martes, 25 de junio de 2019

25y28jun19: Nuestra hermana menor



Martes a las 20.00 horas, viernes a las 18.00 y 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis.

Título original Umimachi Diary (Kamakura Diary) aka
Año 2015
Duración 128 min.
País Japón
Dirección Hirokazu Koreeda
Guion Hirokazu Koreeda (Manga: Akimi Yoshida)
Música Yoko Kanno
Fotografía Mikiya Takimoto
Reparto Haruka Ayase,  Masami Nagasawa,  Kaho,  Suzu Hirose,  Ryo Kase,  Ryôhei Suzuki, Kentarô Sakaguchi,  Ohshirô Maeda,  Midoriko Kimura,  Yûko Nakamura, Takafumi Ikeda,  Lily Franky,  Jun Fubuki,  Kazuaki Shimizu,  Kaoru Hirata, Shin'ichi Tsutsumi,  Masumi Nomura,  Shinobu Ôtake,  Kirin Kiki,  Ichirô Ogura
Género Drama | Familia. Manga. Live-Action
Clasificación: ATP
Sinopsis
Sachi, Yoshino y Chika son tres hermanas que viven en Kamakura (Japón), en la casa de su abuela. Un día reciben la noticia de la muerte de su padre, que las abandonó cuando eran pequeñas. En el funeral conocen a la hija que su padre tuvo trece años antes y pronto las cuatro hermanas deciden vivir juntas. (FILMAFFINITY)
Premios
2015: Festival de Cannes: Sección oficial largometrajes a concurso
2015: Festival de San Sebastián: Premio del Público
Crítica:
La referencia más clara acá es el cine de Yazujiro Ozu, el maestro japonés de la austeridad cinematográfica y las historias cotidianas. Pero eso parece inevitable del estilo de Hirokazu Koreeda, el cineasta nipón de mayor relevancia internacional en la actualidad.
Para certificar su estatura, por ejemplo, basta decir que su última película, Somos una familia, está nominada en la categoría mejor película extranjera en los próximos Oscar, además de haber ganado la Palma de Oro en Cannes. En Uruguay se exhibieron La vida después de la muerte, Nadie sabe, Distancia, Un día de familia, De tal padre, de tal hijo y Después de la tormenta. Somos una familia inaugura el sábado 17 el Festival de Cine de Punta del Este.
Nuestra hermana menor es de 2015 y ahora se estrena en Uruguay. Tiene mucho de Ozu y hay un par de referencias directas en ese entorno rural y en esa vida retratada con la mirada compasiva de aquel maestro japonés. La película está armada en planos medios y generales y encuadres modestos y llenos de vida: hay que ver el paseo en bicicleta bajo un tunel de cerezos para entender cómo el cine es capaz de llenar la pantalla de tanta emoción con tan poco.
La historia es sencillísima. A la vida de tres hermanas adultas, llega una hija de su padre recientemente fallecido, una encantadora adolescente de 14 años, Suzu. Su llegada, más allá de lo que alerta una vieja matriarca de que “es la hija de la mujer que destruyó tu familia”, no trae demasiadas complicaciones aunque afectará de modo sutil la vida de sus hermanas. Está basado en un manga, o sea una historieta japonesa.
Es una película sobre cómo se construyen lazos familiares y tradiciones a partir de, por ejemplo, la comida; sobre lo femenino y sobre esa maravilla que es la naturaleza. La historia transcurre en un mundo que parece de fábula, donde nadie, ni nada es tan tremendo. Lo que las une es el pasado, algunos asuntos mal resueltos y una serie de rituales caseros que incluyen un licor de ciruelas de efecto contundente.
Nuestra hermana menor es un remanso. Una película tranquila, sobre pequeñas cosas y sobre cómo se construye una hermandad, una amistad y algunos asuntos de esos que hacen que la vida sea un poco mejor. Por ejemplo, el cine.
Fernán Cisnero en El Pais

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martes, 18 de junio de 2019

18 y 21jun19: La Ciambra


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Martes a las 20.00 horas, viernes a las 18.00 y 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis.
Título original A Ciambra
Año 2017
Duración 113 min.
País Italia
Dirección Jonas Carpignano
Guion Jonas Carpignano
Música Dan Romer
Fotografía Tim Curtin
Reparto Pio Amato,  Koudous Seihon,  Damiano Amato,  Iolanda Amato,  Patrizia Amato, Susanna Amato,  Francesco Pio Amato,  Rocco Amato
Género Drama | Adolescencia. Inmigración. Drama social
Clasificación: + 15 años
Sinopsis
En la comunidad gitana de A Ciambra, universo sin ley, la familia es lo primero. Así lo ve Pio, de 14 años, cuyo modelo de conducta es su hermano Cosimo. Cuando éste va a la cárcel, Pio ve la oportunidad de demostrar su hombría proveyendo a la familia de peligrosas maneras. Pero ser adulto tiene un precio muy superior al que imagina. (FILMAFFINITY)

Premios
Seleccionada por Italia para los Oscar 2018.
2017: Festival de Sevilla: Mejor actor (Pio Amato)
2017: Premios Independent Spirit: Nominada a Mejor director
2017: Premios David di Donatello: Mejor director y montaje. 7 nominaciones

Crítica:
A Jonas Carpignano le robaron un auto cargado con equipamiento cinematográfico cuando estaba filmando un cortometraje. Como todo el mundo sabe en Gioia Tauro (Calabria), cuando algo así ocurre hay que negociar con los gitanos: el joven cineasta italoamericano lo hizo, recuperó su auto y descubrió un mundo. a partir de entonces, durante cinco años estuvo visitando la Ciambra, el barrio gitano, y maduró su segundo largo, con los integrantes de la familia Amato, que nunca antes habían actuado, como protagonistas.
Todo está contado a través de los ojos de Pio, el adolescente de 14 años que quiere demostrarle a su hermano mayor, Cosimo, que ya es un hombre en condiciones de seguirle el ritmo en sus andanzas delictivas. Es una historia ficcional narrada con pulso documental: Carpignano logró que los Amato reinterpretaran situaciones que, en su mayor parte, les habían ocurrido realmente. De ahí la naturalidad y la verosimilitud de La Ciambra, reforzadas por el carisma de ese adulto prematuro que es Pio.
La película -que contó con Martin Scorsese como productor ejecutivo y fue enviada por Italia a los Oscar- muestra, con crudeza, la cotidianidad marginal de la comunidad gitana. Que no es nómada sino que habita monoblocks, rodeada de basurales, sumergida en el analfabetismo, viviendo de robos y estafas, a merced de las constantes redadas policiales, con la cárcel como escala habitual.
A la vez, retrata el drama de los refugiados en el sur de Italia: si los gitanos están fuera del sistema y son despreciados por los “italianos” (los llaman así, aunque ellos también lo son), a su vez desprecian a los africanos, que están un escalón por debajo de ellos. La jerarquía de la pobreza.
En esta aventura de maduración, Pio es el puente entre las realidades paralelas de ambas comunidades. Y llegará a una encrucijada en la que deberá elegir entre un mundo más amplio o seguir la enseñanza de su abuelo: “Somos nosotros contra todos los demás”.
Gaspar Zimerman en Clarin

