España, para asistir a la boda de su hermana. Lo que iba a ser
una breve visita familiar se verá trastocada por unos acontecimientos
imprevistos, que sacudirán las vidas de los implicados. (FILMAFFINITY)
Premios 2018-19
Premios Goya: 8 nominaciones incl. Mejor película,
director y actor (Bardem)
Festival de Cannes: Sección oficial largometrajes a
concurso
Premios Feroz: 6 nominaciones, incluyendo Mejor
película drama
Premios Forqué: Nominada a Mejor actriz (Cruz) y a
Mejor actor (Bardem)
Premios Gaudí: Nominada a Mejor actor de reparto (E.
Fernández)
Premios Platino: Nominada a mejor actor (Bardem) y
actriz (Cruz)
Crítica:
Todos lo saben cumple con el protocolo para calificar, a su
manera, como una superproducción. Está, para empezar, dirigida por el iraní
Asghar Farahi, que ganó dos Oscar a mejor película extranjera por La separación
en 2011 y El viajante en 2016. Aunque se puede pensar que tras ese
reconocimiento hay un poco de coyuntura política (Farahi no pudo ir a recoger
el premio por El viajante debido al cierre de fronteras que el presidente Trump
ordenó para países enemigos), los libros de historia no van a decir eso, sino
que lo colocarán, según ese estandar, como uno de los grandes directores
contemporáneos. Tamaña estatura es un poco exagerada.
Su nueva película, además, tiene un trío de actores fuertes,
de los cuales dos (Penélope Cruz y Javier Bardem) son celebridades globales y
uno de los contados matrimonios en tener un Oscar para cada uno. Eso le dio a
Todos lo saben una exposición mundial que, por ejemplo, le permitió ser la apertura
en el último festival de Cannes.
Y el tercer actor en discordia es Ricardo Darín, la estrella
iberoamericana más prestigiosa y que, encima, estuvo en tres películas
nominadas al Oscar a la mejor extranjera, y una de ellas, El secreto de sus
ojos, ganó el premio gracias —en parte— a su tenaz y tristón Benjamín Espósito.
La interacción entre los tres protagonistas es uno de los
puntos de interés de Todos lo saben. Se cruzan en una historia que bordea
varios géneros sobre una adolescente que desaparece de una fiesta en un
pintoresco pueblo español. En esa fiesta también están su madre (Cruz) y su
novio de la juventud, Paco (Bardem). Su padre, Alejandro (Darín), quedó en casa
en Buenos Aires, y aunque se perdió la fiesta viaja rápidamente a buscar a su hija.
La película comparte con El pasado, La separación y El
viajante, los títulos más internacionales de Farhadi, cierta tendencia a los
espacios cerrados y aislados por los que rondan mentiras y verdades a medias
que, en definitiva, revelan, por ejemplo, la inseguridad o la insatisfacción de
sus protagonistas. Pero a diferencia de sus anteriores películas que parecían
más enmarcadas en el exclusivo casillero del drama, Todos lo saben se abre un
poco hacia otros senderos.
El título es irónico: acá nadie sabe nada y todo es
chismorreo infundado que intenta ver un puzzle completo donde siempre falta una
pieza. La última escena, quizás, indique que el círculo vicioso de mentiras y
verdades a medias siempre vuelve a empezar. En pueblo chico, se sabe, el
infierno siempre es grande.
El aparente secuestro, la decisión de no decirle a la
policía y manejarlo en familia, y la testarudez de ver siempre el vaso medio
vacío, van a desatar todos los frágiles nudos que unían esos vínculos. Reclamos
basados en suspicacias o especulaciones disparatadas hacen avanzar la trama. El
guion es del propio Farhadi.
Ese “todos lo saben”, además, llega hasta el espectador.
Aunque es claremente un drama familiar, Farhadi juega con las expectativas del
propio género. Es un melodrama, sí, pero también un teleteatro con sus
aclaraciones, reclamos y grandes revelaciones. pero también es un policial con
un detective que es una combinación entre Poirot y Columbo, que conjetura
disparatadamente. Es incluso una asordinada comedia de enredos.
Así, Todos lo saben termina, con sus dudas sobre las
verdaderas intenciones de sus personajes, dudando sobre algunas certezas de la
vida y del cine.
La dirección de Farhadi es discreta: acá no está el
despliegue del plano secuencia del sismo de El viajante y se privilegia el
encuadre de cámara quieta. El uso de un dron, por ejemplo, con su ángulo
cenital, quizás hable de que hay un orden supremo (el personaje de Darín es
explícitamente religioso) aunque, incluso desde ahí, no se consiga descifrar el
cuadro completo.
El principal gasto lo hacen los actores. Los más exigidos
son Cruz y Bardem porque son los que más exteriorizan la crisis: los dos
componen en territorios que ya recorrieron (en películas como Volver, ella, y
¡madre!, él), al que trabajan desde la contención de quien esconde cosas. La
actuación de Darín es más asordinada, quizás porque, como se dice
repetidamente, procesa todo a un nivel más interior. Es bien Darín.
Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis. Título original The Wife Año 2017 Duración 100 min. País Reino Unido Dirección Björn Runge Guion Jane Anderson (Novela: Meg Wolitzer) Música Jocelyn Pook Fotografía Ulf Brantas Reparto Glenn Close, Jonathan Pryce, Christian Slater, Max Irons, Harry Lloyd, Elizabeth McGovern, Annie Starke, Alix Wilton Regan, Karin Franz Körlof, Morgane Polanski, Johan Widerberg Género Drama | Literatura Clasificación: ATP Sinopsis Joan Castleman (Glenn Close) es una buena esposa, de belleza madura y natural, la mujer perfecta. Pero lo cierto es que lleva cuarenta años sacrificando sus sueños y ambiciones para mantener viva la llama de su matrimonio con su marido, Joe Castleman (Jonathan Pryce). Pero Joan ha llegado a su límite. En vísperas de la entrega del Premio Nobel de Literatura a Joe, Joan decide desvelar su secreto mejor guardado. (FILMAFFINITY) Premios 2017-18
Premios Oscar: Nominada a mejor actriz (Glenn Close)
Globos de Oro: Mejor actriz - drama (Glenn Close)
Premios BAFTA: Nominada a Mejor actriz (Glenn Close)
Critics Choice Awards: Mejor actriz (Glenn Close) - ex aequo
Premios Independent Spirit: Mejor actriz (Glenn Close)
Premios Gotham: Nominada a Mejor actriz (Close)
Satellite Awards: Nominada a Mejor actriz drama (Glenn Close)
Sindicato de Actores (SAG): Mejor actriz (Glenn Close)
Festival de San Sebastián: Sección oficial (Fuera de concurso) Crítica: La ambición, la soberbia, el ocultamiento, la mentira y la mezquindad son los cinco ejes temáticos de La esposa, la triple coproducción del realizador sueco Björn Runge, que indaga, en profundidad, en los siempre imprecisos límites de la tolerancia y la humillación.
Este film, que marca el regreso a la pantalla grande de la actriz seis veces nominada al Oscar Glenn Close, es un drama de formato teatral que reflexiona sobre el amor, el desamor y la relación de pareja, en tanto compromiso que trasciende a lo meramente afectivo.
En buena medida, esta es una historia marcada más por los silencios que por las palabras, que encubre resentimientos largamente reprimidos bajo una fechada de supuesta felicidad.
No en vano se trata de un cuadro dramático signado por la infelicidad, por más que ese sentimiento no aflore siempre a la superficie y que, por el contrario, permanezca soterrado.
Ambientado al igual que la novela en la cual se inspira en 1992, el relato se sumerge en la intimidad del matrimonio integrado por el celebre escritor Joe Castleton (Jonathan Pryce) y su esposa Joan (Glenn Close).
A priori, se trata de una relación consolidada desde hace cuarenta años y, naturalmente, caracterizada por la armonía de todo vínculo que trascienda a lo meramente temporal.
Aunque la rutina se ha apropiado de la cotidianidad, en apariencia la cordialidad y el respeto mutuo siguen siendo el sustento de un vínculo unido por una suerte de amor incondicional.
Empero, desde el comienzo se nota claramente que se trata de un matrimonio asimétrico, en el cual el hombre ostenta una situación realmente privilegiada como si se tratara de un rey sin corona y la mujer funge como mera acompañante de su peripecia existencial.
Ese cuadro familiar, que se completa con el hijo adulto pero dependiente David Castleton (Max Irons) y una hija, Susana Castleton (Alix Wilton Regan), parece ser realmente idílico.
Sin embargo, el propio decurso del relato corrobora hacia el epílogo de esta película, que esa sintonía perfecta es en realidad una mera fachada que oculta más de una mentira.
La primera secuencia de la narración va marcando el curso del itinerario cinematográfico, cuando el prestigioso autor recibe la noticia que le ha sido otorgado el Premio Nobel de Literatura.
En ese contexto, la espontánea reacción de la pareja es brincar alocadamente sobre la cama, celebrando alborozadamente el acontecimiento.
El galardón es valorado como un logro compartido y no individual, en la medida que la esposa ha acompañado permanentemente al escritor y, en cierto sentido, es copartícipe de sus éxitos.
Incluso, el inveterado compromiso de la mujer con el hombre muta en una suerte de simbiosis, ya que hasta le cuida la salud con singular dedicación y jamás olvida indicarle la hora que debe tomar su medicación.
Es tal el grado de dependencia que se ha generado entre ambos, que Joan suele recordarle a su marido hasta los nombres de los personajes de sus novelas cuando este los olvida.
Más allá de la mera relación matrimonial, que es la clave de la propuesta artística, la película explora con acento crítico otros ámbitos donde prevalece la hipocresía, como la entrega de la premiación en Estocolmo.
En ese marco, el autor arma el tinglado para describir el protocolo previo a la ceremonia que será encabezada por el rey de Suecia, que incluye el acompañamiento permanente del galardonado, los ensayos con el maestro de ceremonias y los compromisos sociales, que, a menudo, resultan agobiantes.
