Hora de comienzo: 14.30 Entrada: menores $ 120, mayores $ 140. Sala del cine: Ramírez Nº 68.
Resumen
La nueva producción de Disney-Pixar cuenta la historia de Miguel, un niño de 12 años que, a pesar de la incomprensible prohibición de su familia, sueña con convertirse en un músico consagrado. Desesperado por probar su talento, Miguel llega mágicamente a la impresionante y colorida Tierra de los Muertos. En el camino encuentra al simpático timador Héctor, y juntos se embarcan en una extraordinaria travesía para develar los secretos detrás de la historia familiar de Miguel.
Hora de comienzo: 14.30 Entrada: menores $ 120, mayores $ 140. Sala del cine: Ramírez Nº 68. Resumen
Cuando el malévolo alcalde de Oakton City decide destruir el parque Liberty para construir un peligroso parque de diversiones, la ardilla Sully y sus amigos deberán unirse para salvar su hogar, acabar con los planes del alcalde y recuperar el parque.
Productora Coproducción Estados Unidos-China-Canadá;
Entertainment One / The Mark Gordon Company / Pascal Pictures
Género Drama | Póker. Biográfico. Basado en hechos reales
Calificación: + 18 años
Sinopsis Se centra en la vida de Molly Bloom, una esquiadora
de talla mundial que llegó a ser millonaria antes de los 21 años. Tras perderse
los Juegos Olímpicos, Molly se trasladó a vivir a Los Ángeles, donde incluso
trabajó de camarera. Gracias a su inteligencia y sus dotes empresariales, la
joven acabó ganando millones de dólares en el mundo del póker antes de que el
FBI la investigara.
Premios 2017
Premios Oscar: Nominada a mejor guion adaptado
Globos de Oro: Nominada a Mejor guion y Actriz drama
(Jessica Chastain)
Premios BAFTA: Nominada a Mejor guion adaptado
Critics Choice Awards: Nominada a Mejor guion adaptado y
Actriz (Chastain)
Satellite Awards: Nominada a Mejor guion adaptado y Actriz
(Jessica Chastain)
Sindicato de Productores (PGA): Nominada a Mejor película
Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor nuevo
director
Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guión
adaptado
Apuesta Maestra.
Molly Brown era esquiadora profesional y quería ir a los
Juegos Olímpicos. Un accidente truncó el sueño y sintió que la relación con su
exigente padre, quien la alentaba para lograrlo, ya no era la misma. Lo
siguiente era ir a la Universidad, pero antes decidió tomarse un año sabático
sin imaginar que encontraría la forma de independizarse de su familia. Entre
2003 y 2010, primero en Los Ángeles y luego en Nueva York, organizó mesas
multimillonarias y clandestinas de póker en las que participaron estrellas de
Hollywood, deportistas muy conocidos, agentes de Wall Street y hasta la mafia
rusa. Esto último la puso en la mira del FBI, que la detuvo cuando ya había
dejado el juego para obtener información de sus participantes. La primera
película de Aaron Sorkin como director tiene su sello inconfundible como
guionista, tarea que también desempeña aquí y por la que es candidato al Oscar:
diálogos a toda velocidad, filosos, cargados de información, ingeniosos. Ya los
hemos escuchado en The West Wing y Newsroom (TV) o en El Juego de la Fortuna y
Red social (cine), pero ahora se agrega su mano en la dirección. Y lo hace
bien, con atractivo, elegancia y enganche, sin que el espectador se aburra a
pesar de las dos horas veinte. Gran mérito corresponde a Jessica Chastain
(candidata al Globo de Oro), quien se adueña de la película y del personaje que
existe en la realidad. Bien secundada por el siempre efectivo Idris Elba, como
su abogado, en tanto Kevin Costner hace un buen trabajo como su padre. La
película no se detiene en el juego y las apuestas, sino que pretende ser el
retrato de una mujer que buscó ser muy buena en algo cuando aquello para lo que
debía serlo se le escapó por un detalle. Lo logra con un producto Sorkin típico
con una Chastain estupenda.