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lunes, 10 de junio de 2019

11 y 14jun19: Los tiburones


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Martes a las 20.00 horas, viernes a las 18.00 y 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis.
Título original Los tiburones 
Año 2019
Duración 83 min.
País Uruguay
Dirección Lucía Garibaldi
Guion Lucía Garibaldi
Música Fabrizio Rossi, Miguel Recalde
Fotografía Germán Nocella
Reparto Antonella Aquistapache,  Fabián Arenillas,  Romina Bentancur,  Valeria Lois, Federico Morosini
Género Drama | Tiburones
Clasificación: + 13 años
Sinopsis Rosina (Antonella Aquistapache) cuenta los días que le quedan de vacaciones en un tranquilo pueblo vacacional hasta que encuentra un escuálido de enormes proporciones en uno de sus baños diarios. Aunque muchos ponen en duda que el encuentro realmente haya tenido lugar, la posible presencia de tiburones pone en alerta a la comunidad local. A Rosina nada de esto parece afectarle, por lo que decide seguir centrándose en su trabajo hasta que un día comienza a sentir una fuerte atracción hacia Joselo, su compañero de trabajo. (FILMAFFINITY)
Premios 2019
Festival de Sundance: Mejor director - Drama (World Cinema)
BAFICI - Festival de Buenos Aires: Premio Especial del Jurado
Crítica:
Los tiburones se estrena precedida por un aura de prestigio capaz de generar expectativas desmedidas. Porque la opera prima de la uruguaya Lucía Garibaldi no es ni más ni menos que una sencilla historia de iniciación.
La protagonista es Rosina (la debutante Romina Bentancur), una quinceañera que vive con sus padres, su hermanito y su también adolescente hermana en un pueblo de la costa atlántica uruguaya. Falta poco para el comienzo de la temporada estival y la supuesta presencia de tiburones en las aguas del balneario tiene en vilo a la comunidad local, que teme que los escualos espanten a los turistas y arruinen su principal fuente de ingresos. Uno de los varios elementos de esta historia que se prestan a una lectura alegórica.
Esa inquietud externa coincide con la agitación interior de Rosina: pese a que su lenguaje corporal no expresa demasiado, su accionar indica que está dispuesta a hacer cualquier cosa por cumplir sus pulsiones, ya sean amorosas, vindicativas o meramente caprichosas. En pleno despertar sexual, el aguijón del deseo la lleva por caminos sinuosos hacia el objetivo: Joselo, un empleado de su padre que le lleva algunos años.
Algún que otro diálogo tarantinesco (como uno acerca de la conveniencia de recurrir al alcohol para afrontar un tatuaje) y una descarnada escena de sexo, opuesta a las artificiales convenciones hollywoodenses, son los mojones que marcan el tono liviano pero cargado de empatía de Los tiburones.
Si hay algo que logra la película es retratar la confusión y la sensación de soledad que suele reinar en la adolescencia. Ante la indiferencia de sus padres, demasiado ocupados en llegar a fin de mes, y la arquetípica rivalidad con su hermana mayor, Rosina trata de encontrar su lugar en un mundo que no parece prestarle la atención que necesita.
Gaspar Zimerman en Clarin

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lunes, 3 de junio de 2019

04y07jun19: Nace una estrella


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Martes a las 20.00 horas, viernes a las 18.00 y 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis.

Título original A Star Is Born
Año 2018
Duración 135 min.
País Estados Unidos
Dirección Bradley Cooper
Guion Will Fetters, Bradley Cooper, Eric Roth (Historia: William A. Wellman, Robert Carson)
Música Canciones: Lady Gaga, Bradley Cooper, Luke Nelson
Fotografía Matthew Libatique
Reparto Bradley Cooper,  Lady Gaga,  Sam Elliott,  Rafi Gavron,  Andrew Dice Clay, Anthony Ramos,  Bonnie Somerville,  Dave Chappelle,  Michael Harney,  William Belli, Rebecca Field,  D.J. Pierce,  Steven Ciceron,  Andrew Michaels,  Jacob Taylor, Geronimo Vela,  Frank Anello,  Ron Rifkin,  Alec Baldwin,  Connor Ryan
Género Drama. Romance | Música. Alcoholismo. Remake
Clasificación: + 12 años
Sinopsis Jackson Maine (Bradley Cooper) es una estrella consagrada de la música que una noche conoce y se enamora de Ally (Lady Gaga), una joven artista que lucha por salir adelante en el mundo del espectáculo. Justo cuando Ally está a punto de abandonar su sueño de convertirse en cantante, Jack decide ayudarla en su carrera hacia la fama. Pero el camino será más duro de lo que imagina. (FILMAFFINITY)
Premios
2018: Premios Oscar: Mejor canción ("Shallow"). 8 nominaciones
2018: Globos de Oro: Nominada a mejor película, director, actor, actriz y canción
2018: Premios BAFTA: Mejor banda sonora. 7 nominaciones
2018: National Board of Review (NBR): Top 10, director, actriz (Gaga), actor secund.
2018: American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año
2018: Critics Choice Awards: Mejor actriz (Gaga) - ex aequo y canción. 9 nomin
2018: Festival de Venecia: Sección oficial (fuera de concurso)
2018: Asociación de Críticos de Chicago: 7 nominaciones incluyendo Mejor película
2018: Satellite Awards: 11 nom. incl. mejor película comedia/musical, director y actriz
2018: Sindicato de Productores (PGA): Nominada a mejor película
2018: Sindicato de Directores (DGA): Nomin. mejor director/película y nuevo director
2018: Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guión adaptado
2018: Sindicato de Actores (SAG): 4 nominaciones incluyendo mejor reparto y actriz
Crítica:
Nace una estrella (A Star is Born, de Bradley Cooper, Estados Unidos) es la tercera remake estadounidense del clásico de William Wellman (1937). Cada una actualiza y aprovecha elementos de la anterior, y esta se parece sobre todo a la película de 1976 (con Barbra Streisand), que a su vez tomaba de la de 1954 (con Judy Garland) la conversión en musical (la estrella de la película original era actriz de cine). La historia es una belleza, y además, qué cosa linda e intensa son los dramas de amor, máxime cuando están potenciados por la fuerza de la música. Los personajes de Jack y Ally no pueden ser más queribles, y es fantástico cómo están actuados por Cooper y Lady Gaga. Ni siquiera hacía falta (tampoco hace daño) reforzar ese carácter querible con mostrar lo bien que cumplen en su cotidiano con cada uno de los rubros más candentes de la nueva agenda de derechos. Sólo es una pena que, llegado el momento de cantar, Lady Gaga cante como Lady Gaga. Pero quizá haya sido intencional, porque en la trama hay un asunto importante que queda a medio cocinar: Jack es un músico country que actúa en el cruce con el rock (un rock retro, sesentista) y dedica buena parte de su pigmaliónica promoción de Ally insistiendo en que ella sea auténtica. Pero ella termina en manos de un productor/agente que la trata como una estrella pop, con todos los elementos de promoción calculados, y que incluso parece sentirse medio dueño de ella. Jack parecía querer estimular el surgimiento de una nueva Carole King, pero en su lugar emergió Lady Gaga, y no parece haber mucha salida y a nadie le parece mal. Él va a responder entonces de las maneras (no muy productivas) que parecen corresponder a un rockero. Pero esa línea, sutilmente trabajada, es un espesor agregado a un drama conmovedor, llevado despacio, dejando fluir el tiempo, como debe ser, si queremos meternos con los personajes y luego llorar con ellos.
Guilherme de Alencar Pinto: Diario La Diaria

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Programación de Junio '19



martes, 28 de mayo de 2019

28 y 31may19: Dios los cría y ellos...

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Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis.