Aunque se trate de una actividad intrínsecamente relacionada con la cultura en la cual se recompensa la excelencia creativa, está igualmente revestida de una densa pátina de frivolidad.
Mientras desarrolla la peripecia contemporánea de los personajes, el cineasta nórdico apela a recurrentes flashbacks para recrear el origen de la pareja, integrada por un docente de literatura devenido escritor y una joven y talentosa estudiante que se transforma en su segunda esposa.
Esa visión retrospectiva permite descubrir que la relación tuvo un comienzo tormentoso, ya que el profesor, estando casado en primeras nupcias, no duda en seducir a su alumna y transformarla en su amante. Luego, castiga a su nueva pareja con permanentes actos de infidelidad.
No obstante, el conflicto no se agota en esa guerra fría no declarada entre los protagonistas, sino que también integran al hijo, que es un escritor en ciernes permanentemente descalificado por su padre, y hasta a un sagaz pero mal intencionado cronista, que aspira a escribir una biografía contaminada por el escándalo.
Apelando a una explícita gestualidad que se torna aun más expresiva que el propio lenguaje verbal, Björn Runge construye una escenografía marcada por la tensión, que parece a punto de estallar como si se tratara de un artefacto de relojería.
Al respecto, resulta muy contundente la reacción exacerbada de la esposa durante la cena de gala del acto de premiación, inequívoco testimonio de amargura, impotencia y frustración.
La esposa es un relato impregnado de singular intensidad dramática, que reflexiona sobre los límites de la paciencia y la tolerancia en situaciones realmente extremas.
En ese contexto, el film –que cuenta con memorables actuaciones de Glenn Close y Jonathan Pryce al frente de un calificado reparto- reflexiona sobre la hipocresía, la mentira, la degradación, el encubrimiento y la segregación de género. Hugo Acevedo (Revista Onda Digital)
Sinopsis Arturo (Guillermo Francella) es un galerista
encantador e inescrupuloso. Renzo (Luis Brandoni) es un pintor hosco y en
decadencia. Si bien los une una vieja amistad, no coinciden en (casi) nada. El
galerista intenta por todos los medios reflotar la carrera artística de su
amigo, pero las cosas van de mal en peor. Hasta que una idea loca y extrema
aparece como una posible solución. (FILMAFFINITY)
Premios 2018
Festival de Venecia: Sección oficial (fuera de
concurso)
Festival de Valladolid - Seminci: Premio del Público
Crítica:
Arturo es un galerista de arte que comienza la película
confesando al espectador que es un asesino. Para conocer más, propone contar
una historia que empieza hace cinco años, con su amigo Renzo Neri como centro.
Renzo es un artista que tuvo su época de esplendor en los años 80 y sigue
viviendo en esa década, negándose a los cambios que plantea el mercado. Vive en
una pocilga, le debe a todo el mundo y desprecia a la gente con dinero de la
que, paradójicamente, depende para vivir. La película de Gastón Duprat (El
ciudadano ilustre, El hombre de al lado) no termina de definir lo que es: ¿un
drama?, ¿una comedia?, ¿una crítica al sistema?, ¿un thriller? En realidad pasa
por todos esos géneros y eso desconcierta un poco al espectador que, por
momentos, no sabe mucho hacia dónde va la historia. Está claro que el fuerte
del asunto es la relación entre Arturo y Renzo, un vínculo de amor-odio muy
apoyado en el humor que surge fácilmente por los dos experimentados actores que
lo protagonizan. El contrapunto entre Guillermo Francella y Luis Brandoni, que
por momentos recuerda a la serie de TV El hombre de tu vida aunque el tono y
los personajes no sean los mismos, es lo más atractivo de este relato. Sus
diálogos son los que van dando forma a las distintas situaciones en las que el
valor de la amistad es lo que sobrevuela todo y sirve como justificativo para
algunas decisiones dudosas. Una película despareja, tal vez un poco larga
demás, que vale la pena por sus pesos pesados, que no decepcionan. Mención
aparte merece la fotografía para mostrar la belleza de algunos de los lugares
por los que transita el film.
Los vecinos del pequeño pueblo siciliano de Pietrammare
viven acostumbrados al caos que conlleva “saltarse la ley”, pero están hartos.
Las carreteras tienen socavones, el tráfico es insufrible, la basura se acumula
en las aceras y no hay día que un vecino no pise un excremento de perro.
Tampoco les falta un gran puerto... sin barcos, y una fábrica altamente
contaminante. Pero parece que ha llegado la hora del cambio: en las elecciones,
un nuevo alcalde ha salido victorioso y viene con la firme intención de cumplir
todo su programa electoral. (FILMAFFINITY
Critica:
Tras años de corrupción institucionalizada, de
manipulaciones de cortijo propio, de caciquismo populachero, los ciudadanos de
un pueblo de la costa siciliana han decidido con sus papeletas en las urnas dar
un giro a su vida ordinaria. Hay nuevo alcalde y, con él, nuevos entes y
medidas, desconocidos hasta entonces: policías municipales que dirigen el
tráfico y hasta ponen multas, vigilancia de la presencia de funcionarios en sus
centros de trabajo, cultura del reciclaje, una grúa que, cual nave espacial
venida desde un planeta desconocido, se lleva los coches mal aparcados,
desaparición de los gorrillas del impuesto revolucionario, calles limpias,
honestidad. Un sopapo en toda regla al muy mediterráneo y sureño concepto de
"la vista gorda", para acabar abrazando ideas tan revolucionarias en
el lugar como el "permiso" y "el documento oficial".
