domingo, 16 de diciembre de 2018

18y21dic18: La hora del cambio

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Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis.

Título original L'ora legale
Año 2017
Duración 88 min.
País Italia
Dirección Salvatore Ficarra,  Valentino Picone
Guion Salvatore Ficarra, Valentino Picone, Edoardo De Angelis, Nicola Guaglianone, Fabrizio Testini
Música Carlo Crivelli
Fotografía Ferran Paredes
Reparto Valentino Picone,  Vincenzo Amato,  Antonio Catania,  Sergio Friscia, Eleonora De Luca,  Alessia D'Anna,  Ersilia Lombardo,  Leo Gullotta, Salvatore Ficarra
Productora Tramp Ltd / Medusa Film
Género Comedia | Política. Sátira
Clasificación: ATP
Sinopsis
Los vecinos del pequeño pueblo siciliano de Pietrammare viven acostumbrados al caos que conlleva “saltarse la ley”, pero están hartos. Las carreteras tienen socavones, el tráfico es insufrible, la basura se acumula en las aceras y no hay día que un vecino no pise un excremento de perro. Tampoco les falta un gran puerto... sin barcos, y una fábrica altamente contaminante. Pero parece que ha llegado la hora del cambio: en las elecciones, un nuevo alcalde ha salido victorioso y viene con la firme intención de cumplir todo su programa electoral. (FILMAFFINITY

Critica:
Tras años de corrupción institucionalizada, de manipulaciones de cortijo propio, de caciquismo populachero, los ciudadanos de un pueblo de la costa siciliana han decidido con sus papeletas en las urnas dar un giro a su vida ordinaria. Hay nuevo alcalde y, con él, nuevos entes y medidas, desconocidos hasta entonces: policías municipales que dirigen el tráfico y hasta ponen multas, vigilancia de la presencia de funcionarios en sus centros de trabajo, cultura del reciclaje, una grúa que, cual nave espacial venida desde un planeta desconocido, se lleva los coches mal aparcados, desaparición de los gorrillas del impuesto revolucionario, calles limpias, honestidad. Un sopapo en toda regla al muy mediterráneo y sureño concepto de "la vista gorda", para acabar abrazando ideas tan revolucionarias en el lugar como el "permiso" y "el documento oficial".
En su quinto largometraje, Salvatore Ficarra y Valentino Picone, también protagonistas, cómicos televisivos de gran tirón popular, parecen haberse imbuido del espíritu crítico de las grandes comedias a la italiana de los años 60, indagado en el punzante humor cotidiano de los maestros Monicelli, Risi, Steno, Comencini y compañía, y han compuesto con La hora del cambio una película jocosamente lapidaria: la corrupción no sale de los de arriba, está institucionalizada desde abajo, forma parte del arraigo social. El sur de Italia, simplemente, no sabe vivir de otro modo. La nueva política, dirán unos, la vieja honestidad de Benjamin Franklin, dirán otros, es imposible en Sicilia. El clientelismo es su forma de ser. Y ahora que cada cual exporte sus conclusiones a cualquier otro lugar de la Europa mediterránea, España incluida.

Al contrario que la inmensa mayoría de las comedias españolas de tirón popular de los últimos años, que nunca hacen sangrar a sus personajes ni a su sociedad, Ficarra y Ficone apuntan con bala a todos los estratos, desde el más bajo hasta la Iglesia Católica e incluso la Mafia, con capo vigilante desde el balcón de su casona en la plaza del pueblo, a la manera de las novelas de Leonardo Sciascia. Y lo hacen huyendo de la mundanidad más verosímil y acercándose a la parodia a través del sarcasmo.
Pese a la medianía de su puesta en escena y su imagen, La hora del cambio no es solo una comedia divertidísima, que lo es. También es la demostración de que se puede hacer una película popular de actitudes reconocibles que no sea gruesa ni profundamente conservadora, sino directamente crítica. Desde los detalles más banales, los que vuelven locos al ciudadano en una nueva realidad ("¿en qué cubo se tiran las servilletas llenas de salsa?"), hasta los más complejos. Que desde Roma, no se sabe si la Mafia o el gobierno, manden matones para cortar de raíz esa epidemia de honestidad que puede extenderse hacia el Norte es el mejor síntoma de que el ingenio cómico también puede ser conspiranoico.
Javier Ocaña en El Pais de Madrid

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¡¡FELICES FIESTAS Y HASTA EL 2019!!

17dic18: presentación del libro "Memorias de una nonagenaria".


LAS EXPERIENCIAS DE UNA VIDA LLEVADAS AL PAPEL

SE PRESENTA EN CINE CLUB EL LIBRO “MEMORIAS DE UNA NONAGENARIA”

Anécdotas de un Rocha que se fue, relatadas con voz clara y memoria prodigiosa, por una mujer que decidió abrir el baúl de los recuerdos para todos los rochenses.

El lunes 17, a las 19.30 horas, se presenta el libro “ABC: Memorias de una nonagenaria” en Cine Club Rocha.  Olga Aguiar, profesora jubilada, madre, abuela y bisabuela,  decidió contar algunas de sus más recordadas y entrañables experiencias, muchas de ellas de un Rocha que sólo queda en el recuerdo.

Por sus páginas desfilan, en rigurosos orden alfabético,  episodios dedicados a personas como Julia Amaral Amatti, Adauto Puñales, Wilson Ferreira y José Ribot, entre otras de distintas épocas y lugares.  

Por supuesto que no faltan las menciones al Cine Club y al Museo Regional de Rocha, dos instituciones a las que la autora les brindó todo su esfuerzo en distintas épocas de su vida, sin olvidar a otras que marcaron la impronta en nuestra ciudad, como CADER, Difusora Rochense y hasta la Biblioteca Municipal.

Por esas hojas amarillentas de la memoria desfilan también, episodios memorables nuestra  historia,  como las visitas de Antoine de Saint Exupéry, Vito Dummas,  la tragedia del Lionel de Marmier, o incluso una ola de suicidios de la que nadie habla pero que ocurrió aquí, en la ciudad de los adoquines desparejos y la siesta perpetua.

Todas las anécdotas y relatos son acompañados de certeras fotografías o ilustraciones,  algunas de ellas rescatadas del archivo personal de la autora, y otras sustraídas de revistas de época.

Al final de cada  artículo, se incluyen  además, frases o poseías relacionadas con el tema elegido. Y como si fuera poco,  el prólogo es del profesor Néstor de la Llana.