Título original Coexister
Año 2017
Duración 90 min.
País Francia
Dirección Fabrice Eboué
Guion Fabrice Eboué
Fotografía Philippe Guilbert
Reparto Mathilde Seigner,  Ramzy Bedia,  Guillaume de Tonquédec,  Audrey Lamy, Jonathan Cohen,  Fabrice Eboué,  Mylene Bude,  Cédrick Spinassou, Grégoire Foessel,  Betty Pelissou
Productora EuropaCorp
Género Comedia
Clasificación: + 12 años
Sinopsis Bajo la presión de su jefa, un productor musical a la deriva decide iniciar una banda formada por un rabino, un sacerdote y un imán para hacerlos cantar juntos. (FILMAFFINITY)

Crítica: 
La película parte de una premisa entre simpática y entradora. Un productor musical caído en desgracia tiene poco tiempo para “fabricar” un éxito, porque de lo contrario su tirana jefa lo despedirá. Y se le ocurre una idea: formar un trío de religiosos.
Esto es, juntar a un cura, un rabino y un imán, editarles un disco y salir a llenar teatros.
Lo que sigue es tan previsible como todo el desarrollo y el desenlace: los tres se llevarán como el traste, surgirán peleas, (re)interpretaciones de sagradas escrituras, clisés y demás.
Lo importante al menos no es que la película sea original, sino que, tratándose de una comedia, provoque risas. Entretenga. Divierta. Que uno no salga del cine diciendo en qué gasté la plata.
Fabrice Eboué no sólo dirige y es el guionista del filme, sino que se quedó con uno de los roles protagónicos, Nicolas.
Dios los cría no enerva en ningún momento -hasta las situaciones más ríspidas en cuanto a cada religión está tomada con sorna, pero igual, puede herir a seguidores religiosos sensibles-. ¿Es despareja? Sí. ¿Tiene buenos gags? También.
¿Alcanza? Eso va en gusto del consumidor.
Pablo O. Scholz en Clarín

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martes, 21 de mayo de 2019

21 y 24may19: El vicepresidente


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Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis.

Título original Vice 
Año 2018
Duración 132 min.
País Estados Unidos
Dirección Adam McKay
Guion Adam McKay
Música Nicholas Britell
Fotografía Greig Fraser
Reparto Christian Bale,  Amy Adams,  Steve Carell,  Sam Rockwell,  Jesse Plemons, Eddie Marsan,  Alison Pill,  Stefania Owen,  Jillian Armenante,  Brandon Sklenar, Brandon Firla,  Abigail Marlowe,  Liz Burnette,  Matt Nolan,  Brian Poth,  Joey Brooks, Joe Sabatino,  Tyler Perry,  Bill Camp,  Shea Whigham,  Cailee Spaeny, Fay Masterson,  Don McManus,  Adam Bartley,  Lisa Gay Hamilton,  Jeff Bosley, Scott Christopher,  Mark Bramhall,  Stephane Nicoli,  Kirk Bovill,  Naomi Watts, Alfred Molina,  Lily Rabe
Productora Gary Sanchez Productions / Plan B Entertainment / Annapurna Pictures. Distribuida por Annapurna Pictures
Género Drama. Comedia | Biográfico. Años 60. Política
Clasificación: + 12 años
Sinopsis Explora la historia real sobre cómo Dick Cheney (Christian Bale), un callado burócrata de Washington, acabó convirtiéndose en el hombre más poderoso del mundo como vicepresidente de los Estados Unidos durante el mandato de George W. Bush (Sam Rockwell), con consecuencias en su país y el resto del mundo que aún se dejan sentir hoy en día. (FILMAFFINITY)
Premios 2018
Premios Oscar: Mejor maquillaje. 8 nominaciones
Globos de Oro: Mejor actor comedia (Bale). 6 nominaciones
Premios BAFTA: Mejor montaje. 6 nominaciones.
Critics Choice Awards: Mejor actor y actor comedia (Bale) y maquillaje. 9 nom
Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a Mejor actor (Bale) y guion
Sindicato de Productores (PGA): Nominada a Mejor película
Sindicato de Directores (DGA): Nominada a Mejor director
Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guión original
Sindicato de Actores (SAG): Nom. a Mejor actor (Bale) y actriz sec. (Adams)

Crítica:
Aunque se llama El vicepresidente y esté centrada en la figura de Dick Cheney, el segundo al mando durante los gobiernos de George W. Bush, esta nueva película de Adam McKay, funciona también como una historia satírica sobre la evolución de la derecha conservadora en Estados Unidos.
McKay que pasó de dirigir Hermanastros a encargarse de esta clase de asunto, ya había echado una mirada en el mismo tono a la crisis económica de comienzos de siglo en La gran apuesta. Aquí recurre a cierto humor para contar lo que, sin algunos apuntes que distienden la anécdota, sería una clásica bio-pic sobre un personaje difícil de asir.
Cheney (interpretado por un engordado Christian Bale) empezó como un oscuro funcionario de la administración Nixon y junto a su mentor, Donald Rumsfeld (Steve Carell) fue escalando posiciones. Fue jefe de gabinete del presidente Gerald Ford, congresista por Wyoming, secretario de Defensa de George H.W. Bush y vicepresidente para su hijo, entre 2001 y 2009. Tuvo, además, una carrera en el sector petrolero que, la película da a entender, llevó a su país a la guerra en Irak.
Es un personaje oscuro que, aunque parece estar llevado por una ambición de poder casi shakesperiana. Así, su esposa Lynne, interpretada por Amy Adams es una suerte de Lady Macbeth, una referencia que queda explícita en una escena recitada en la prosa del bardo. Hay otros guiños como un relator omnipresente que rompe la cuarta pared, explicaciones gráficas y collages que resumen para explicar algunas cosas.
El vicepresidente es una película que pone todo al servicio de su historia: se trata de mostrar la atemorizante banalidad del poder y de cómo un borrachín expulsado de las mejores universidades, pudo ordenarse y, por un rato, tener al mundo para él.
Fernán Cisnero en El País

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lunes, 13 de mayo de 2019

14 y 17may19: Colette


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Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis.

Título original Colette
Año 2018
Duración 112 min.
País Reino Unido
Dirección Wash Westmoreland
Guion Richard Glatzer, Wash Westmoreland, Rebecca Lenkiewicz
Música Thomas Adès
Fotografía Giles Nuttgens
Reparto Keira Knightley,  Dominic West,  Denise Gough,  Fiona Shaw,  Robert Pugh, Rebecca Root,  Eleanor Tomlinson,  Aiysha Hart
Género Drama | Biográfico. Literatura. Feminismo. Años 20
Clasificación: + 15 años
Sinopsis Cuenta la historia de Sidonie-Gabrielle Colette (Keira Knightley), autora de las polémicas novelas que causaron gran revuelo en el París de los años 20 "Claudine" y "Gigi", desde su infancia en el campo hasta su consagración en la sociedad parisina junto a su marido, el también autor Henry Gautheir-Villas “Willy” (Dominic West), que en un principio actúa como mentor de Colette. (FILMAFFINITY)
Premios 2018
Premios Independent Spirit: Nominada a mejor guion
British Independent Film Awards: 4 nominaciones
Satellite Awards: Nominada a mejor banda sonora y vestuario
Crítica
La historia es real. Una campesina sin dote se casa con un vividor de París que utiliza escritores fantasma para que escriban novelas que él firma. Gabrielle terminará siendo uno de ellos, creando un personaje –Claudine- con el que Willy tendrá varios éxitos. Ya conocida como Colette, la joven no se presentará nunca como una mujer sumisa, sino que aprovechará la situación para “vivir la vida” y, entre otras cosas, descubrirá su bisexualidad. Un personaje a la medida de Keira Knightley, una total experta en mujeres de época, en este caso de fines del siglo XIX y comienzos del XX. Colette es magnética, carismática, contestataria, pero ama a su marido que, a su manera, también la quiere. Una historia de otra época con personajes muy de esta época.
Analia Filosi en Sábado Show

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domingo, 5 de mayo de 2019

07y10may19: El amor menos pensado




Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis.