El Centro Cultural "María Elida Marquizo", presenta hoy en Cine Club Rocha una función especial, con la película "Migas de pan", con entrada gratuita.
La actividad se realiza en el marco de los 45 años del Golpe de Estado (27 de junio 1973).
Hoy lunes 25, a las 19.30 horas. Entrada gratuita. Titulo original: Migas de pan País: Uruguay-España Año: 2016 Duracion: 109' Dirección: Manane Rodríguez Reparto: Cecilia Roth, Justina Bustos, Quique Fernández, Margarita Musto,Ignacio Cawen, Andrea Davidovics. Género: Drama Calificación: +12 Sinopsis:
Liliana Pereira (Cecilia Roth), al recibir en España la noticia de que ha sido abuela, rememora su pasado. Siendo una joven universitaria y madre de un bebé, participa en las luchas estudiantiles contra la dictadura militar en Uruguay. Es secuestrada y encerrada después junto con otras mujeres en un presidio durante años, y desposeída de la patria potestad sobre su hijo. Tras años de exilio, Liliana decide volver a Montevideo para participar con sus compañeras en la denuncia del oprobio sufrido en su juventud y para recuperar los vínculos sentimentales con su hijo.
Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios
gratis
Título original Darkest Hour
Año 2017
Duración 125 min.
País Reino Unido
Dirección
Joe Wright
Guion
Anthony McCarten
Música Dario Marianelli
Fotografía Bruno Delbonnel
Reparto
Gary Oldman,Ben Mendelsohn,Kristin Scott Thomas,Lily James,Stephen Dillane, Richard Lumsden,Philip Martin Brown,Ronald
Pickup,Brian Pettifer,Tom Ashley, Jordan Waller,David Olawale Ayinde,Michael Bott,Danny Stewart,John Locke
Productora Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Working Title Films
Género Bélico. Drama | II Guerra Mundial. Años 40. Histórico.
Política. Biográfico
ClasificaciónATP
Sinopsis Drama ambientado en 1940, cuando Winston Churchill (Gary
Oldman) se convierte en primer ministro británico en un momento realmente
crucial de la Segunda Guerra Mundial, pues los nazis avanzan imparables
conquistando prácticamente la totalidad del continente europeo y amenazando con
una invasión a Inglaterra. Churchill deberá entonces explorar la posibilidad de
un tratado de paz con Alemania, o ser fiel a sus ideales y luchar por la
liberación de Europa. (FILMAFFINITY)
Premios 2017
2 Premios Oscar: Mejor actor (Oldman) y mejor
maquillaje. 6 nominaciones
2 Premios BAFTA: mejor actor (Oldman) y mejor
maquillaje. 9 nominaciones
Globos de Oro: Mejor actor drama (Gary Oldman)
Critics Choice Awards: Mejor actor (Gary Oldman) y maquillaje
Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a mejor
actor (Gary Oldman)
Satellite Awards: Mejor actor (Oldman). 5 nominaciones
Sindicato de Actores (SAG): Mejor actor (Gary Oldman)
Peligro supremo
La tensión, el temor, la duda, la angustia y la valentía
para enfrentar una guerra desde un espacio de decisión constituyen la clave de
la propuesta de Las horas más oscuras, el film biográfico del realizador inglés
Joe Wright, que indaga en la personalidad del polémico primer ministro
británico Winston Churchill.
El cineasta británico, cuya filmografía incluye valiosos
títulos como Orgullo y prejuicio (2005), Expiación (2007) y Anna Karenina
(2012), recrea en esta oportunidad uno de los momentos más removedores de la
historia durante la sangrienta Segunda Guerra Mundial.
La película está ambientada en 1940, en momentos de una
imparable ofensiva de la Alemania nazi en Europa, que amenaza con anexar a
Francia y aniquilar literalmente al ejército británico que combate fuera de su
territorio.