Sin dudas que este libro, una preciosa edición a todo color  de casi 150 páginas, es un excelente regalo para estas navidades.

martes, 11 de diciembre de 2018

11 y 14dic18: Tully

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Aviso a los socios: 

la presentación del libro de Olga Aguiar se realizará 
el lunes 17 de diciembre a las 19.30 horas. 
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Título original Tully
Año 2018
Duración 94 min.
País Estados Unidos
Dirección Jason Reitman
Guion Diablo Cody
Música Rob Simonsen
Fotografía Eric Steelberg
Reparto Charlize Theron,  Mackenzie Davis,  Mark Duplass,  Emily Haine,  Ron Livingston, Elaine Tan,  Maddie Dixon-Poirier,  Lia Frankland
Productora Bron Studios / Right Way Productions / Denver and Delilah Productions. Distribuida por Focus Features
Género Comedia. Drama
Clasificación: +12 años
Sinopsis Marlo (Charlize Theron) es una madre con tres hijos, el último recién nacido, que recibe un inesperado regalo de parte de su hermano (Mark Duplass): una niñera para que le ayude por las noches. Al principio le parece una extravagancia, pero Marlo acaba teniendo una relación única con Tully (Mackenzie Davis), una joven niñera amable, sorprendente y, en ocasiones, difícil. (FILMAFFINITY)
Crítica:
La joven vida de Juno, la primera colaboración del director Jason Reitman con la libretista Diablo Cody (que consiguió un Oscar) era un drama sobre el embarazo adolescente disfrazado de comedia. El mismo planteo estaba en Young Adult, la primera colaboración entre Reitman, Cody y Charlize Theron, sobre la crisis de mediana edad de una mujer.
Así, Tully, que los vuelve a unir a los tres (y que cierra implícitamente una trilogía sobre la maternidad) , es otra presunta comedia sobre un tema dramático: la depresión post parto. Marlo (Theron, quien aumentó 25 kilos para el papel) acaba de tener su tercer hijo que no vino con un pan bajo el brazo pero sí con un montón de problemas: se siente extraña en su cuerpo, insegura, agobiada por las responsabilidades, con un marido (Ben Livingston) dedicado a trabajar, jugar Play Station (¡en la cama!) y ayudar poco en la casa, un hijo del medio con problemas en el colegio y otras instancias que muchas mujeres no necesitan que nadie se las explique.
Cuando no da más, Marlo cede a su resistencia inicial a llamar a una niñera nocturna, Tully (Mckenzie Davis), una veinteañera de actitud positiva y energía inalterable. Las dos empiezan a compartir cierta complicidad y el asunto empieza a funcionar: la madre duerme, despierta algunos instintos muy dormidos de su marido y todo parece mejorar. “Por primera vez veo en colores”, dice Marlo. Si todas la madres tuvieran una Tully.
Cody escribió el guión después de que naciera su tercer hijo, así que hay conocimiento de causa. Aunque cae en algunos facilismos y el final rompe el contrato con el espectador, hay buenos diálogos y situaciones bien resueltas. Reitman encuadra apretando a los personajes para dar una idea de esa opresión y hay un montaje que deja muy claro el agobio de sus rutinas.
Y está Theron, claro, que acá vuelve a lucirse.
Fernán Cisnero en El País
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martes, 4 de diciembre de 2018

4 y 7dic18: Dos orientales


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Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis.

Título original Dos orientales
Año 2017
Duración 70 min.
País Uruguay
Dirección Sofía Casanova,  Sofía Córdoba
Música Hugo Fattoruso, Tomohiro Yahiro
Fotografía Sofía Córdoba
Reparto Documentary,  Hugo Fattoruso,  Tomohiro Yahiro
Productora Sadhu Producciones
Género Documental | Documental sobre música
Clasificación: ATP
Sinopsis Dos Orientales es un documental musical sobre el dúo de jazz fusión que integran Hugo Fattoruso y Tomohiro Yahiro. La película invita a sumergirse en el mundo creativo de estos dos experimentados músicos que provienen de países muy distantes: Uruguay y Japón. Hermanados por su pasión y por su carisma, comparten rutas y partituras alrededor del mundo desde 1997 hasta hoy. (FILMAFFINITY)
Crítica:
Exhibido ya el año pasado en diversos festivales como ser el Latin Beat Film, el Atlantidoc y el Detour, el documental Dos Orientales (2017) se estrena oficialmente por primera vez en el país, en la Sala B y Dodecá en Montevideo, y en salas de Rocha, Salto, Canelones, Colonia, Florida, Río Negro, Paysandú y Salto.
Las directoras, Sofía Casanova y Sofía Cordoba, nos traen un documental sobre músicas y países que corren paralelos de a momentos, y que se entrecruzan de a otros. ¿Qué hay de japonés en Uruguay y viceversa? ¿Qué vínculos se pueden establecer entre las costumbres niponas y las nuestras? ¿Y qué sucede cuando músicos de dos países tan distantes geográficamente se encuentran? Una película acerca del vínculo musical que Tomohiro y Fattoruso fueron construyendo con los años, realizando diversos shows en ambos extremos del mundo. Presentada como “un viaje musical entre dos culturas”, la película explora las conexiones y desconexiones entre Japón y Uruguay, el diálogo entre sus músicas y costumbres, acompañando y escarbando la experiencia que estos dos músicos, tan paradigmáticos, tienen al crear música  juntos.
Yahiro Tomohiro nació en Tokio en el año 1961. Hugo Fattoruso nació en Montevideo el 29 de julio de 1943. Tomohiro es percusionista, y Fattoruso es un multiinstrumentalista conocido por la fusión de géneros folclóricos con el jazz, su habilidad pianística y vocal. Se encontraron en algún momento de 1997, y el documental se encarga de mirar retrospectivamente y en el presente, explorando así qué sucede cuando dos culturas, aparentemente tan disímiles, se encuentran en lo musical y vivencial.
Andrea Pérez en Revista Film.

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Mensaje a los socios despedida 2018


Estimados socios.
Al terminar 2018, pensamos que es oportuno contarles algunas cosas que nos dejó éste año que se va.
Luego de hacer arreglos en la sala principal (cielo raso, iluminación, pantalla, etc.), tuvimos la necesidad de cambiar el proyector digital por uno con mayor resolución de imagen (los resultados fueron excelentes).
También compramos un nuevo equipo de audio, que redundó en un mejor sonido.
Se pidió la colaboración del Arquitecto ROBAINA de la Intendencia  Departamental de Rocha, para realizar un proyecto edilicio en el patio. Éste hizo un acertado proyecto de una sala multiusos. Pero al analizar la cantidad de éste tipo de salas en nuestra ciudad, consideramos que no era adecuado seguir aumentando la oferta para una demanda muy pequeña.
Por eso es que construimos un parrillero conectado a la sala de reuniones, que servirá para reunirse entre amigos y recibir invitados (sala que está a disposición de los socios).
Con respecto a la programación, sólo algunas de las películas de este año,  a modo de repaso:
LOVING VINCENT, ELLE, DUNKERKE, SANGRE DE CAMPEONES, PARÍS PUEDE ESPERAR, EL HILO FANTASMA, LA FORMA DEL AGUA, EL BAR, BUSCANDO A FELLINI, LAS HEREDERAS, VIENTO SALVAJE, LA LIBRERÍA, EL ÚLTIMO TRAJE, MAUDIE
Ya ven, de todos los orígenes y géneros.
VEREMOS EN EL 2019 QUÉ NOS ESPERA…
SÓLO NOS RESTA DESEARLES :
¡FELICES FIESTAS!