Título original El amor menos pensado
Año 2018
Duración 136 min.
País Argentina
Dirección Juan Vera
Guion Juan Vera
Música Iván Wyszogrod
Fotografía Rodrigo Pulpeiro
Reparto Ricardo Darín,  Mercedes Morán,  Claudia Fontán,  Andrea Pietra,  Luis Rubio, Jean Pierre Noher,  Claudia Lapacó,  Chico Novarro,  Andrés Gil,  Norman Briski, Juan Minujín,  Gabriel Corrado,  Andrea Politti
Género Romance. Comedia. Drama | Comedia romántica
Clasificación: + 15 años
Sinopsis Marcos (Darín) y Ana (Morán) llevan casados más de 25 años, pero ambos entran en una crisis existencial que los lleva a separarse. Al principio la vida de solteros les parece fascinante y excitante, pero pronto se torna también monótona para ella y pesadillesca para él. (FILMAFFINITY)
Premios  2018
Festival de San Sebastián: Sección oficial (Película inaugural)
Crítica:
En el arranque de esta fábula sobre los alborotos, desarreglos, huidas y reencuentros del corazón, el protagonista lee uno los inicios más hermosos de la literatura, el de esa novela genial titulada Moby Dick. Asegura este hombre que las reflexiones de Ismael sobre la inaplazable y repetida necesidad de embarcarse para curar los males del alma explica a la perfección la historia que le ha ocurrido. Después de habérmela contado creo que se equivoca en su percepción. Sería más acertado identificar su crisis sentimental y la de su esposa con el título de un relato del desolador Raymond Carver. O sea: ¿De qué hablamos cuando hablamos de amor?
La marcha de casa de su único hijo puede ser el pretexto para que una pareja larga y aparentemente feliz empiece a plantearse dudas sobre su plácida situación. Ambos llegan a la conclusión de que el amor y el deseo se fugaron, aunque se quieran y se necesiten. Y seguirán buscando en vano con sucesivas parejas el antiguo éxtasis. O simplemente, intentando que el lado más sombrío de la soledad no se cebe con ellos. Está descrito por el director, Juan Vera, con brillantez oral, situaciones complejas (alguna tan jocosa como la cita en un bar utilizando esas webs al parecer irresistibles, infalibles y muy prácticas para enrollarse con desconocidos) y múltiples y reconocibles sensaciones sentimentales. En algún momento temo que el torrente de elocuencia porteña acabe asfixiándome, pero no ocurre. Hay inteligencia, conocimiento del ser humano, ironía y gracia en ella. Y dispone de dos intérpretes modélicos. Con Ricardo Darín me ocurre lo que con Messi, se me acaban los adjetivos laudatorios ante su arte. Y Mercedes Morán, a la que desconocía, es una actriz notable. Entre los secundarios hay de todo, pero disfruto enormemente con la dama rubia que interpreta a la ortodoncista sofisticada, voraz, cínica y tronada. Salgo del cine con una sonrisa. Y se agradece. Sospecho que a la mayoría de los espectadores les va a ocurrir lo mismo.
Carlos Boyero en El País de Madrid

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Programación de mayo'19



miércoles, 1 de mayo de 2019

30abry 03may19: Dogman


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Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis.

Título original Dogman
Año 2018
Duración 102 min.
País Italia
Dirección Matteo Garrone
Guion Maurizio Braucci, Ugo Chiti, Matteo Garrone, Massimo Gaudioso
Música Michele Braga
Fotografía Nicolai Brüel
Reparto Marcello Fonte,  Edoardo Pesce,  Nunzia Schiano,  Adamo Dionisi, Francesco Acquaroli,  Alida Baldari Calabria,  Aniello Arena,  Gianluca Gobbi
Género Thriller. Drama | Crimen. Drogas. Perros/Lobos
Clasificación: + 16 años
Sinopsis El dueño de una peluquería canina a las afueras de Roma se deja influenciar por un delincuente local hasta que su vida personal se complica y decide tomar las riendas de la situación. (FILMAFFINITY)
Premios
Festival de Cannes: Mejor actor (Marcello Fonte)
9 Premios David di Donatello: incluyendo mejor película. 16 nominaciones
Premios BAFTA: Nominada a Mejor película en habla no inglesa
Premios del Cine Europeo: Mejor actor (Fonte), vestuario y maquillaje
Festival de Valladolid - Seminci: Sección oficial

Crítica:
El personaje principal (espectacular actuación de Marcello Fonte) parece oriundo de esas tragicomedias amargas de tan arraigada tradición en el cine italiano. Es dulce, amoroso, tímido, de aire embobado, sumiso, hábil y dedicado en su trabajo. Admira y obedece al fortachón cocainómano Simone, que lo vapulea constantemente. La humillación tiene un límite, y Marcello urdirá una venganza sangrienta. Los escenarios deslucidos están tomados en forma expresamente antiestética, neoneorrealista, algo habitual en el director, que construye la tensión en forma cuidadosa y plena de contradicciones barrocas.
Guilherme de Alencar Pinto en La Diaria

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lunes, 22 de abril de 2019

23y26abr19: Cold war


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Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis.

Título original Zimna wojna
Año 2018
Duración 88 min.
País Polonia
Dirección Pawel Pawlikowski
Guion Pawel Pawlikowski, Janusz Glowacki
Fotografía Lukasz Zal (B&W)
Reparto Joanna Kulig,  Tomasz Kot,  Agata Kulesza,  Borys Szyc,  Cédric Kahn,  Jeanne Balibar, Adam Woronowicz,  Adam Ferency,  Adam Szyszkowski
Género Romance. Drama. Guerra Fría. Música. Baile
Clasificación: + 12 años
Sinopsis Con la Guerra Fría como telón de fondo, “Cold War” presenta una apasionada historia de amor entre dos personas de diferente origen y temperamento que son totalmente incompatibles, pero cuyo destino les condena a estar juntos. (FILMAFFINITY)
Premios 2018
Premios Oscar: Nominada a mejor director, fotografía y película extranjera
Festival de Cannes: Mejor director
Premios BAFTA: 4 nominaciones, inc. a Mejor película en habla no inglesa
Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película extranjera
Premios del Cine Europeo: Mejor película, director, guion, montaje y actriz (Kulig)
National Board of Review (NBR): Mejor película de habla no inglesa
Critics Choice Awards: Nominada a mejor película de habla no inglesa
Asociación de Críticos de Chicago: 2 nom. incluyendo Mejor película extranjera
British Independent Film Awards: Nom. mejor película internacional
Satellite Awards: Nominada a mejor película habla no inglesa y fotografía
Premios Goya: Mejor película europea
Premios César: Nominada a Mejor película extranjera
Premios David di Donatello: Nominada a Mejor film extranjero
Premios Gaudí: Mejor película europea
Crítica:
Wiktor y Zula se conocen en 1949, cuando él tomaba audiciones para una compañía de danza y canto de Polonia y ella era una de las candidatas. Desde ese momento iniciarán una relación que, durante más de diez años, los tendrá yendo y viniendo, separándose y juntándose. Pero esas idas y vueltas no tendrán que ver solo con los avatares del amor, sino también con una situación política propia de la Guerra Fría que no los dejará ser tan libres en sus traslados entre Polonia y París. El film es en blanco y negro y en una pantalla casi cuadrada que podrá incomodar en los primeros minutos, pero luego pasa a ser un recurso narrativo funcional a una historia redonda, emotiva e intrigante. Belleza estética, buena música y destacadas actuaciones para contar un camino sinuoso dominado por el amor. Analía Filosi en Sábado Show

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lunes, 15 de abril de 2019

16abr19: Todos lo saben

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ÚNICA FUNCIÓN: martes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis.