En ese momento tan singular y con la perspectiva de una
invasión de tropas germanas a las Islas Británicas, el Rey Jorge VI
(interpretado por Ben Mendelsohn) adopta la decisión de designar a Winston
Churchill (Gary Oldman) como primer ministro, a los efectos de afrontar las
horas más oscuras, como lo afirma el título original del film.
Obviamente, la medida fue duramente resistida incluso por
los políticos del oficialista Partido Conservador, quienes cuestionaban el
pasado y la irascible personalidad del nominado.
En ese contexto, el film se centra precisamente en la
peripecia del político al frente de Gran Bretaña, cuando casi toda Europa
estaba bajo la hegemonía de la Alemania nazi.
Desde el comienzo, la película analiza minuciosamente las
intrigas palaciegas de la clase política que parece vivir en un limbo y no
comprender la dimensión de la amenaza.
La película es pródiga en la descripción de los
conciliábulos y las luchas intestinas, en un momento de indudable crisis de
liderazgo para afrontar a un poderoso enemigo resuelto a imponer su supremacía
sobre todo el continente.
Empero, el relato es un auténtico retrato del personaje
evocado, su exacerbado personalismo, su temperamento intransigente no exento de
autoritarismo y su firmeza para tomar las decisiones que era menester en una
situación de emergencia.
Mediante una detallada y esmerada reconstrucción de época
que no deja ningún aspecto librado al azar, el director Joe Wright y el guionista
Anthony McCarten reconstruyen a la Londres de la década del cuarenta,
semi-destruida y parcialmente desolada por los implacables bombardeos de la
aviación alemana.
En todo momento, se percibe y hasta respira la tensión de un
país agredido y que se prepara para defender su territorio a cualquier precio,
tal cual lo reclama el propio Churchill.
Con una atinada visión de contexto, ambos cineastas
construyen un oportuno paralelismo entre la situación expectante en Gran
Bretaña y la Batalla de Dunkerque, tal bien recreada en el film homónimo del
cineasta Christopher Nolan.
Como es notorio, la Batalla de Dunkerque se dirimió con un
dantesco saldo de más de 30.000 muertos, a un año de iniciadas las
hostilidades, entre el 26 de mayo y el 4 de junio de 1940, en la ciudad
portuaria francesa del mismo nombre situada al Norte, en la región de Alta
Francia.
En ese espacio geográfico, tropas francesas y británicas
soportaron –a duras penas- el irresistible asedio del ejército nazi, que ya se
había apropiado de todo el territorio galo.
En ese contexto, los aliados –que quedaron cercados en la
costa con el mar a sus espaldas-emprendieron la denominada Operación Dinamo, un
complejo proceso de evacuación que permitió el rescate de más de 200.000
soldados británicos y de 100.000 franceses y belgas, con la participación
incluso de barcos civiles.
No obstante, el éxito de la operación –que fue una de las
más impactantes del histórico conflicto bélico- dependía de una urgente toma de
decisiones, cuya responsabilidad estuvo a cargo precisamente de Churchill.
Mediante una presentación cronológica que respeta el orden
de los acontecimientos, el relato indaga en las psicologías de los personajes,
sus ambiciones, sus temores y sus incertidumbres.
Si bien se podría interpretar que la película glorifica en
buena medida al personaje, las resonancias de su actuación pública justifican
plenamente un abordaje de esta naturaleza.
Intercalando algunos fragmentos documentales, lo cual otorga
mayor realismo a la propuesta, la película discurre entre el drama y obviamente
el testimonio.
Empero, Joe Wright no soslaya en modo alguno la interna
familiar del protagonista, que en todo momento revela la tensión de la
situación límite afrontada por el político.
La agudeza de los diálogos sumada a la complejidad de una
coyuntura sin dudas dramática, contribuyen a transformar a esta película en un
producto cinematográfico que excede el mero propósito del pasatiempo.