En su quinto largometraje, Salvatore Ficarra y Valentino
Picone, también protagonistas, cómicos televisivos de gran tirón popular, parecen
haberse imbuido del espíritu crítico de las grandes comedias a la italiana de
los años 60, indagado en el punzante humor cotidiano de los maestros Monicelli,
Risi, Steno, Comencini y compañía, y han compuesto con La hora del cambio una
película jocosamente lapidaria: la corrupción no sale de los de arriba, está
institucionalizada desde abajo, forma parte del arraigo social. El sur de
Italia, simplemente, no sabe vivir de otro modo. La nueva política, dirán unos,
la vieja honestidad de Benjamin Franklin, dirán otros, es imposible en Sicilia.
El clientelismo es su forma de ser. Y ahora que cada cual exporte sus
conclusiones a cualquier otro lugar de la Europa mediterránea, España incluida.
Al contrario que la inmensa mayoría de las comedias
españolas de tirón popular de los últimos años, que nunca hacen sangrar a sus
personajes ni a su sociedad, Ficarra y Ficone apuntan con bala a todos los
estratos, desde el más bajo hasta la Iglesia Católica e incluso la Mafia, con
capo vigilante desde el balcón de su casona en la plaza del pueblo, a la manera
de las novelas de Leonardo Sciascia. Y lo hacen huyendo de la mundanidad más
verosímil y acercándose a la parodia a través del sarcasmo.
Pese a la medianía de su puesta en escena y su imagen, La
hora del cambio no es solo una comedia divertidísima, que lo es. También es la
demostración de que se puede hacer una película popular de actitudes
reconocibles que no sea gruesa ni profundamente conservadora, sino directamente
crítica. Desde los detalles más banales, los que vuelven locos al ciudadano en
una nueva realidad ("¿en qué cubo se tiran las servilletas llenas de
salsa?"), hasta los más complejos. Que desde Roma, no se sabe si la Mafia
o el gobierno, manden matones para cortar de raíz esa epidemia de honestidad que
puede extenderse hacia el Norte es el mejor síntoma de que el ingenio cómico
también puede ser conspiranoico.
SE PRESENTA EN CINE CLUB EL LIBRO “MEMORIAS DE UNA NONAGENARIA”
Anécdotas de un Rocha que se fue, relatadas con voz clara y memoria prodigiosa, por una mujer que decidió abrir el baúl de los recuerdos para todos los rochenses.
El lunes 17, a las 19.30 horas, se presenta el libro “ABC: Memorias de una nonagenaria” en Cine Club Rocha. Olga Aguiar, profesora jubilada, madre, abuela y bisabuela, decidió contar algunas de sus más recordadas y entrañables experiencias, muchas de ellas de un Rocha que sólo queda en el recuerdo.
Por sus páginas desfilan, en rigurosos orden alfabético, episodios dedicados a personas como Julia Amaral Amatti, Adauto Puñales, Wilson Ferreira y José Ribot, entre otras de distintas épocas y lugares.
Por supuesto que no faltan las menciones al Cine Club y al Museo Regional de Rocha, dos instituciones a las que la autora les brindó todo su esfuerzo en distintas épocas de su vida, sin olvidar a otras que marcaron la impronta en nuestra ciudad, como CADER, Difusora Rochense y hasta la Biblioteca Municipal.
Por esas hojas amarillentas de la memoria desfilan también, episodios memorables nuestra historia, como las visitas de Antoine de Saint Exupéry, Vito Dummas, la tragedia del Lionel de Marmier, o incluso una ola de suicidios de la que nadie habla pero que ocurrió aquí, en la ciudad de los adoquines desparejos y la siesta perpetua.
Todas las anécdotas y relatos son acompañados de certeras fotografías o ilustraciones, algunas de ellas rescatadas del archivo personal de la autora, y otras sustraídas de revistas de época.
Al final de cada artículo, se incluyen además, frases o poseías relacionadas con el tema elegido. Y como si fuera poco, el prólogo es del profesor Néstor de la Llana.
Sin dudas que este libro, una preciosa edición a todo color de casi 150 páginas, es un excelente regalo para estas navidades.
Productora
Bron Studios / Right Way Productions / Denver and Delilah Productions. Distribuida
por Focus Features
Género Comedia. Drama
Clasificación: +12 años
Sinopsis Marlo (Charlize Theron) es una madre con tres
hijos, el último recién nacido, que recibe un inesperado regalo de parte de su
hermano (Mark Duplass): una niñera para que le ayude por las noches. Al
principio le parece una extravagancia, pero Marlo acaba teniendo una relación
única con Tully (Mackenzie Davis), una joven niñera amable, sorprendente y, en
ocasiones, difícil. (FILMAFFINITY)
Crítica:
La joven vida de Juno, la primera colaboración del director
Jason Reitman con la libretista Diablo Cody (que consiguió un Oscar) era un
drama sobre el embarazo adolescente disfrazado de comedia. El mismo planteo
estaba en Young Adult, la primera colaboración entre Reitman, Cody y Charlize
Theron, sobre la crisis de mediana edad de una mujer.