Título original Todos lo saben
Año 2018
Duración 130 min.
País España
Dirección Asghar Farhadi
Guion Asghar Farhadi
Música Canciones: Javier Limón, Nella Rojas
Fotografía José Luis Alcaine
Reparto Penélope Cruz,  Javier Bardem,  Ricardo Darín,  Eduard Fernández,  Bárbara Lennie, Inma Cuesta,  Elvira Mínguez,  Ramón Barea,  Carla Campra,  Sara Sálamo, Roger Casamajor,  José Ángel Egido,  Sergio Castellanos,  Iván Chavero, Tomás del Estal,  Imma Sancho,  Paco Pastor Gómez,  Jaime Lorente,  Jordi Bosch, Mari Carmen Sánchez,  Vicente Vergara,  Esteban Ciudad,  Nella Rojas
Género Thriller. Drama | Thriller psicológico. Secuestros / Desapariciones. Familia. Vida rural. Bodas
Clasificación  +12 años
Sinopsis Laura viaja con su familia desde Buenos Aires a su pueblo natal, en España, para asistir a la boda de su hermana. Lo que iba a ser una breve visita familiar se verá trastocada por unos acontecimientos imprevistos, que sacudirán las vidas de los implicados. (FILMAFFINITY)
Premios 2018-19
Premios Goya: 8 nominaciones incl. Mejor película, director y actor (Bardem)
Festival de Cannes: Sección oficial largometrajes a concurso
Premios Feroz: 6 nominaciones, incluyendo Mejor película drama
Premios Forqué: Nominada a Mejor actriz (Cruz) y a Mejor actor (Bardem)
Premios Gaudí: Nominada a Mejor actor de reparto (E. Fernández)
Premios Platino: Nominada a mejor actor (Bardem) y actriz (Cruz)
Crítica:
Todos lo saben cumple con el protocolo para calificar, a su manera, como una superproducción. Está, para empezar, dirigida por el iraní Asghar Farahi, que ganó dos Oscar a mejor película extranjera por La separación en 2011 y El viajante en 2016. Aunque se puede pensar que tras ese reconocimiento hay un poco de coyuntura política (Farahi no pudo ir a recoger el premio por El viajante debido al cierre de fronteras que el presidente Trump ordenó para países enemigos), los libros de historia no van a decir eso, sino que lo colocarán, según ese estandar, como uno de los grandes directores contemporáneos. Tamaña estatura es un poco exagerada.
Su nueva película, además, tiene un trío de actores fuertes, de los cuales dos (Penélope Cruz y Javier Bardem) son celebridades globales y uno de los contados matrimonios en tener un Oscar para cada uno. Eso le dio a Todos lo saben una exposición mundial que, por ejemplo, le permitió ser la apertura en el último festival de Cannes.
Y el tercer actor en discordia es Ricardo Darín, la estrella iberoamericana más prestigiosa y que, encima, estuvo en tres películas nominadas al Oscar a la mejor extranjera, y una de ellas, El secreto de sus ojos, ganó el premio gracias —en parte— a su tenaz y tristón Benjamín Espósito.
La interacción entre los tres protagonistas es uno de los puntos de interés de Todos lo saben. Se cruzan en una historia que bordea varios géneros sobre una adolescente que desaparece de una fiesta en un pintoresco pueblo español. En esa fiesta también están su madre (Cruz) y su novio de la juventud, Paco (Bardem). Su padre, Alejandro (Darín), quedó en casa en Buenos Aires, y aunque se perdió la fiesta viaja rápidamente a buscar a su hija.
La película comparte con El pasado, La separación y El viajante, los títulos más internacionales de Farhadi, cierta tendencia a los espacios cerrados y aislados por los que rondan mentiras y verdades a medias que, en definitiva, revelan, por ejemplo, la inseguridad o la insatisfacción de sus protagonistas. Pero a diferencia de sus anteriores películas que parecían más enmarcadas en el exclusivo casillero del drama, Todos lo saben se abre un poco hacia otros senderos.

El título es irónico: acá nadie sabe nada y todo es chismorreo infundado que intenta ver un puzzle completo donde siempre falta una pieza. La última escena, quizás, indique que el círculo vicioso de mentiras y verdades a medias siempre vuelve a empezar. En pueblo chico, se sabe, el infierno siempre es grande.
El aparente secuestro, la decisión de no decirle a la policía y manejarlo en familia, y la testarudez de ver siempre el vaso medio vacío, van a desatar todos los frágiles nudos que unían esos vínculos. Reclamos basados en suspicacias o especulaciones disparatadas hacen avanzar la trama. El guion es del propio Farhadi.
Ese “todos lo saben”, además, llega hasta el espectador. Aunque es claremente un drama familiar, Farhadi juega con las expectativas del propio género. Es un melodrama, sí, pero también un teleteatro con sus aclaraciones, reclamos y grandes revelaciones. pero también es un policial con un detective que es una combinación entre Poirot y Columbo, que conjetura disparatadamente. Es incluso una asordinada comedia de enredos.
Así, Todos lo saben termina, con sus dudas sobre las verdaderas intenciones de sus personajes, dudando sobre algunas certezas de la vida y del cine.
La dirección de Farhadi es discreta: acá no está el despliegue del plano secuencia del sismo de El viajante y se privilegia el encuadre de cámara quieta. El uso de un dron, por ejemplo, con su ángulo cenital, quizás hable de que hay un orden supremo (el personaje de Darín es explícitamente religioso) aunque, incluso desde ahí, no se consiga descifrar el cuadro completo.
El principal gasto lo hacen los actores. Los más exigidos son Cruz y Bardem porque son los que más exteriorizan la crisis: los dos componen en territorios que ya recorrieron (en películas como Volver, ella, y ¡madre!, él), al que trabajan desde la contención de quien esconde cosas. La actuación de Darín es más asordinada, quizás porque, como se dice repetidamente, procesa todo a un nivel más interior. Es bien Darín.
Fernán Cisnero en El País

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lunes, 8 de abril de 2019

09y12abr19: La esposa

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Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis.