Programación de diciembre '18



martes, 27 de noviembre de 2018

27 y 30nov18: Maudie


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Título original Maudie
Año 2016
Duración 115 min.
País Canadá
Dirección Aisling Walsh
Guion Sherry White
Música Michael Timmins
Fotografía Guy Godfree
Reparto Ethan Hawke,  Sally Hawkins,  Kari Matchett,  Gabrielle Rose,  Zachary Bennett, Billy MacLellan,  Marthe Bernard,  Lawrence Barry,  David Feehan,  Mike Daly, Nik Sexton,  Greg Malone,  Brian Marler,  Judy Hancock,  Denise Sinnott
Productora Coproducción Canadá-Irlanda; Landscape Entertainment / Parallel Film Productions / Rink Rat Productions / Solo Productions
Género Drama | Pintura. Discapacidad. Biográfico. Basado en hechos reales
Calificación: + 9 años
Sinopsis Maud Dowley (Sally Hawkins) es una mujer alegre de Nueva Escocia que sueña con independizarse de su protectora familia. Everett Lewis (Ethan Hawke) es un huraño pescador local que busca asistenta. Tras ver su anuncio, Maudie no tarda en mudarse a casa de Everett para encargarse de las tareas del hogar. Pero lo que comienza siendo una difícil convivencia entre dos polos opuestos poco a poco irá transformándose en una historia de amor... Basada en hechos reales, la película cuenta la historia de la pintora canadiense Maud Lewis, de su relación con el que se convirtió en su inseparable compañero de vida, Everett Lewis, y de cómo sus sencillas pinturas llegaron a ser vistas y reconocidas por todos los rincones del país convirtiéndola en una de las artistas folk más representativas de Canadá. (FILMAFFINITY)

Premios 2017
Canadian Screen Awards: Mejor película

Critica
Basada en hechos reales, esta humilde producción de la guionista canadiense Sherry White y la directora irlandesa Aisling Walsh, recrea el romance inusual vivido en Nueva Escocia durante décadas por Everett Lewis (en pantalla, Ethan Hawke), vendedor de pescado sin apenas educación, y Maud Lewis ( Sally Hawkins), pintora amateur que disfrutó de cierta notoriedad y que sufrió desde la juventud artritis reumatoide. White y Walsh sacan a flote, sin concesiones al buen rollo ni la corrección política, una historia mínima sobre personas que, pese a tenerlo todo en contra –lugar y época de nacimiento, infinitos prejuicios ajenos, problemas físicos o psicológicos– no renuncian, ni a amar, ni a comprender al otro; aunque sus escasas herramientas afectivas, hagan que lo que obtienen sea una felicidad difícil de reconocer como tal. Apoyándose en las interpretaciones de dos actores con estilos diferentes, y en una realización sutil que juega con elipsis precisas y la observación de los personajes a través de marcos de puertas y ventanas, Maudie: El color de la vida acaba por trascender su modestia para transmitir un mensaje emotivo sobre la necesidad de la expresión personal para otorgar nobleza al mundo.
Diego Salgado en Guia del ocio.

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martes, 20 de noviembre de 2018

20 y 23nov18: Animal


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Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis

Título original Animal
Año 2018
Duración 112 min.
País Argentina
Dirección Armando Bo II
Guion Nicolás Giacobone, Armando Bo II
Música Pedro Onetto
Fotografía Javier Juliá
Reparto Guillermo Francella,  Carla Peterson,  Gloria Carrá,  Marcelo Subiotto, Mercedes De Santis,  Federico Salles,  Majo Chicar,  Joaquín Flamini
Productora Rebolucion / MyS Producción / Telefé / Bowfinger International Pictures
Género Thriller
Calificación:  + 15 años
Sinopsis Antonio Decoud es un hombre de familia conservador que se ve obligado por el destino a enfrentar una situación inesperada que lo sacude hasta el núcleo, revolviendo su vida y sus prioridades, empujándolo a olvidar sus creencias y su forma de entender la vida y seguir el instinto más básico: el instinto animal. (FILMAFFINITY)

Premios 2018: Festival de Sitges: Sección oficial a competición

Critica:
Caso curioso el de Animal: es una buena película difícil de recomendar. Porque no se la disfruta ni un poco: se la sufre. “Es jodido que una película no te provoque nada”, dice Armando Bo, y es consecuente con sus palabras. En seis años pasó de emocionar con la dulzura melancólica de El último Elvis a retorcernos las tripas con este thriller desesperante, que bien podría haber sido uno de los Relatos salvajes de Damián Szifron.
Como desde El secreto de sus ojos a esta parte, Guillermo Francella vuelve a despegarse de sus mohínes de cómico y se calza con solvencia la máscara dramática para meterse en la piel de Antonio, un hombre de cincuentilargos con una apacible vida pequeñoburguesa. Trabajo jerárquico bien remunerado, chalet, camioneta, dos hijos adolescentes que lo quieren, un bebé adorable, y Susana, una esposa cariñosa y comprensiva (una sólida Carla Peterson). Pero este aceitado engranaje se traba cuando Antonio sufre un problema de salud que requiere de un trasplante.
Un experimento ficcional rendidor: exponer a un hombre común a una situación límite, provocarle un apocalipsis personal y mostrar cómo reacciona. La pregunta de base es hasta dónde es capaz de llegar y cuánto puede sacrificar un ser humano con tal de sobrevivir. Aquí el dilema se extiende a su entorno: ¿qué están dispuestos a resignar sus parientes de sus propias, cómodas existencias con tal de que su amado padre o marido salga adelante?
Este juego existencial de egoísmos se complica porque no se circunscribe únicamente al circuito familiar, sino que incluye a una pareja que aparece como una solución posible al intríngulis. Pero Elías y Lucy (Federico Salles y Mercedes De Santis, dos revelaciones) son el reflejo invertido de Antonia y Susana: jóvenes, marginales, viven fuera de cualquier convención social. Parecen un eslabón perdido del clan Manson.
Pero lo que los hace inquietantes, tanto para Antonio como para los espectadores, es su imprevisibilidad. ¿Son dos psicópatas hanekianos al estilo de Funny Games o apenas un par de vagos patéticos? Otro experimento ficcional interesante, en la línea de Cabo de Miedo: confrontar a un burgués asustado con un lumpen fuera de control, a ver cuál de los dos resulta más peligroso.
Al ritmo de estos dos personajes ambiguos, la película entra en una vorágine de angustia, apenas matizada por toques de humor negro. Una Mar del Plata invernal y desolada es el marco perfecto para el proceso de descomposición humana que va sucediendo ante nuestros ojos. Un proceso tan repugnante que, aun sin escenas explícitas de violencia, hace que salgamos del cine con un regusto nauseabundo en la boca.
Gaspar Zimerman en Clarín