Así, Tully, que los vuelve a unir a los tres (y que cierra
implícitamente una trilogía sobre la maternidad) , es otra presunta comedia
sobre un tema dramático: la depresión post parto. Marlo (Theron, quien aumentó
25 kilos para el papel) acaba de tener su tercer hijo que no vino con un pan
bajo el brazo pero sí con un montón de problemas: se siente extraña en su
cuerpo, insegura, agobiada por las responsabilidades, con un marido (Ben
Livingston) dedicado a trabajar, jugar Play Station (¡en la cama!) y ayudar
poco en la casa, un hijo del medio con problemas en el colegio y otras
instancias que muchas mujeres no necesitan que nadie se las explique.
Cuando no da más, Marlo cede a su resistencia inicial a
llamar a una niñera nocturna, Tully (Mckenzie Davis), una veinteañera de
actitud positiva y energía inalterable. Las dos empiezan a compartir cierta
complicidad y el asunto empieza a funcionar: la madre duerme, despierta algunos
instintos muy dormidos de su marido y todo parece mejorar. “Por primera vez veo
en colores”, dice Marlo. Si todas la madres tuvieran una Tully.
Cody escribió el guión después de que naciera su tercer
hijo, así que hay conocimiento de causa. Aunque cae en algunos facilismos y el
final rompe el contrato con el espectador, hay buenos diálogos y situaciones
bien resueltas. Reitman encuadra apretando a los personajes para dar una idea
de esa opresión y hay un montaje que deja muy claro el agobio de sus rutinas.
Sinopsis Dos Orientales es un documental musical sobre el
dúo de jazz fusión que integran Hugo Fattoruso y Tomohiro Yahiro. La película
invita a sumergirse en el mundo creativo de estos dos experimentados músicos
que provienen de países muy distantes: Uruguay y Japón. Hermanados por su
pasión y por su carisma, comparten rutas y partituras alrededor del mundo desde
1997 hasta hoy. (FILMAFFINITY)
Crítica:
Exhibido ya el año pasado en diversos festivales como ser el
Latin Beat Film, el Atlantidoc y el Detour, el documental Dos Orientales (2017)
se estrena oficialmente por primera vez en el país, en la Sala B y Dodecá en
Montevideo, y en salas de Rocha, Salto, Canelones, Colonia, Florida, Río Negro,
Paysandú y Salto.
Las directoras, Sofía Casanova y Sofía Cordoba, nos traen un
documental sobre músicas y países que corren paralelos de a momentos, y que se
entrecruzan de a otros. ¿Qué hay de japonés en Uruguay y viceversa? ¿Qué
vínculos se pueden establecer entre las costumbres niponas y las nuestras? ¿Y
qué sucede cuando músicos de dos países tan distantes geográficamente se
encuentran? Una película acerca del vínculo musical que Tomohiro y Fattoruso
fueron construyendo con los años, realizando diversos shows en ambos extremos
del mundo. Presentada como “un viaje musical entre dos culturas”, la película
explora las conexiones y desconexiones entre Japón y Uruguay, el diálogo entre
sus músicas y costumbres, acompañando y escarbando la experiencia que estos dos
músicos, tan paradigmáticos, tienen al crear músicajuntos.
Yahiro Tomohiro nació en Tokio en el año 1961. Hugo
Fattoruso nació en Montevideo el 29 de julio de 1943. Tomohiro es
percusionista, y Fattoruso es un multiinstrumentalista conocido por la fusión
de géneros folclóricos con el jazz, su habilidad pianística y vocal. Se
encontraron en algún momento de 1997, y el documental se encarga de mirar
retrospectivamente y en el presente, explorando así qué sucede cuando dos
culturas, aparentemente tan disímiles, se encuentran en lo musical y vivencial.
Al terminar 2018, pensamos que es oportuno contarles algunas
cosas que nos dejó éste año que se va.
Luego de hacer arreglos en la sala principal (cielo raso,
iluminación, pantalla, etc.), tuvimos la necesidad de cambiar el proyector
digital por uno con mayor resolución de imagen (los resultados fueron
excelentes).
También compramos un nuevo equipo de audio, que redundó en
un mejor sonido.
Se pidió la colaboración del Arquitecto ROBAINA de la
Intendencia Departamental de Rocha, para
realizar un proyecto edilicio en el patio. Éste hizo un acertado proyecto de
una sala multiusos. Pero al analizar la cantidad de éste tipo de salas en
nuestra ciudad, consideramos que no era adecuado seguir aumentando la oferta
para una demanda muy pequeña.
Por eso es que construimos un parrillero conectado a la sala
de reuniones, que servirá para reunirse entre amigos y recibir invitados (sala
que está a disposición de los socios).