Título original  The Wife
Año 2017
Duración 100 min.
País Reino Unido
Dirección Björn Runge
Guion Jane Anderson (Novela: Meg Wolitzer)
Música Jocelyn Pook
Fotografía Ulf Brantas
Reparto Glenn Close,  Jonathan Pryce,  Christian Slater,  Max Irons,  Harry Lloyd, Elizabeth McGovern,  Annie Starke,  Alix Wilton Regan,  Karin Franz Körlof, Morgane Polanski,  Johan Widerberg
Género Drama | Literatura
Clasificación: ATP
Sinopsis Joan Castleman (Glenn Close) es una buena esposa, de belleza madura y natural, la mujer perfecta. Pero lo cierto es que lleva cuarenta años sacrificando sus sueños y ambiciones para mantener viva la llama de su matrimonio con su marido, Joe Castleman (Jonathan Pryce). Pero Joan ha llegado a su límite. En vísperas de la entrega del Premio Nobel de Literatura a Joe, Joan decide desvelar su secreto mejor guardado. (FILMAFFINITY)
Premios 2017-18
Premios Oscar: Nominada a mejor actriz (Glenn Close)
Globos de Oro: Mejor actriz - drama (Glenn Close)
Premios BAFTA: Nominada a Mejor actriz (Glenn Close)
Critics Choice Awards: Mejor actriz (Glenn Close) - ex aequo
Premios Independent Spirit: Mejor actriz (Glenn Close)
Premios Gotham: Nominada a Mejor actriz (Close)
Satellite Awards: Nominada a Mejor actriz drama (Glenn Close)
Sindicato de Actores (SAG): Mejor actriz (Glenn Close)
Festival de San Sebastián: Sección oficial (Fuera de concurso)
Crítica: La ambición, la soberbia, el ocultamiento, la mentira y la mezquindad son los cinco ejes temáticos de La esposa, la triple coproducción del realizador sueco Björn Runge, que indaga, en profundidad, en los siempre imprecisos límites de la tolerancia y la humillación.
Este film, que marca el regreso a la pantalla grande de la actriz seis veces nominada al Oscar Glenn Close, es un drama de formato teatral que reflexiona sobre el amor, el desamor y la relación de pareja, en tanto compromiso que trasciende a lo meramente afectivo.
En buena medida, esta es una historia marcada más por los silencios que por las palabras, que encubre resentimientos largamente reprimidos bajo una fechada de supuesta felicidad.
No en vano se trata de un cuadro dramático signado por la infelicidad, por más que ese sentimiento no aflore siempre a la superficie y que, por el contrario, permanezca soterrado.
Ambientado al igual que la novela en la cual se inspira en 1992, el relato se sumerge en la intimidad del matrimonio integrado por el celebre escritor Joe Castleton (Jonathan Pryce) y su esposa Joan (Glenn Close).
A priori, se trata de una relación consolidada desde hace cuarenta años y, naturalmente, caracterizada por la armonía de todo vínculo que trascienda a lo meramente temporal.
Aunque la rutina se ha apropiado de la cotidianidad, en apariencia la cordialidad y el respeto mutuo siguen siendo el sustento de un vínculo unido por una suerte de amor incondicional.
Empero, desde el comienzo se nota claramente que se trata de un matrimonio asimétrico, en el cual el hombre ostenta una situación realmente privilegiada como si se tratara de un rey sin corona y la mujer funge como mera acompañante de su peripecia existencial.
Ese cuadro familiar, que se completa con el hijo adulto pero dependiente David Castleton (Max Irons) y una hija, Susana Castleton (Alix Wilton Regan), parece ser realmente idílico.
Sin embargo, el propio decurso del relato corrobora hacia el epílogo de esta película, que esa sintonía perfecta es en realidad una mera fachada que oculta más de una mentira.
La primera secuencia de la narración va marcando el curso del itinerario cinematográfico, cuando el prestigioso autor recibe la noticia que le ha sido otorgado el Premio Nobel de Literatura.
En ese contexto, la espontánea reacción de la pareja es brincar alocadamente sobre la cama, celebrando alborozadamente el acontecimiento.
El galardón es valorado como un logro compartido y no individual, en la medida que la esposa ha acompañado permanentemente al escritor y, en cierto sentido, es copartícipe de sus éxitos.
Incluso, el inveterado compromiso de la mujer con el hombre muta en una suerte de simbiosis, ya que hasta le cuida la salud con singular dedicación y jamás olvida indicarle la hora que debe tomar su medicación.
Es tal el grado de dependencia que se ha generado entre ambos, que Joan suele recordarle a su marido hasta los nombres de los personajes de sus novelas cuando este los olvida.
Más allá de la mera relación matrimonial, que es la clave de la propuesta artística, la película explora con acento crítico otros ámbitos donde prevalece la hipocresía, como la entrega de la premiación en Estocolmo.
En ese marco, el autor arma el tinglado para describir el protocolo previo a la ceremonia que será encabezada por el rey de Suecia, que incluye el acompañamiento permanente del galardonado, los ensayos con el maestro de ceremonias y los compromisos sociales, que, a menudo, resultan agobiantes.
Aunque se trate de una actividad intrínsecamente relacionada con la cultura en la cual se recompensa la excelencia creativa, está igualmente revestida de una densa pátina de frivolidad.
Mientras desarrolla la peripecia contemporánea de los personajes, el cineasta nórdico apela a recurrentes flashbacks para recrear el origen de la pareja, integrada por un docente de literatura devenido escritor y una joven y talentosa estudiante que se transforma en su segunda esposa.
Esa visión retrospectiva permite descubrir que la relación tuvo un comienzo tormentoso, ya que el profesor, estando casado en primeras nupcias, no duda en seducir a su alumna y transformarla en su amante. Luego, castiga a su nueva pareja con permanentes actos de infidelidad.
No obstante, el conflicto no se agota en esa guerra fría no declarada entre los protagonistas, sino que también integran al hijo, que es un escritor en ciernes permanentemente descalificado por su padre, y hasta a un sagaz pero mal intencionado cronista, que aspira a escribir una biografía contaminada por el escándalo.
Apelando a una explícita gestualidad que se torna aun más expresiva que el propio lenguaje verbal, Björn Runge construye una escenografía marcada por la tensión, que parece a punto de estallar como si se tratara de un artefacto de relojería.
Al respecto, resulta muy contundente la reacción exacerbada de la esposa durante la cena de gala del acto de premiación, inequívoco testimonio de amargura, impotencia y frustración.
La esposa es un relato impregnado de singular intensidad dramática, que reflexiona sobre los límites de la paciencia y la tolerancia en situaciones realmente extremas.
En ese contexto, el film –que cuenta con memorables actuaciones de Glenn Close y Jonathan Pryce al frente de un calificado reparto- reflexiona sobre la hipocresía, la mentira, la degradación, el encubrimiento y la segregación de género.
Hugo Acevedo (Revista Onda Digital)

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lunes, 1 de abril de 2019

02y05abr19: Mi obra maestra


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Título original Mi obra maestra
Año 2018
Duración 100 min.
País Argentina
Dirección Gastón Duprat
Guión Andrés Duprat
Música Alejandro Kauderer, Emilio Kauderer
Fotografía Rodrigo Pulpeiro
Reparto Guillermo Francella,  Luis Brandoni,  Raúl Arévalo,  Andrea Frigerio,  María Soldi, Alejandro Paker,  Pablo Ribba,  Roberto Peloni,  Mucio Manchini,  Julio Marticorena, Santiago Korovsky,  Melina Matthews,  Mahmoud Azim,  Mohamed Nafad
Género Drama. Comedia. Amistad. Pintura
Clasificación: +12 años
Sinopsis Arturo (Guillermo Francella) es un galerista encantador e inescrupuloso. Renzo (Luis Brandoni) es un pintor hosco y en decadencia. Si bien los une una vieja amistad, no coinciden en (casi) nada. El galerista intenta por todos los medios reflotar la carrera artística de su amigo, pero las cosas van de mal en peor. Hasta que una idea loca y extrema aparece como una posible solución. (FILMAFFINITY)
Premios 2018
Festival de Venecia: Sección oficial (fuera de concurso)
Festival de Valladolid - Seminci: Premio del Público
Crítica:
Arturo es un galerista de arte que comienza la película confesando al espectador que es un asesino. Para conocer más, propone contar una historia que empieza hace cinco años, con su amigo Renzo Neri como centro. Renzo es un artista que tuvo su época de esplendor en los años 80 y sigue viviendo en esa década, negándose a los cambios que plantea el mercado. Vive en una pocilga, le debe a todo el mundo y desprecia a la gente con dinero de la que, paradójicamente, depende para vivir. La película de Gastón Duprat (El ciudadano ilustre, El hombre de al lado) no termina de definir lo que es: ¿un drama?, ¿una comedia?, ¿una crítica al sistema?, ¿un thriller? En realidad pasa por todos esos géneros y eso desconcierta un poco al espectador que, por momentos, no sabe mucho hacia dónde va la historia. Está claro que el fuerte del asunto es la relación entre Arturo y Renzo, un vínculo de amor-odio muy apoyado en el humor que surge fácilmente por los dos experimentados actores que lo protagonizan. El contrapunto entre Guillermo Francella y Luis Brandoni, que por momentos recuerda a la serie de TV El hombre de tu vida aunque el tono y los personajes no sean los mismos, es lo más atractivo de este relato. Sus diálogos son los que van dando forma a las distintas situaciones en las que el valor de la amistad es lo que sobrevuela todo y sirve como justificativo para algunas decisiones dudosas. Una película despareja, tal vez un poco larga demás, que vale la pena por sus pesos pesados, que no decepcionan. Mención aparte merece la fotografía para mostrar la belleza de algunos de los lugares por los que transita el film.
Analía Filosi en Sábado Show