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martes, 13 de noviembre de 2018

13 y 16nov18: Basada en hechos reales



Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis

Título original D'après une histoire vraie
Año 2017
Duración 110 min.
País Francia
Dirección Roman Polanski
Guion Olivier Assayas, Roman Polanski (Novela: Delphine de Vigan)
Música Alexandre Desplat
Fotografía Pawel Edelman
Reparto Emmanuelle Seigner,  Eva Green,  Vincent Pérez,  Damien Bonnard, Camille Chamoux,  Josée Dayan,  Noémie Lvovsky,  Dominique Pinon,  Brigitte Roüan, Alexia Séféroglou
Productora Coproducción Francia-Bélgica; Wy Productions / Belga Productions / Belga Films Fund
Género Thriller. Drama | Thriller psicológico
Calificación: + 9 años
Sinopsis Delphine (Emmanuelle Seigner) es una sensible y atormentada novelista de éxito, paralizada ante la idea de tener que comenzar a escribir una nueva novela. Su camino se cruza entonces con el de Elle (Eva Green), una joven encantadora, inteligente e intuitiva. Elle comprende a Delphine mejor que nadie, y pronto se convierte en su confidente. Delphine confía en Elle y le abre las puertas de su vida. Pero ¿quién es Elle en realidad? ¿Qué pretende? ¿Ha venido para darle un nuevo impulso a la vida de Delphine o para arrebatársela? (FILMAFFINITY)

Premios 2017:
Festival de Cannes: sección oficial (fuera de concurso)

Critica:
La obsesión y la apropiación de la voluntad como génesis de conflictos humanos profundos no exentos de alienación, es el disparador temático de Basada en hechos reales, el ultimo film del genial realizador franco-polaco Román Polanski, que fue presentado fuera de concurso en el Festival de Cannes.
Este largometraje indaga en el complejo y turbulento universo interior de una escritora de best sellers, que padece un grave bloqueo y necesita perentoriamente recuperar su capacidad de crear.
Con bastante más de medio siglo de carrera cinematográfica a cuestas, Roman Polanski es, sin dudas, un artista mayor, que inició su exitoso periplo en el cine en la década del sesenta, con El cuchillo bajo el agua (1962), Repulsión (1965) y Cul-de-Sac (1966), títulos referentes que ya revelaban su predilección por la construcción de atmósferas opresivas y micro-mundos humanos clausurados.
Su obra, que incluye comedias negras de trazo satírico como La danza de los vampiros (1967), ¿Qué? (1973) y Un dios salvaje (2011), conoció un gran suceso de taquilla con la emblemática El bebé de Rosemary (1968) y con el excitante thriller Búsqueda frenética (1988), entre otros títulos.
Sin embargo, su cima artística la alcanzó con filmes de la talla de Barrio chino (1974), El inquilino (1976), Tess (1979) y la laureada El pianista (2001), sin olvidar su personalísima y poco recordada pero excelente adaptación al cine de Macbeth (1971), el célebre clásico de William Shakespeare.
En medio de un controvertido caso judicial que lo enfrenta desde hace décadas a una severa acusación por abuso sexual a una menor, a los 84 años de edad el famoso realizador sigue derramando su sabiduría artística.
Luego de La piel de Venus (2013), en la cual Polanski plantea un cuadro de compulsiones cuasi patológicas contaminadas por el masoquismo y la sumisión, Basada en casos reales es una suerte de thriller marcado por la obsesión, una de las temáticas predilectas del autor.
Esta historia es la adaptación de la novela homónima de la escritora Delphine de Vigan, que indaga en la tormentosa psicología de una exitosa escritora.
En ese contexto, la protagonista de esta película es Delphine Dayrieux (Emmanuelle Seigner, la esposa del propio Polanski), una autora de best sellers que se encuentra virtualmente agobiada por la fama y la perentoria necesidad de seguir creando.
Sin embargo, el propio agotamiento provocado por el asedio de sus consecuentes lectores sumado a la falta de motivación, genera en ella un dramático bloqueo.
Víctima del éxito de mercado, Delphine afronta un angustiante dilema: seguir escribiendo para satisfacer la oferta aunque esa producción no sea de calidad o encarar un proyecto no tan rentable pero que la colme desde el punto de vista artístico.
Esa situación de virtual extenuación se advierte desde el comienzo de la historia, cuando la escritora participa en una maratónica sesión de firma de libros.
Esa experiencia, que por lo reiterada la agota y la aburre, la sitúa al borde de un colapso emocional. Sin embargo, ese es el peaje que debe pagar por el resonante suceso editorial de su obra.
En esa circunstancia y por imperio de la causalidad y no de la casualidad, la protagonista conoce a la intrigante Elle (Eva Green), una escritora fantasma que comparte también la pasión por la literatura y se declara ferviente admiradora de la autora.
Usufructuando la extrema vulnerabilidad de Delphine –una mujer casi abandonada por su pareja e ignorada por sus hijos- la extraña y seductora fan se apropia virtualmente de su vida y de sus espacios, al punto de mudarse con ella.
En ese marco, la relación entre ambas se transforma en enfermiza y en un vínculo invasivo y prostituido por la obsesión, a tal punto que Elle cocina, acondiciona la casa, se encarga de responder sus cartas y sus correos electrónicos y hasta insólitamente se atreve a suplantarla en una entrevista.
Esa suerte de apropiación y hasta de ejercicio de dominación deviene inexorablemente en drama, cuando la deprimida novelista advierte que está perdiendo su libertad y que es víctima de una persona que -por su propia historia y sus recurrentes fantasías- es realmente una desquiciada.
Mediante un ritmo moroso pero no menos intrigante que es característico de su cine, Román Polanski construye un paisaje humano de atmósferas tensas e inquietantes.
En esas circunstancias, lo que inicialmente era un drama muta en thriller, con dos mujeres que se alienan mutuamente en una relación que tiene mucho de patológica.
Román Polanski, que compartió el guión con el también cineasta Olivier Assayas, transforma a este relato, aunque no siempre lo logra, en un auténtico duelo de voluntades.
Para ello, apela en mesuradas dosis a la violencia –más a la psicológica que a la física- con el propósito de describir un universo humano donde prevalecen las conductas perturbadas y a la vez perturbadoras. No en vano la escritora padece acoso, insultos y mensajes amenazantes.
Si bien esta película tiene la impronta artística de Polanski, el producto está muy lejos de colmar las expectativas que genera- con absoluta razón- cada nuevo título del emblemático creador.
Pese a las excelentes actuaciones protagónicas de Emmanuelle Seigner y de Eva Green, el desmerecido guión -extrañamente elaborado por dos cineastas consagrados- no logra conmover ni dotar al relato del ritmo ni del impacto requerido.
Hugo Acevedo (Publicada en Revista Onda Digital, 16/04/2018)