Con respecto a la programación, sólo algunas de las
películas de este año, a modo de repaso:
LOVING VINCENT, ELLE, DUNKERKE, SANGRE DE CAMPEONES, PARÍS
PUEDE ESPERAR, EL HILO FANTASMA, LA FORMA DEL AGUA, EL BAR, BUSCANDO A FELLINI,
LAS HEREDERAS, VIENTO SALVAJE, LA LIBRERÍA, EL ÚLTIMO TRAJE, MAUDIE
Productora Coproducción
Canadá-Irlanda; Landscape Entertainment / Parallel Film Productions / Rink Rat
Productions / Solo Productions
Género Drama |
Pintura. Discapacidad. Biográfico. Basado en hechos reales
Calificación: + 9
años
Sinopsis Maud
Dowley (Sally Hawkins) es una mujer alegre de Nueva Escocia que sueña con
independizarse de su protectora familia. Everett Lewis (Ethan Hawke) es un
huraño pescador local que busca asistenta. Tras ver su anuncio, Maudie no tarda
en mudarse a casa de Everett para encargarse de las tareas del hogar. Pero lo
que comienza siendo una difícil convivencia entre dos polos opuestos poco a
poco irá transformándose en una historia de amor... Basada en hechos reales, la
película cuenta la historia de la pintora canadiense Maud Lewis, de su relación
con el que se convirtió en su inseparable compañero de vida, Everett Lewis, y
de cómo sus sencillas pinturas llegaron a ser vistas y reconocidas por todos
los rincones del país convirtiéndola en una de las artistas folk más
representativas de Canadá. (FILMAFFINITY)
Premios 2017
Canadian Screen Awards: Mejor película
Critica
Basada en hechos
reales, esta humilde producción de la guionista canadiense Sherry White y la
directora irlandesa Aisling Walsh, recrea el romance inusual vivido en Nueva
Escocia durante décadas por Everett Lewis (en pantalla, Ethan Hawke), vendedor
de pescado sin apenas educación, y Maud Lewis ( Sally Hawkins), pintora amateur
que disfrutó de cierta notoriedad y que sufrió desde la juventud artritis
reumatoide. White y Walsh sacan a flote, sin concesiones al buen rollo ni la
corrección política, una historia mínima sobre personas que, pese a tenerlo
todo en contra –lugar y época de nacimiento, infinitos prejuicios ajenos,
problemas físicos o psicológicos– no renuncian, ni a amar, ni a comprender al
otro; aunque sus escasas herramientas afectivas, hagan que lo que obtienen sea
una felicidad difícil de reconocer como tal. Apoyándose en las interpretaciones
de dos actores con estilos diferentes, y en una realización sutil que juega con
elipsis precisas y la observación de los personajes a través de marcos de
puertas y ventanas, Maudie: El color de la vida acaba por trascender su
modestia para transmitir un mensaje emotivo sobre la necesidad de la expresión
personal para otorgar nobleza al mundo.
Productora Rebolucion
/ MyS Producción / Telefé / Bowfinger International Pictures
Género Thriller
Calificación:+ 15 años
Sinopsis Antonio
Decoud es un hombre de familia conservador que se ve obligado por el destino a
enfrentar una situación inesperada que lo sacude hasta el núcleo, revolviendo
su vida y sus prioridades, empujándolo a olvidar sus creencias y su forma de
entender la vida y seguir el instinto más básico: el instinto animal.
(FILMAFFINITY)
Premios 2018:
Festival de Sitges: Sección oficial a competición
Critica:
Caso curioso el
de Animal: es una buena película difícil de recomendar. Porque no se la
disfruta ni un poco: se la sufre. “Es jodido que una película no te provoque
nada”, dice Armando Bo, y es consecuente con sus palabras. En seis años pasó de
emocionar con la dulzura melancólica de El último Elvis a retorcernos las
tripas con este thriller desesperante, que bien podría haber sido uno de los
Relatos salvajes de Damián Szifron.
Como desde El
secreto de sus ojos a esta parte, Guillermo Francella vuelve a despegarse de
sus mohínes de cómico y se calza con solvencia la máscara dramática para
meterse en la piel de Antonio, un hombre de cincuentilargos con una apacible
vida pequeñoburguesa. Trabajo jerárquico bien remunerado, chalet, camioneta,
dos hijos adolescentes que lo quieren, un bebé adorable, y Susana, una esposa
cariñosa y comprensiva (una sólida Carla Peterson). Pero este aceitado
engranaje se traba cuando Antonio sufre un problema de salud que requiere de un
trasplante.
Un experimento
ficcional rendidor: exponer a un hombre común a una situación límite,
provocarle un apocalipsis personal y mostrar cómo reacciona. La pregunta de
base es hasta dónde es capaz de llegar y cuánto puede sacrificar un ser humano
con tal de sobrevivir. Aquí el dilema se extiende a su entorno: ¿qué están
dispuestos a resignar sus parientes de sus propias, cómodas existencias con tal
de que su amado padre o marido salga adelante?