Trailer:

Programación de abril '19



domingo, 16 de diciembre de 2018

18y21dic18: La hora del cambio

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Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis.

Título original L'ora legale
Año 2017
Duración 88 min.
País Italia
Dirección Salvatore Ficarra,  Valentino Picone
Guion Salvatore Ficarra, Valentino Picone, Edoardo De Angelis, Nicola Guaglianone, Fabrizio Testini
Música Carlo Crivelli
Fotografía Ferran Paredes
Reparto Valentino Picone,  Vincenzo Amato,  Antonio Catania,  Sergio Friscia, Eleonora De Luca,  Alessia D'Anna,  Ersilia Lombardo,  Leo Gullotta, Salvatore Ficarra
Productora Tramp Ltd / Medusa Film
Género Comedia | Política. Sátira
Clasificación: ATP
Sinopsis
Los vecinos del pequeño pueblo siciliano de Pietrammare viven acostumbrados al caos que conlleva “saltarse la ley”, pero están hartos. Las carreteras tienen socavones, el tráfico es insufrible, la basura se acumula en las aceras y no hay día que un vecino no pise un excremento de perro. Tampoco les falta un gran puerto... sin barcos, y una fábrica altamente contaminante. Pero parece que ha llegado la hora del cambio: en las elecciones, un nuevo alcalde ha salido victorioso y viene con la firme intención de cumplir todo su programa electoral. (FILMAFFINITY

Critica:
Tras años de corrupción institucionalizada, de manipulaciones de cortijo propio, de caciquismo populachero, los ciudadanos de un pueblo de la costa siciliana han decidido con sus papeletas en las urnas dar un giro a su vida ordinaria. Hay nuevo alcalde y, con él, nuevos entes y medidas, desconocidos hasta entonces: policías municipales que dirigen el tráfico y hasta ponen multas, vigilancia de la presencia de funcionarios en sus centros de trabajo, cultura del reciclaje, una grúa que, cual nave espacial venida desde un planeta desconocido, se lleva los coches mal aparcados, desaparición de los gorrillas del impuesto revolucionario, calles limpias, honestidad. Un sopapo en toda regla al muy mediterráneo y sureño concepto de "la vista gorda", para acabar abrazando ideas tan revolucionarias en el lugar como el "permiso" y "el documento oficial".
En su quinto largometraje, Salvatore Ficarra y Valentino Picone, también protagonistas, cómicos televisivos de gran tirón popular, parecen haberse imbuido del espíritu crítico de las grandes comedias a la italiana de los años 60, indagado en el punzante humor cotidiano de los maestros Monicelli, Risi, Steno, Comencini y compañía, y han compuesto con La hora del cambio una película jocosamente lapidaria: la corrupción no sale de los de arriba, está institucionalizada desde abajo, forma parte del arraigo social. El sur de Italia, simplemente, no sabe vivir de otro modo. La nueva política, dirán unos, la vieja honestidad de Benjamin Franklin, dirán otros, es imposible en Sicilia. El clientelismo es su forma de ser. Y ahora que cada cual exporte sus conclusiones a cualquier otro lugar de la Europa mediterránea, España incluida.

Al contrario que la inmensa mayoría de las comedias españolas de tirón popular de los últimos años, que nunca hacen sangrar a sus personajes ni a su sociedad, Ficarra y Ficone apuntan con bala a todos los estratos, desde el más bajo hasta la Iglesia Católica e incluso la Mafia, con capo vigilante desde el balcón de su casona en la plaza del pueblo, a la manera de las novelas de Leonardo Sciascia. Y lo hacen huyendo de la mundanidad más verosímil y acercándose a la parodia a través del sarcasmo.
Pese a la medianía de su puesta en escena y su imagen, La hora del cambio no es solo una comedia divertidísima, que lo es. También es la demostración de que se puede hacer una película popular de actitudes reconocibles que no sea gruesa ni profundamente conservadora, sino directamente crítica. Desde los detalles más banales, los que vuelven locos al ciudadano en una nueva realidad ("¿en qué cubo se tiran las servilletas llenas de salsa?"), hasta los más complejos. Que desde Roma, no se sabe si la Mafia o el gobierno, manden matones para cortar de raíz esa epidemia de honestidad que puede extenderse hacia el Norte es el mejor síntoma de que el ingenio cómico también puede ser conspiranoico.
Javier Ocaña en El Pais de Madrid

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¡¡FELICES FIESTAS Y HASTA EL 2019!!

17dic18: presentación del libro "Memorias de una nonagenaria".


LAS EXPERIENCIAS DE UNA VIDA LLEVADAS AL PAPEL

SE PRESENTA EN CINE CLUB EL LIBRO “MEMORIAS DE UNA NONAGENARIA”

Anécdotas de un Rocha que se fue, relatadas con voz clara y memoria prodigiosa, por una mujer que decidió abrir el baúl de los recuerdos para todos los rochenses.

El lunes 17, a las 19.30 horas, se presenta el libro “ABC: Memorias de una nonagenaria” en Cine Club Rocha.  Olga Aguiar, profesora jubilada, madre, abuela y bisabuela,  decidió contar algunas de sus más recordadas y entrañables experiencias, muchas de ellas de un Rocha que sólo queda en el recuerdo.

Por sus páginas desfilan, en rigurosos orden alfabético,  episodios dedicados a personas como Julia Amaral Amatti, Adauto Puñales, Wilson Ferreira y José Ribot, entre otras de distintas épocas y lugares.  

Por supuesto que no faltan las menciones al Cine Club y al Museo Regional de Rocha, dos instituciones a las que la autora les brindó todo su esfuerzo en distintas épocas de su vida, sin olvidar a otras que marcaron la impronta en nuestra ciudad, como CADER, Difusora Rochense y hasta la Biblioteca Municipal.

Por esas hojas amarillentas de la memoria desfilan también, episodios memorables nuestra  historia,  como las visitas de Antoine de Saint Exupéry, Vito Dummas,  la tragedia del Lionel de Marmier, o incluso una ola de suicidios de la que nadie habla pero que ocurrió aquí, en la ciudad de los adoquines desparejos y la siesta perpetua.

Todas las anécdotas y relatos son acompañados de certeras fotografías o ilustraciones,  algunas de ellas rescatadas del archivo personal de la autora, y otras sustraídas de revistas de época.

Al final de cada  artículo, se incluyen  además, frases o poseías relacionadas con el tema elegido. Y como si fuera poco,  el prólogo es del profesor Néstor de la Llana.