En ese marco, el espectador se siente dentro del laboratorio
de la guerra, donde se elaboraban las estrategias para afrontar a un enemigo
sin dudas superior en número y armamento.
El film reflexiona también sobre el nacionalismo exacerbado,
un componente crucial para que Gran Bretaña defendiera sus fronteras de la
inminente agresión externa.
Esta película, que tiene cinco nominaciones al Oscar, cuenta
con un reparto actoral de alto nivel interpretativo, en el cual se luce
ampliamente Gary Oldman en el papel protagónico.
Las horas más oscuras es un drama biográfico de fina
elaboración, que destaca por la contundencia de su planteo, por su rigor
histórico y por la crudeza de sus imágenes.
Hugo Acevedo
(Publicada en Revista Onda Digital, 29/01/2018)
Miércoles 13, Jueves 14 y sábado 16 de junio, a las 20.00 horas.
Entrada: $ 200. Menores de 12 años, $ 150.
Título original Sangre de campeones
Año 2018
Duración 70 min.
País Uruguay
Dirección Santiago Bednarik y Guzmán García..
Guión Guzmán García.
Fotografía Germán Nocella
Investigación Atilio Garrido
Ilustraciones Oscar Larroca.
Productora Coral Cine
Género Documental. Fútbol
Clasificación ATP
Sinopsis
1924: un grupo de hombres, futbolistas amateurs, de
profesiones diversas, emprenden viaje rumbo a la mayor aventura de sus vidas.
Parten desde Uruguay hacia Europa para desembarcar en el París de los años
locos donde los esperaba, contra todo pronóstico, la gloria Olímpica y el
asombro del mundo entero. Esta hazaña sería la primera de otras que vendrían en
1928 y 1930. En el contexto de los preparativos para la celebración del
centenario de la Jura de la Constitución, surge la idea de organizar el primer campeonato
mundial de la FIFA en Montevideo y la construcción del Estadio Centenario en
seis meses , el más grande del mundo en ese entonces. Uruguay se corona campeón
del mundo y sin pretenderlo, esta selección se constituye como el eje de la
identidad nacional de un país que estaba naciendo. Sangre de Campeones es el
relato de su historia, y a través de ellos, la de toda una nación.
(FILMAFFINITY)
Crítica
Épica
nacional contada con buen gusto y material inédito
Después de Maracaná y Mundialito, la productora Coral Cine
cierra una trilogía sobre las glorias claves del fútbol uruguayo. Solo les
faltaría meterse con Sudáfrica 2010, donde habremos salido cuartos, pero se
ganó un lugar en la épica nacional. Por ahora no hay planes de eso.
Sangre de campeones se concentra en las primeras de esas
hazañas deportivas: los tres títulos mundiales que la selección uruguaya
cosechó en seis años, entre 1924 y 1930. En ese lapso se conformó una parte del
ADN de los uruguayos: aquella primera Celeste ganó dos juegos olímpicos
(Francia y Holanda) y el primer campeonato del mundo en un Estadio Centenario
que todavía tenía el cemento sin terminar.
La coincidencia con un nuevo Mundial que empieza en breve,
la da además al documental algo de arenga y aporta una autoestima que nos va a
venir muy bien. Si aquella vez pudimos contra todos los inconvenientes
posibles, lo podemos volver a hacer.
Los directores Sebastián Bednarik y Guzmán García consiguen
transmitir el heroísmo de aquellos tiempos, en los que gente común (un
picapedrero, un estibador, un cartero, un hielero) eran capaces de convertirse
en dioses.
La película repasa aquellas hazañas con imágenes de archivos
(algunas aportadas por El País) y películas muchas de las cuales dan toda la
impresión de ser inéditas. Están casi todos los goles, por ejemplo, además de
los hinchas locales que acompañaron en 18 de julio, y en diferido, cada uno de
los partidos olímpicos. Era otro mundo.