Este juego
existencial de egoísmos se complica porque no se circunscribe únicamente al
circuito familiar, sino que incluye a una pareja que aparece como una solución
posible al intríngulis. Pero Elías y Lucy (Federico Salles y Mercedes De
Santis, dos revelaciones) son el reflejo invertido de Antonia y Susana:
jóvenes, marginales, viven fuera de cualquier convención social. Parecen un
eslabón perdido del clan Manson.
Pero lo que los
hace inquietantes, tanto para Antonio como para los espectadores, es su
imprevisibilidad. ¿Son dos psicópatas hanekianos al estilo de Funny Games o
apenas un par de vagos patéticos? Otro experimento ficcional interesante, en la
línea de Cabo de Miedo: confrontar a un burgués asustado con un lumpen fuera de
control, a ver cuál de los dos resulta más peligroso.
Al ritmo de estos
dos personajes ambiguos, la película entra en una vorágine de angustia, apenas
matizada por toques de humor negro. Una Mar del Plata invernal y desolada es el
marco perfecto para el proceso de descomposición humana que va sucediendo ante
nuestros ojos. Un proceso tan repugnante que, aun sin escenas explícitas de
violencia, hace que salgamos del cine con un regusto nauseabundo en la boca.
Productora Coproducción
Francia-Bélgica; Wy Productions / Belga Productions / Belga Films Fund
Género Thriller.
Drama | Thriller psicológico
Calificación: + 9
años
Sinopsis Delphine
(Emmanuelle Seigner) es una sensible y atormentada novelista de éxito,
paralizada ante la idea de tener que comenzar a escribir una nueva novela. Su
camino se cruza entonces con el de Elle (Eva Green), una joven encantadora,
inteligente e intuitiva. Elle comprende a Delphine mejor que nadie, y pronto se
convierte en su confidente. Delphine confía en Elle y le abre las puertas de su
vida. Pero ¿quién es Elle en realidad? ¿Qué pretende? ¿Ha venido para darle un
nuevo impulso a la vida de Delphine o para arrebatársela? (FILMAFFINITY)
Premios 2017:
Festival
de Cannes: sección oficial (fuera de concurso)
Critica:
La obsesión y la
apropiación de la voluntad como génesis de conflictos humanos profundos no
exentos de alienación, es el disparador temático de Basada en hechos reales, el
ultimo film del genial realizador franco-polaco Román Polanski, que fue
presentado fuera de concurso en el Festival de Cannes.
Este largometraje
indaga en el complejo y turbulento universo interior de una escritora de best
sellers, que padece un grave bloqueo y necesita perentoriamente recuperar su
capacidad de crear.
Con bastante más
de medio siglo de carrera cinematográfica a cuestas, Roman Polanski es, sin
dudas, un artista mayor, que inició su exitoso periplo en el cine en la década
del sesenta, con El cuchillo bajo el agua (1962), Repulsión (1965) y Cul-de-Sac
(1966), títulos referentes que ya revelaban su predilección por la construcción
de atmósferas opresivas y micro-mundos humanos clausurados.
Su obra, que
incluye comedias negras de trazo satírico como La danza de los vampiros (1967),
¿Qué? (1973) y Un dios salvaje (2011), conoció un gran suceso de taquilla con
la emblemática El bebé de Rosemary (1968) y con el excitante thriller Búsqueda
frenética (1988), entre otros títulos.
Sin embargo, su
cima artística la alcanzó con filmes de la talla de Barrio chino (1974), El
inquilino (1976), Tess (1979) y la laureada El pianista (2001), sin olvidar su
personalísima y poco recordada pero excelente adaptación al cine de Macbeth
(1971), el célebre clásico de William Shakespeare.
En medio de un
controvertido caso judicial que lo enfrenta desde hace décadas a una severa
acusación por abuso sexual a una menor, a los 84 años de edad el famoso
realizador sigue derramando su sabiduría artística.
Luego de La piel
de Venus (2013), en la cual Polanski plantea un cuadro de compulsiones cuasi
patológicas contaminadas por el masoquismo y la sumisión, Basada en casos
reales es una suerte de thriller marcado por la obsesión, una de las temáticas
predilectas del autor.
Esta historia es
la adaptación de la novela homónima de la escritora Delphine de Vigan, que
indaga en la tormentosa psicología de una exitosa escritora.
En ese contexto,
la protagonista de esta película es Delphine Dayrieux (Emmanuelle Seigner, la
esposa del propio Polanski), una autora de best sellers que se encuentra
virtualmente agobiada por la fama y la perentoria necesidad de seguir creando.
Sin embargo, el
propio agotamiento provocado por el asedio de sus consecuentes lectores sumado
a la falta de motivación, genera en ella un dramático bloqueo.
Víctima del éxito
de mercado, Delphine afronta un angustiante dilema: seguir escribiendo para
satisfacer la oferta aunque esa producción no sea de calidad o encarar un
proyecto no tan rentable pero que la colme desde el punto de vista artístico.
Esa situación de
virtual extenuación se advierte desde el comienzo de la historia, cuando la
escritora participa en una maratónica sesión de firma de libros.