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martes, 6 de noviembre de 2018

6 y 9 nov18: El ultimo traje


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Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis

Título original El último traje
Año 2017
Duración 86 min.
País Argentina
Dirección Pablo Solarz
Guion Pablo Solarz
Música Federico Jusid
Fotografía Juan Carlos Gómez
Reparto Miguel Ángel Solá,  Ángela Molina,  Martín Piroyansky,  Natalia Verbeke, Julia Beerhold,  Olga Boladz,  Jan Mayzel,  Maarten Dannenberg
Productora Coproducción Argentina-España; Zampa Audiovisual / Tornasol Films / Hernández y Fernández PC / Rescate Producciones AIE / Haddock Films / Patagonik Films Group
Género Drama | Holocausto. Vejez
Clasificación: +15
Sinopsis Narra el viaje de Abraham (Miguel Ángel Solá), un sastre judío de 88 años que decide embarcarse en la aventura de encontrar a un viejo amigo que le salvó hace más de siete décadas de una muerte segura durante el holocausto, hacia el final de la ocupación Nazi. (FILMAFFINITY)
Crítica:
“Te debo la vida”. ¿Cuánto vale esa deuda? ¿Hasta dónde se puede llegar para igualar ese saldo contable vital? Se atreve a lanzar su apuesta en su segundo largometraje Pablo Solarz (Juntos para siempre), guionista bipolar que por un lado bordó las Historias mínimas de Carlos Sorín y, por otro, escribió algunas de las comedias más rentables y cómodas del cine argentino (Un novio para mi mujer, Me casé con un boludo). Aunque Solarz tiene que alejarse del humor para encuadrar esta historia de sustrato real, usa parte del humanismo de aquellos geniales encuentros patagónicos para narrar la odisea mínima de un judío polaco instalado desde 1945en Buenos Aires, empeñado en devolver un traje a la persona que le salvó la vida en Varsovia tras el Holocausto. La misma humanidad desborda los relatos de ambos filmes. Aseada y solventemente protagonizada por un Miguel Ángel Solá caracterizado en exceso, el tono teatral de su trabajo aporta una solemnidad que funciona en contraste con los diferentes perso najes que encuentra en su periplo (taxis, aviones, trenes; Argentina, Madrid, París, Polonia). La tontuna del músico en el avión, la naturalidad de Ángela Molina en la noche madrileña (el Toni2, ese templo) y la mano izquierda de la alemana que sabe yiddish (aquí, sinónimo de “latín”) le ayudan a saldar cuentas consigo mismo. Con la deuda de su amigo sastre no hacían falta más idiomas, bastaba un abrazo.
Carlos Marañon en Cinemania.

Trailer:


Programación de noviembre '18.



martes, 30 de octubre de 2018

30oct y 02nov18: Un amor inseparable


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Título original The Big Sick
Año 2017
Duración 119 min.
País Estados Unidos
Dirección Michael Showalter
Guion Emily V. Gordon, Kumail Nanjiani
Música Michael Andrews
Fotografía Brian Burgoyne
Reparto Kumail Nanjiani,  Zoe Kazan,  Holly Hunter,  Ray Romano,  Linda Emond,  Vella Lovell, Bo Burnham,  Aidy Bryant,  Matty Cardarople,  Adeel Akhtar,  Anupam Kher, Shenaz Treasury,  Kurt Braunohler,  Rebecca Naomi Jones,  Celeste Arias, Myra Turley
Productora Filmnation Entertainment / Story Ink
Género Romance. Drama. Comedia | Comedia romántica. Comedia dramática. Enfermedad. Basado en hechos reales. Cine independiente USA
Calificación: + 12 años
Sinopsis Cuenta la historia real de Kumail y Emily, una pareja que se conoce en un espectáculo de comedia. Cuando parecía que todo iba a quedarse en un encuentro de una noche, su relación empieza a avanzar a pesar de las diferencias culturales, complicando las vidas de todos por las expectativas que tenían los padres de Kumail, musulmanes estrictos. (FILMAFFINITY)
Premios 2017
Premios Oscar: Nominada a mejor guion original
Premios Gotham: Nominada a mejor guion
Festival de Valladolid - Seminci: Premio Seminci Joven (ex aequo)
American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año
Premios Independent Spirit: Mejor guion novel
Critics Choice Awards: Mejor comedia. 6 nominaciones
Asociación de Críticos de Chicago: Nom. Mejor guion y actriz sec. (Hunter)
Satellite Awards: Nominada a mejor película y actriz secundaria (Hunter)
Sindicato de Productores (PGA): Nominada a Mejor película
Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guión original
Sindicato de Actores (SAG): Nominada a mejor reparto y actriz sec. (Hunter)
Crítica
Los tuyos, los míos y el coma
Inspirados en peripecias autobiográficas de su propia relación amorosa, Emily Gordon y Kumail Nanjiani escribieron la historia de un standapero de origen paquistaní (interpretado por el propio Nanjiani) que empieza a salir con una estadounidense blanca, pero mantiene la relación oculta a sus padres, que quieren que sea un buen musulmán y se case con una correligionaria. Este detalle hace que la pareja se separe, pero entonces Emily se enferma y él debe lidiar con otro par de padres: los de ella.
Comedia romántica pasada por el tamiz de la llamada Nueva Comedia Americana (uno de los productores fue Judd Apatow), The Big Sick -tal su título original- tiene el espíritu de una sitcom pasada o algunas series actuales, con Seinfeld, Louie, Love -otro producto con el sello de Apatow-, Togetherness o Master of None como parientes posibles. Porque explora las relaciones de pareja, con las bambalinas del mundillo de los standaperos -ahí están los esfuerzos de Kumail y sus colegas por hacerse un nombre en el competitivo negocio de la comedia- como telón de fondo.
El guión -que consiguió la única nominación de la película al Oscar- oscila entre diálogos divertidos y otros donde la autoconciencia de los personajes es exasperante. Gran parte de los chistes pasa por la incomodidad de las situaciones, como cuando en el hospital, mientras esperan noticias sobre la salud de Emily, el padre de ella le pregunta a Kumail por su opinión sobre el 11-S y él responde: “Fue una tragedia. Perdimos a 19 de nuestros mejores hombres”. El padre lo mira sin poder creerlo.
La cuestión racial tiene tanto peso como los vínculos familiares: Nanjiani denuncia la islamofobia riéndose de ella, y sin por ello dejar de reírse de los preceptos religiosos que su propia familia quiere obligarlo a seguir. A tal punto, que las escenas de Kumail con sus padres, su hermano y su cuñada son de lo mejor de la película.
Fallan los protagonistas: ni Nanjiani (conocido por su papel en la serie Silicon Valley) ni Zoe Kazan -mucho menos, Ray Romano y la sobreactuada Holly Hunter- son lo suficientemente graciosos o queribles como para que The Big Sick despierte algo más que una mueca de simpatía.
Gaspar Zimerman en Clarin