Sangre de campeones se inicia con una pequeña historia del
deporte a partir de ilustraciones de Oscar Larroca que son una de las grandes
cosas del documental. Sus carbonillas son toda una línea narrativa que permite
mostrar la vida de los héroes o recrear jugadas. Merecerían una muestra
exclusiva y son bastante distintas al tipo de trabajo con el que se vincula a
Larroca.
A partir de ahí, el relato lo conducen varias voces
conocidas entre historiadores (Gerardo Caetano, Carlos Demassi) y periodistas
deportivos (Eduardo Ribas, Ricardo Piñeyrúa, entre otros) que van contando la
parte deportiva y la parte humana de aquellos torneos. Sus voces están en off,
lo que es una buena idea y permite escapar de la tiranía de la “cabeza
parlante”, el repetido recurso de muchos documentales.
Un detalle importante acá es el uso del sonido (diseñado y
posproducido por Daniel Márquez) que consigue sortear una decisión arriesgada
como fue sonorizar las películas mudas que muestran encuentros entre los
jugadores, hinchas gritando, diálogos de fondo e incluso recrear las voces de
los jugadores. Les quedó tan bien que se termina entendiendo una apuesta tan
temeraria. También tiene un papel importante la música de Hernán López.
Sangre de campeones dedica tanto tiempo a lo colectivo como
lo individual. De un montón de historias elige dos: la de José Nasazzi, líder
indiscutido de ese grupo, y la de José Leandro Andrade. Y si la del primero (al
que alguien compara con Artigas en su porte) es una historia de constancia y
compromiso que son “premiados” con un puesto en Casinos Municipales, la
historia de Andrade es triste como lo es cualquier vida que conoció la gloria y
se extinguió en el dolor y la miseria. De alguna manera, representan los dos
extremos de ese abanico de heroísmo. La película termina, como en una ficción,
cerrando las historias personales de muchos de sus protagonistas.
Hay grandes momentos como cuando Scarone ve que la bandera
uruguaya está al revés en Francia y dice “ya van a aprender a ponerla bien” o
los comienzos de la rivalidad entre Uruguay y Argentina. Los partidos eran
feroces, por lo visto, y la técnica de los rioplatenses insuperable en el
mundo. Tiene partes muy emotivas.
Bednarik y García han hablado de que Sangre de campeones es
una suerte de precuela a Maracaná y está bien. Permite rastrear de dónde
venimos futbolísticamente que es una manera de ver a dónde íbamos como
sociedad.
“El futbol es la religión laica del Uruguay”, dice en un
momento Gerardo Caetano. Tiene razón y así Sangre de campeones es el Génesis de
una historia que, en dos semanas cuando empiece el Mundial va a estar más viva
que nunca.
Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis
Título original Toni Erdmann
Año 2016
Duración 62 min.