Esa experiencia,
que por lo reiterada la agota y la aburre, la sitúa al borde de un colapso
emocional. Sin embargo, ese es el peaje que debe pagar por el resonante suceso
editorial de su obra.
En esa
circunstancia y por imperio de la causalidad y no de la casualidad, la
protagonista conoce a la intrigante Elle (Eva Green), una escritora fantasma
que comparte también la pasión por la literatura y se declara ferviente
admiradora de la autora.
Usufructuando la
extrema vulnerabilidad de Delphine –una mujer casi abandonada por su pareja e
ignorada por sus hijos- la extraña y seductora fan se apropia virtualmente de
su vida y de sus espacios, al punto de mudarse con ella.
En ese marco, la
relación entre ambas se transforma en enfermiza y en un vínculo invasivo y
prostituido por la obsesión, a tal punto que Elle cocina, acondiciona la casa,
se encarga de responder sus cartas y sus correos electrónicos y hasta
insólitamente se atreve a suplantarla en una entrevista.
Esa suerte de
apropiación y hasta de ejercicio de dominación deviene inexorablemente en
drama, cuando la deprimida novelista advierte que está perdiendo su libertad y
que es víctima de una persona que -por su propia historia y sus recurrentes
fantasías- es realmente una desquiciada.
Mediante un ritmo
moroso pero no menos intrigante que es característico de su cine, Román
Polanski construye un paisaje humano de atmósferas tensas e inquietantes.
En esas
circunstancias, lo que inicialmente era un drama muta en thriller, con dos
mujeres que se alienan mutuamente en una relación que tiene mucho de
patológica.
Román Polanski,
que compartió el guión con el también cineasta Olivier Assayas, transforma a
este relato, aunque no siempre lo logra, en un auténtico duelo de voluntades.
Para ello, apela
en mesuradas dosis a la violencia –más a la psicológica que a la física- con el
propósito de describir un universo humano donde prevalecen las conductas
perturbadas y a la vez perturbadoras. No en vano la escritora padece acoso,
insultos y mensajes amenazantes.
Si bien esta
película tiene la impronta artística de Polanski, el producto está muy lejos de
colmar las expectativas que genera- con absoluta razón- cada nuevo título del
emblemático creador.
Pese a las
excelentes actuaciones protagónicas de Emmanuelle Seigner y de Eva Green, el
desmerecido guión -extrañamente elaborado por dos cineastas consagrados- no
logra conmover ni dotar al relato del ritmo ni del impacto requerido.
Hugo Acevedo
(Publicada en Revista Onda Digital, 16/04/2018)
Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios
gratis
Título original El
último traje
Año 2017
Duración 86 min.
País Argentina
Dirección Pablo
Solarz
Guion Pablo
Solarz
Música Federico
Jusid
Fotografía Juan
Carlos Gómez
Reparto Miguel
Ángel Solá,Ángela Molina,Martín Piroyansky,Natalia Verbeke, Julia Beerhold,Olga Boladz,Jan Mayzel,Maarten Dannenberg
Productora Coproducción
Argentina-España; Zampa Audiovisual / Tornasol Films / Hernández y Fernández PC
/ Rescate Producciones AIE / Haddock Films / Patagonik Films Group
Género Drama |
Holocausto. Vejez
Clasificación:
+15
Sinopsis Narra el
viaje de Abraham (Miguel Ángel Solá), un sastre judío de 88 años que decide
embarcarse en la aventura de encontrar a un viejo amigo que le salvó hace más
de siete décadas de una muerte segura durante el holocausto, hacia el final de
la ocupación Nazi. (FILMAFFINITY)
Crítica:
“Te debo la
vida”. ¿Cuánto vale esa deuda? ¿Hasta dónde se puede llegar para igualar ese
saldo contable vital? Se atreve a lanzar su apuesta en su segundo largometraje
Pablo Solarz (Juntos para siempre), guionista bipolar que por un lado bordó las
Historias mínimas de Carlos Sorín y, por otro, escribió algunas de las comedias
más rentables y cómodas del cine argentino (Un novio para mi mujer, Me casé con
un boludo). Aunque Solarz tiene que alejarse del humor para encuadrar esta
historia de sustrato real, usa parte del humanismo de aquellos geniales
encuentros patagónicos para narrar la odisea mínima de un judío polaco
instalado desde 1945en Buenos Aires, empeñado en devolver un traje a la persona
que le salvó la vida en Varsovia tras el Holocausto. La misma humanidad
desborda los relatos de ambos filmes. Aseada y solventemente protagonizada por
un Miguel Ángel Solá caracterizado en exceso, el tono teatral de su trabajo
aporta una solemnidad que funciona en contraste con los diferentes perso najes
que encuentra en su periplo (taxis, aviones, trenes; Argentina, Madrid, París,
Polonia). La tontuna del músico en el avión, la naturalidad de Ángela Molina en
la noche madrileña (el Toni2, ese templo) y la mano izquierda de la alemana que
sabe yiddish (aquí, sinónimo de “latín”) le ayudan a saldar cuentas consigo
mismo. Con la deuda de su amigo sastre no hacían falta más idiomas, bastaba un
abrazo.