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martes, 23 de octubre de 2018

23 y 26oct18: La librería


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Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis

Título original The Bookshop (La librería)
Año 2017
Duración 115 min.
País España
Dirección Isabel Coixet
Guion Isabel Coixet (Novela: Penelope Fitzgerald)
Música Alfonso de Vilallonga
Fotografía Jean-Claude Larrieu
Reparto Emily Mortimer,  Patricia Clarkson,  Bill Nighy,  Honor Kneafsey,  James Lance, Harvey Bennett,  Michael Fitzgerald,  Jorge Suquet,  Hunter Tremayne, Frances Barber,  Gary Piquer,  Lucy Tillett,  Nigel O'Neill,  Toby Gibson, Charlotte Vega,  Nick Devlin
Productora Coproducción España-Reino Unido-Alemania; Green Films / A Contracorriente Films / Diagonal Televisión / Zephyr Films / ONE TWO Films
Género Drama | Años 50. Drama de época
Calificación: ATP
Sinopsis En un pequeño pueblo de la Inglaterra de 1959, una joven mujer decide, en contra de la educada pero implacable oposición vecinal, abrir la primera librería que haya habido nunca en esa zona. (FILMAFFINITY)

Premios  2017-18
Premios Goya: Mejor película, dirección y guion adaptado. 12 nominaciones
Premios Feroz: 3 nominaciones, incluyendo Mejor director
Premios Gaudí: Mejor dirección artística y Mejor música original. 12 nominaciones
Festival de Berlín. Sección Oficial. Proyección Especial (Fuera de competición)
Premios Fénix: Nominada a mejor diseño de producción y vestuario
Premios Platino: Nominada a mejor película, dirección, guion y música

Critica:
Esta película habla de esas sensaciones. Y lo hace con un lenguaje, unos matices, un tono y una capacidad de sugerencia que me conmueven
Siento pereza inicial al embarcarme en La librería, la última película de Isabel Coixet, ya que, con la excepción de la preciosa Cosas que nunca te dije, mi desencuentro con su cine ha sido permanente. La frase que encabeza su cartel publicitario (“Entre libros, nadie puede sentirse solo”) es alentadora, pero también discutible. Mallarmé comienza así un poema: “La carne es triste, así es, y ya he leído todos los libros”. Conclusión desoladora y cierta en algunos casos trágicos. Existieron y existirán sensibles devoradores de poesía y literatura que acaban lanzándose al vacío, pudieron más la soledad y el acorralamiento que la impagable ayuda y el gozo que proporcionan los libros. El primer encuentro con ese codiciado libro siempre estará presidido por la magia, como describe maravillosamente Italo Calvino en el arranque de Si una noche de invierno un viajero. Esta película habla de esas sensaciones. Y lo hace con un lenguaje, unos matices, un tono y una capacidad de sugerencia que me conmueven y que en un par de modélicas secuencias protagonizadas por la entregada librera y un hombre que ha acorazado su ancestral aislamiento y su supervivencia gracias a las páginas impresas (en esa época ningún amante de los libros podría ni querría imaginar esa cosa tan antinatural y gélida del e-book) logran que se me humedezcan los ojos.
Isabel Coixet adapta una novela de Penelope Fitzgerald (el apellido impone literariamente) que desconozco, pero ansío leer. Su temática podrá parecer muy leve a los espíritus intensos. Yo creo que es muy rica. Narra el empeño de una viuda por abrir una librería en un pueblo de Inglaterra con nula empatía hacia la necesidad o la pasión de leer. A ella ese acto le sirve para suplir carencias afectivas, para vivir otras vidas, para soñar junto al mar con los personajes y los sentimientos que habitan los libros, esos objetos en los que siempre ocurren cosas. Los poderosos del pueblo, depredadores detrás de sus modales aristocráticos, declararan soterrada guerra a esa dulce intrusa, convencida de que lo que ella pretende vender puede suponer placer, conocimiento, aventura o bálsamo para unos cuantos vecinos. Será ayudada en su laboriosa misión por una niña imaginativa, inteligente, práctica y soñadora al mismo tiempo, y mantendrá emocionante contacto con un misántropo anciano que lleva 45 años encerrado en su mansión, alguien que me hace pensar en el estremecedor poema de Gil de Biedma: “En un pueblo junto al mar, poseer una casa y poca hacienda y memoria ninguna. No leer, no sufrir, no escribir, no pagar cuentas, y vivir como un noble arruinado entre las ruinas de mi inteligencia”. Sin embargo, mi héroe sí lee y también paga cuentas.
La librera le descubrirá al excelso Ray Bradbury y sus Crónicas marcianas. Y la existencia del misántropo anhelará la publicación de Las doradas manzanas del sol y El vino del estío. Y el gran Nabokov desafiará a la moral convencional con la turbadora y extraordinaria Lolita. Y se crearán vínculos muy hermosos entre estos dos náufragos, que desearían haberse conocido en otra vida.
El pequeño milagro de Penelope Fitzgerald
Coixet describe todo esto con una delicadeza y un tono cercanos a la orfebrería. Imágenes, diálogos, silencios, pequeños y reveladores gestos conviven en armonía, arropados por una atmósfera magnética y veraz. Su intimismo es contagioso. Y la historia que me han contado sigue conmigo durante el resto del día. Se supone que ocurren pocas cosas, pero me ha tocado y reconozco en qué fibras emocionales. La llevo dentro.
Carlos Boyero en El País de Madrid

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miércoles, 17 de octubre de 2018

16 y 19oct18: Happy end

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Título original Happy End
Año 2017
Duración 110 min.
País Austria
Dirección Michael Haneke
Guion Michael Haneke
Fotografía Christian Berger
Reparto Isabelle Huppert,  Jean-Louis Trintignant,  Mathieu Kassovitz,  Fantine Harduin, Toby Jones,  Franz Rogowski,  Laura Verlinden,  Aurélia Petit,  Hille Perl, Hassam Ghancy,  Nabiha Akkari,  Joud Geistlich,  Philippe du Janerand, Dominique Besnehard,  Bruno Tuchszer,  Alexandre Carriere,  Nathalie Richard, David Yelland,  Maryline Even,  Frédéric Lampir,  Jack Claudany,  Waël Sersoub, Marie-Pierre Feringue,  Maëlle Bellec,  David El Hakim,  Timothé 'Tim' Buquen
Productora Coproducción Austria-Francia-Alemania; Les Films du Losange / X Filme Creative Pool / Wega-Film / arte France Cinéma / France 3 Cinéma / Westdeutscher Rundfunk (WDR) / Bayerischer Rundfunk (BR) / Arte France / Canal+ / Ciné+ / Centre National de la Cinématographie / France Télévisions / ORF Film/Fernseh-Abkommen / Filmförderungsanstalt / Eurimages
Género Drama | Familia
Calificación + 12 años
Sinopsis
La película gira en torno a una familia burguesa que posee una empresa en Calais, al lado de los campamentos donde viven miles de refugiados. (FILMAFFINITY)