País Alemania
Dirección Maren Ade
Guion Maren Ade
Fotografía Patrick Orth
Reparto Peter Simonischek, Sandra Hüller, Lucy Russell, Trystan Pütter, Thomas Loibl, Hadewych Minis, Vlad Ivanov, Ingrid Bisu, John Keogh, Ingo Wimmer, Cosmin Padureanu, Anna Maria Bergold, Radu Banzaru, Alexandru Papadopol, Sava Lolov, Jürg Löw, Miriam Rizea, Michael Wittenborn
Productora Komplizen Film / Coop 99 / KNM
Género Comedia. Drama | Comedia dramática. Familia. Trabajo/empleo
Calificación: + 16 años
Sinopsis
Inès trabaja en una importante consultora alemana establecida en Bucarest. Su estresante vida está perfectamente organizada hasta que su extrovertido y bromista padre Winfried llega de improvisto y le pregunta ”¿eres feliz?”. Tras su incapacidad para responder, sufre un profundo cambio. Ese padre que a veces estorba y que la avergüenza un poco le va a ayudar a dar nuevamente sentido a su vida gracias a un personaje imaginario: el divertido Toni Erdmann… (FILMAFFINITY)
Premios 2016-17
Premios Goya: Nominada a Mejor película europea
6 Premios del cine Alemán, incluyendo película y director
Premios Oscar: Nominada a mejor película de habla no inglesa
Globos de Oro: Nominada a mejor película de habla no inglesa
Premios BAFTA: Nominada a Mejor película en habla no inglesa
Premios César: Nominada a Mejor película extranjera
Premios del Cine Europeo: Mejor película, director, guión, actor y actriz
Festival de Cannes: Premio FIPRESCI
Premios Independent Spirit: Mejor película extranjera
Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película extranjera
Críticos de Los Angeles: Nominada a mejor película extranjera
Critics Choice Awards: Nominada a mejor película de habla no inglesa
Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a mejor película extranjera
Premio FIPRESCI (Fed. Int. de Críticos de Cine): mejor película del año
British Independent Film Awards (BIFA): nom. mejor película intern. independiente
Satellite Awards: Nominada a Mejor película de habla no inglesa
Premios Guldbagge (Suecia): Nominada a Mejor film extranjero
Premios Gaudí: Nominada a Mejor película europea
Esperpento y ternura
Los que anticipaban la gracia y el encanto de Toni Erdmann tenían razón. Es una comedia insólita en el mejor sentido, habitada por gags esplendidos y situaciones que provocan risa, dotada de poder de observación, retratando personajes muy creíbles, mezclando realismo y surrealismo, esperpento y soterrada ternura. Y tiene defectos. Por ejemplo: su excesiva duración. Hubiera sido aconsejable que alguien con criterio e inmejorables intenciones le hubiera sugerido a la directora que acortase esos excesivos 162 minutos, que hay momentos en el centro de la trama que se tornan repetitivos, secuencias fatigosamente rematadas. Pero remonta en la parte final, todo vuelve a fluir en una fiesta insólita y jocosa en la que su alborotada protagonista decide que todos los estupefactos invitados acudan desnudos.
Esta agridulce película describe la finalmente salvadora relación entre un padre más que histriónico y aficionado a los disfraces con su hija, una triunfadora profesional y social que en el fondo está muy solita y no lo sabía, incapaz de exprimir las alegrías que a veces ofrece la vida. El padre también está solo, ha perdido a su perro, su respiración es angustiosa, pero no ha perdido humanidad ni su afición a montar números. Y su farsa permanente motivará que su brillante, pragmática y gélida hija ese al borde del ataque de nervios viendo peligrar su carrera, pero también aprenderá a sentir, a reír, a vivir. No existe énfasis en esta relación, ni a la redimida dama le espera en el futuro el paraíso, paro algo habrá aprendido mediante el amor y el cuidado que le dedica ese padre destroyer. Ha sido grato y a rato delicioso acompañarles en su disparatado viaje.
Productora Amblin
Entertainment / DreamWorks SKG / Pascal Pictures / Participant Media. Distribuida
por 20th Century-Fox Film Corporation
Género Drama | Años 70. Periodismo. Basado en hechos reales
Clasificación: + 12 años
Sinopsis En junio de 1971, los principales periódicos de
EE.UU., entre los que se encontraban The New York Times y The Washington Post,
tomaron una valiente posición en favor de la libertad de expresión, informando
sobre los documentos del Pentágono y el encubrimiento masivo de secretos por
parte del gobierno, que había durado cuatro décadas y cuatro presidencias
estadounidenses. En ese momento, Katherine Graham (Meryl Streep), primera mujer
editora del Post, y el director Ben Bradlee (Tom Hanks) intentaba relanzar un
periódico en decadencia. Juntos decidieron tomar la audaz decisión de apoyar al
The New York Times y luchar contra el intento de la Administración Nixon de
restringir la primera enmienda... Historia basada en los documentos del Post
que recogían información clasificada sobre la Guerra de Vietnam. (FILMAFFINITY)
Premios 2017
Premios Oscar: Nominada a mejor película y actriz (Meryl
Streep)
Globos de Oro: 6 nominaciones incluyendo mejor película
drama y director
National
Board of Review (NBR): Mejor película, actor (Hanks) y actriz (Streep)
American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas
del año
Critics Choice Awards: 8 nominaciones incluyendo mejor
película y director
Sindicato de Productores (PGA): Nominada a Mejor película
Momentos de una
democracia
Para hablar de cosas tan masculinas como las mentiras de una
guerra, las presiones a la libertad de expresión, los secretos de un Estado y
las manipulaciones de un gobierno, Steven Spielberg decidió concentrarse en la
única mujer en todo el salón: Katherine Graham. La decisión hace que The Post:
los oscuros secretos del Pentágono sea aún más interesante.