Sin dudas que este libro, una preciosa edición a todo color  de casi 150 páginas, es un excelente regalo para estas navidades.

martes, 11 de diciembre de 2018

11 y 14dic18: Tully

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Aviso a los socios: 

la presentación del libro de Olga Aguiar se realizará 
el lunes 17 de diciembre a las 19.30 horas. 
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Título original Tully
Año 2018
Duración 94 min.
País Estados Unidos
Dirección Jason Reitman
Guion Diablo Cody
Música Rob Simonsen
Fotografía Eric Steelberg
Reparto Charlize Theron,  Mackenzie Davis,  Mark Duplass,  Emily Haine,  Ron Livingston, Elaine Tan,  Maddie Dixon-Poirier,  Lia Frankland
Productora Bron Studios / Right Way Productions / Denver and Delilah Productions. Distribuida por Focus Features
Género Comedia. Drama
Clasificación: +12 años
Sinopsis Marlo (Charlize Theron) es una madre con tres hijos, el último recién nacido, que recibe un inesperado regalo de parte de su hermano (Mark Duplass): una niñera para que le ayude por las noches. Al principio le parece una extravagancia, pero Marlo acaba teniendo una relación única con Tully (Mackenzie Davis), una joven niñera amable, sorprendente y, en ocasiones, difícil. (FILMAFFINITY)
Crítica:
La joven vida de Juno, la primera colaboración del director Jason Reitman con la libretista Diablo Cody (que consiguió un Oscar) era un drama sobre el embarazo adolescente disfrazado de comedia. El mismo planteo estaba en Young Adult, la primera colaboración entre Reitman, Cody y Charlize Theron, sobre la crisis de mediana edad de una mujer.
Así, Tully, que los vuelve a unir a los tres (y que cierra implícitamente una trilogía sobre la maternidad) , es otra presunta comedia sobre un tema dramático: la depresión post parto. Marlo (Theron, quien aumentó 25 kilos para el papel) acaba de tener su tercer hijo que no vino con un pan bajo el brazo pero sí con un montón de problemas: se siente extraña en su cuerpo, insegura, agobiada por las responsabilidades, con un marido (Ben Livingston) dedicado a trabajar, jugar Play Station (¡en la cama!) y ayudar poco en la casa, un hijo del medio con problemas en el colegio y otras instancias que muchas mujeres no necesitan que nadie se las explique.
Cuando no da más, Marlo cede a su resistencia inicial a llamar a una niñera nocturna, Tully (Mckenzie Davis), una veinteañera de actitud positiva y energía inalterable. Las dos empiezan a compartir cierta complicidad y el asunto empieza a funcionar: la madre duerme, despierta algunos instintos muy dormidos de su marido y todo parece mejorar. “Por primera vez veo en colores”, dice Marlo. Si todas la madres tuvieran una Tully.
Cody escribió el guión después de que naciera su tercer hijo, así que hay conocimiento de causa. Aunque cae en algunos facilismos y el final rompe el contrato con el espectador, hay buenos diálogos y situaciones bien resueltas. Reitman encuadra apretando a los personajes para dar una idea de esa opresión y hay un montaje que deja muy claro el agobio de sus rutinas.
Y está Theron, claro, que acá vuelve a lucirse.
Fernán Cisnero en El País
Trailer: 


martes, 4 de diciembre de 2018

4 y 7dic18: Dos orientales


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Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis.

Título original Dos orientales
Año 2017
Duración 70 min.
País Uruguay
Dirección Sofía Casanova,  Sofía Córdoba
Música Hugo Fattoruso, Tomohiro Yahiro
Fotografía Sofía Córdoba
Reparto Documentary,  Hugo Fattoruso,  Tomohiro Yahiro
Productora Sadhu Producciones
Género Documental | Documental sobre música
Clasificación: ATP
Sinopsis Dos Orientales es un documental musical sobre el dúo de jazz fusión que integran Hugo Fattoruso y Tomohiro Yahiro. La película invita a sumergirse en el mundo creativo de estos dos experimentados músicos que provienen de países muy distantes: Uruguay y Japón. Hermanados por su pasión y por su carisma, comparten rutas y partituras alrededor del mundo desde 1997 hasta hoy. (FILMAFFINITY)
Crítica:
Exhibido ya el año pasado en diversos festivales como ser el Latin Beat Film, el Atlantidoc y el Detour, el documental Dos Orientales (2017) se estrena oficialmente por primera vez en el país, en la Sala B y Dodecá en Montevideo, y en salas de Rocha, Salto, Canelones, Colonia, Florida, Río Negro, Paysandú y Salto.
Las directoras, Sofía Casanova y Sofía Cordoba, nos traen un documental sobre músicas y países que corren paralelos de a momentos, y que se entrecruzan de a otros. ¿Qué hay de japonés en Uruguay y viceversa? ¿Qué vínculos se pueden establecer entre las costumbres niponas y las nuestras? ¿Y qué sucede cuando músicos de dos países tan distantes geográficamente se encuentran? Una película acerca del vínculo musical que Tomohiro y Fattoruso fueron construyendo con los años, realizando diversos shows en ambos extremos del mundo. Presentada como “un viaje musical entre dos culturas”, la película explora las conexiones y desconexiones entre Japón y Uruguay, el diálogo entre sus músicas y costumbres, acompañando y escarbando la experiencia que estos dos músicos, tan paradigmáticos, tienen al crear música  juntos.
Yahiro Tomohiro nació en Tokio en el año 1961. Hugo Fattoruso nació en Montevideo el 29 de julio de 1943. Tomohiro es percusionista, y Fattoruso es un multiinstrumentalista conocido por la fusión de géneros folclóricos con el jazz, su habilidad pianística y vocal. Se encontraron en algún momento de 1997, y el documental se encarga de mirar retrospectivamente y en el presente, explorando así qué sucede cuando dos culturas, aparentemente tan disímiles, se encuentran en lo musical y vivencial.
Andrea Pérez en Revista Film.

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Mensaje a los socios despedida 2018


Estimados socios.
Al terminar 2018, pensamos que es oportuno contarles algunas cosas que nos dejó éste año que se va.
Luego de hacer arreglos en la sala principal (cielo raso, iluminación, pantalla, etc.), tuvimos la necesidad de cambiar el proyector digital por uno con mayor resolución de imagen (los resultados fueron excelentes).
También compramos un nuevo equipo de audio, que redundó en un mejor sonido.
Se pidió la colaboración del Arquitecto ROBAINA de la Intendencia  Departamental de Rocha, para realizar un proyecto edilicio en el patio. Éste hizo un acertado proyecto de una sala multiusos. Pero al analizar la cantidad de éste tipo de salas en nuestra ciudad, consideramos que no era adecuado seguir aumentando la oferta para una demanda muy pequeña.
Por eso es que construimos un parrillero conectado a la sala de reuniones, que servirá para reunirse entre amigos y recibir invitados (sala que está a disposición de los socios).
Con respecto a la programación, sólo algunas de las películas de este año,  a modo de repaso:
LOVING VINCENT, ELLE, DUNKERKE, SANGRE DE CAMPEONES, PARÍS PUEDE ESPERAR, EL HILO FANTASMA, LA FORMA DEL AGUA, EL BAR, BUSCANDO A FELLINI, LAS HEREDERAS, VIENTO SALVAJE, LA LIBRERÍA, EL ÚLTIMO TRAJE, MAUDIE
Ya ven, de todos los orígenes y géneros.
VEREMOS EN EL 2019 QUÉ NOS ESPERA…
SÓLO NOS RESTA DESEARLES :
¡FELICES FIESTAS!

Programación de diciembre '18