Premios 2017
Festival de Cannes: Sección oficial
Premios del Cine Europeo: Nominada a Mejor actor (Trintignant) y Actriz (Hu

Crìtica
La última película de Michael Haneke puede ser considerada como un compendio de todo su cine al reunir todas sus obsesiones, críticas y recursos narrativos.
Haneke vuelve a centrar su discurso en la crítica hacia esa burguesía ajena al dolor de los demás que tanto le gusta retratar. Su desdén por las nuevas tecnologías también está presente, solo que en este caso sustituye la televisión por móviles y ordenadores y se preocupa por el poder nocivo que tienen aplicaciones como Snapchat o Youtube.
En Happy End se retoman ciertos personajes que de una forma u otra aparecieron en películas anteriores, como la adolescente que graba imperturbable sus crímenes u otros que es mejor que descubráis por vosotros mismos.
Los recursos narrativos habituales también se repiten en Happy End. No podemos olvidarnos de los planos secuencias, los largos silencios, la violencia simbólica (aquella que es realizada fuera de cámara) o la total ausencia de explicación sobre lo que estamos viendo.
A todo esto se une el hecho de que Happy End es la película más autorreferencial de Michael Haneke. Desde el comienzo asistimos a una película que gira en torno a las obsesiones del cineasta austriaco. “Benny’s Video” es la primera de muchas referencias, entre las que se pueden encontrar guiños a otras como “Funny Games”, “La Cinta Blanca”, “Caché (Escondido)” o “La Pianista”. Aunque la referencia más clara e impactante es “Amor” al ser Happy End una especie de secuela espiritual de la película que le dio un Oscar.
Otto Buendía en Cinemagavia.es

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martes, 9 de octubre de 2018

9 y 12oct18: Viento salvaje


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Título original Wind River
Año 2017
Duración 110 min.
País Estados Unidos
Dirección Taylor Sheridan
Guion Taylor Sheridan
Música Nick Cave, Warren Ellis
Fotografía Ben Richardson
Reparto Jeremy Renner,  Elizabeth Olsen,  Julia Jones,  Graham Greene,  Jon Bernthal, Matthew Del Negro,  Kelsey Chow,  Gil Birmingham,  Ian Bohen,  Martin Sensmeier, Hugh Dillon,  Eric Lange,  Mason D. Davis,  James Jordan,  Teo Briones,  Tara Karsian
Productora Thunder Road Pictures / Acacia Filmed Entertainment / Film 44 / Ingenious Media / Savvy Media Holdings / Star Thrower Entertainment / Synergics Films / Wild Bunch / Voltage Pictures / Tunica-Biloxi Tribe of Louisiana. Distribuida por The Weinstein Company
Género Thriller. Intriga | Policíaco. Crimen. Basado en hechos reales
Calificación: + 15 años

Sinopsis
Una joven agente del FBI se alía con un veterano rastreador local para investigar el asesinato de una joven ocurrido en una reserva de nativos americanos... (FILMAFFINITY)
Premios 2017
Festival de Cannes: Mejor director (Un Certain Regard)
Festival de Karlovy Vary: Premio del Público
National Board of Review (NBR): Mejores películas independientes del año
Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor nuevo director
Satellite Awards: Nominada a mejor actor (Jeremy Renner)

Critica
Taylor Sheridan había dado mucho que hablar con su guión de Sin nada que perder, la película que fue candidata al Oscar este año y que había tenido su debut en Cannes 2016. Tomaba la realidad social estadounidense envuelta en un thriller con aspecto de western. También libretista de Sicario, de Denis Villeneuve, debutó como director con Viento salvaje…, que pasó por el Festival de Sundance y explotó en Cannes 2017, en mayo.
Todo lo bueno que podía intuirse en Sin nada que perder, perdura en Viento salvaje. Hay una disputa entre una comunidad indígena, un hombre blanco que los conoce bien y es su lazo, y… los otros.
Entre ellos, una agente del FBI que recién comienza (Elizabeth Olsen, de Martha Marcy May Marlene) se úne a un cazador de coyotes (Jeremy Renner) en la investigación del asesinato de una joven en una reserva indígena. Ambos coincidieron en Capitán América: Civil War.
Pero esto es otra cosa…
Nada es ni será lo que parece. Cory Lambert es tan certero con su arma que parece que tuviera la mirada siempre fija en algo. Renner lo va construyendo a partir de actitudes y, sí, miradas. A su personaje también le pasó algo similar a lo de los padres de la chica asesinada, que le destruyó su vida y su matrimonio.
Hay una compañía de petróleo operando allí, en territorio indígena. Y muchos indicios de que algo grave sucedió. No contemos más.
Uno de los méritos de Sheridan como guionista es que va sumando apuntes, tensión, y cuando todo parece que va a estallar, bueno, deja que estalle. Hay quienes ya lo comparan con Sam Peckinpah, lo que suena a demasiado, o con Tarantino, pero el humor del director de Kill Bill es muy diferente al que puede destilar Sheridan.
Hay un excelente trabajo de cámara y de iluminación, que recortan los paisajes nevados, que aportan a la historia, tal vez no tan redonda como la de Sin nada que perder, pero que impacta, conmueve, atrapa y no suelta al espectador ni siquiera hasta llegar al desenlace.
Pablo O. Scholz en Clarin

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martes, 2 de octubre de 2018

02 y 05oct18: Las herederas

Las herederas


Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis

Título original Las herederas
Año  2018
Duración 97 min.
País Paraguay y otros
Dirección Marcelo Martinessi
Guion Marcelo Martinessi
Fotografía Luis Armando Arteaga
Reparto Ana Brun,  Margarita Irún,  Ana Ivanova,  Nilda González,  María Martins,  Alicia Guerra
Productora Coproducción Paraguay-Alemania-Brasil-Noruega-Uruguay; La Babosa Cine / Pandora Film / Mutante Cine / Norsk Filmproduksjon A/S / Esquina Filmes
Género Drama | Homosexualidad
Calificación: + 12 años
Sinopsis Narra la historia de dos mujeres de alta alcurnia de la sociedad paraguaya que heredaron suficiente patrimonio para vivir cómodamente. Pero a sus 60 años, el dinero ya no alcanza y la situación de ambas cambia. (FILMAFFINITY)
Premios 2018
Festival de Berlín: Premio Especial del Jurado, mejor actriz (Brun) y FIPRESCI
Premios Fénix: 7 nominaciones incluyendo mejor película, director y guion.