Graham (interpretada acá, con su habitual compromiso, por
Meryl Streep) heredó de su marido tremendo legado: un imperio periodístico que
incluía el Washington Post, por entonces un diario más local que nacional con
escasez de fondos y de primicias. Ella, más dedicada a los eventos sociales,
dejaba las decisiones en su junta de directores y en su editor en jefe, el
periodista Ben Bradlee (Tom Hanks), dos frentes que eran más rivales que
hermanos.
La película cuenta los momentos de decisión de Graham cuando
el diario se hizo de los “Papeles del Pentágono”, nombre con el que recoge la
historia a una serie de documentos que demostraban el grado de injerencia,
premeditación y mentira con que el gobierno estadounidense manejó los asuntos
de Vietnam, antes y después de involucrarse en una guerra. Esos documentos
dejaban claro que todas las administraciones de Truman a esa parte (Eisenhower,
Kennedy, Johnson y Nixon) le habían mentido al pueblo estadounidense sobre las
razones y la marcha del conflicto en el sudeste asiático.
El problema para Graham es que entre los principales
involucrados había muchos de sus amigos, porque está claro que en las élites del
poder se conocen todos. Para el caso era el secretario de Estado Robert
McNamara (“mi amigo, mi asesor, mi confidente”, dice Graham) quien para ser
actuales y precisos, estaba hasta las manos. La editora tuvo que decidir entre
la amistad, la presión de sus directores, las amenazas judiciales o publicar la
nota. Es sabido que eligió lo último.
Desde entonces, los “Papeles del Pentágono” y la otra
investigación que promovieron Graham y Bradlee y que empezó en una oficina del
edificio Watergate, son citados como ejemplo de perseverancia periodística,
ética empresarial y de las presiones de los gobiernos hacia los medios. The
Post completa, en ese sentido, un díptico cinematográfico sobre el Washington
Post que se inició con Todos los hombres del presidente en 1976. Aquella
película en la que Graham ni aparecía y de la que esta vendría a ser una
precuela, inspiró un protocolo periodístico y alentó a muchos a soñar con ser
reporteros; quizás esta ayude algo en ese sentido.
The Post se integra a cierta línea de trabajo de Spielberg
sobre la democracia estadounidense, la construcción del Estado y su papel en el
mundo. Es así parte de una trilogía de la última etapa de la carrera del
director, que se completa con Lincoln y Puente de espías. En ese sector de su
filmografía podrían sumarse Amistad y tangencialmente, Rescatando al soldado
Ryan, y en un rango más amplio de películas histórico- política estarían La
lista de Schindler y Munich.
Spielberg se convierte en un defensor de la democracia y las
formas estadounidenses en una visión crítica, pero en la que siempre triunfa el
buen ser y un optimismo capitalista. A menudo se ha citado a Frank Capra como
una de sus influencias y es acá donde no lo puede disimular. Algunos lo llaman
simplismo pero sobre eso, Spielberg ha forjado una de las más grandes carreras
del cine mundial.