Critica:
Las herederas (Marcelo Martinessi, Paraguay, en coproducción con Alemania, Brasil, Francia, Noruega y Uruguay), de alguna manera, ya está de vuelta de la noción de lo convencional como “normal”. Lidia con una pareja de veteranas lesbianas, pero en ningún momento la homosexualidad es un tema. Tiene que ver con el desgaste de la relación, en la que Chela empieza a sentirse usada por Chiquita. Tiene que ver con una situación vital estancada que, de pronto, se desacomoda y se amplía cuando, bajo fuerte presión económica, Chela empieza a trabajar como remisera y, sobre todo, cuando conoce a una cuarentona glamorosa que la enamora. El inicio es depresivo, en esa casona oscura llena de muebles y objetos viejos que Chela y Chiquita son forzadas a vender para sobrellevar la crisis. Pero en el correr del metraje la película va ganando otras dimensiones. Hay interesantes y delicados apuntes sobre el clasismo de la sociedad paraguaya: la forma en que Chela y Chiquita tratan a su empleada Pati, y la manera en que sus clientes tratan a Chela cuando empieza a trabajar como remisera; el extrañamiento en las visitas a la cárcel femenina; todo eso mostrado en forma muy sutil, nada ostentosa ni maniquea. La película lidia también con la timidez y el pánico de enfrentar una nueva vida y buscar la felicidad. Hay un notable trabajo de fotografía y de edición de sonido (no hay música incidental), que potencian una cinematografía que juega constantemente con los fuera de campo. La interpretación de Ana Brun (Chela) ganó, en forma merecida, el Oso de Plata a la actuación femenina en el Festival de Berlín (donde Las herederas conquistó además los premios Alfred Bauer y Fipresci).
Guilherme de Alencar Pinto: Diario La Diaria

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Programación de octubre '18.



martes, 25 de septiembre de 2018

25 y 28set18: Dos son familia


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Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis

Título original Demain tout commence
Año 2016
Duración 115 min.
País Francia
Dirección Hugo Gélin
Guion Hugo Gélin, Mathieu Oullion, Jean-André Yerles (Historia: Guillermo Ríos, Leticia López Margalli, Eugenio Derbez)
Música Rob Simonsen
Fotografía Nicolas Massart
Reparto Omar Sy,  Clémence Poésy,  Gloria Colston,  Antoine Bertrand,  Karl Farrer, Anna Cottis,  Susan Fordham,  Phelim Kelly,  Richard Banks,  Attila G. Kerekes, Andy Mihalache,  David Lowe,  George Johnston,  John Heartstone,  Sian Altman, Alexandra Kiss,  Claire Ashton
Productora Vendôme Production / Mars Films / TF1 Films Production / Poisson Rouge Pictures
Género Comedia. Drama | Remake. Comedia dramática. Infancia. Familia. Cine dentro del cine
Clasificación: + 9 años
Sinopsis Samuel vive la vida sin responsabilidades en la playa en el sur de Francia. Hasta que un día, una de sus antiguos amores le deja en los brazos a un bebé de pocos meses, Gloria: su hija. Incapaz de cuidar de un bebé y decidido a devolverle la niña a su madre, Samuel se va a a Londres para tratar de encontrarla pero no tiene éxito. Remake de 'No se aceptan devoluciones' (2013), la película mexicana más exitosa de la historia. (FILMAFFINITY)

Critica:
Esta es una historia sencilla, pero no es fácil contarla. Un hombre mujeriego y juerguista descubre un buen día que es padre de un bebé del que tiene que hacerse cargo tras la huida de la madre. Lo que comienza como una comedia con gags y clichés propios del género se convierte pasada la primera media hora en una profunda reflexión sobre la paternidad, a través de dos personajes creados para devolvernos la fe en el ser humano: ese papá que crea para su pequeña un mundo de fantasía (una casa con tobogán, emails mensuales haciéndose pasar por su madre, parques de atracciones en horario escolar…) y una hija que nos abruma con sus contagiosas ganas de vivir.El talento de Omar Sy para la dramedia, de la que dio buena cuenta en Intocable, encuentra en la risueña Gloria Colston a la mejor aliada para enaltecer una historia de apariencia simple, pero que calibra con tanta precisión su tono tragicómico, que cuando menos lo esperamos dispara sin piedad contra nuestras emociones, para desbaratarlas antes de precipitarse hacia un final desgarrador. ¿Es un filme insólito? No, se trata del remake de la mexicana No se aceptan devoluciones. Sn embargo, más allá de la versión original, Hugo Gélin bebe de la grandeza de La vida es bella. Porque en esta historia, como en una fábula, hay dolor. Y, como una fábula, está llena de maravillas y de felicidad.
Janire Zurbano en Cinemanía

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lunes, 17 de septiembre de 2018

18 y 21set18: Madame

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Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis

Título original Madame
Año 2017
Duración 91 min.
País Francia
Dirección Amanda Sthers
Guion Amanda Sthers, Matthew Robbins (Historia: Amanda Sthers)
Música Matthieu Gonet
Fotografía Régis Blondeau
Reparto Harvey Keitel,  Toni Collette,  Rossy de Palma,  Michael Smiley,  Tom Hughes, Violaine Gillibert,  Stanislas Merhar,  Sue Cann,  Ariane Seguillon, Amélie Grace Zhurkin,  James Foley,  Brendan Patricks,  Tim Fellingham, Joséphine de La Baume,  Sonia Rolland
Productora LGM Cinéma SAS / Made in PM
Género Comedia. Drama | Comedia dramática. Sátira
Clasificación: + 9 años
Sinopsis Anne y Bob son un matrimonio de americanos que acaba de instalarse en París y han decidido celebrar una cena en la que reunir a miembros de la alta sociedad americana y parisina. Ella descubre en el último momento que el hijo del primer matrimonio de su marido también ha sido invitado, haciendo así que la cena tenga trece cubiertos. Por simple superstición, decide añadir un decimocuarto cubierto y le pide a su empleada doméstica María que se haga pasar por una rica española. Pero, el exceso de vino y una sugerente conversación hacen que María se encariñe accidentalmente con un marchante de arte inglés. Anne no aprueba este romance y tiene la firme intención de detenerlo. (FILMAFFINITY)


Yo creo que tú sabes... ¿Cómo era?
Típica comedia de enredos, pero que no por conocida no puede sacar sonrisas y alguna risita, Madame hace pie en las confusiones. El eje es precisamente cómo la mentira tiene repercusiones en unos y en otros personajes.
La base: una pareja de estadounidenses algo snobs y semidecadentes alquilan un caserón en París. Y Anne (Toni Collette) decide realizar una cena para reunir amigos e invitan algunos extranjeros. Son doce a la mesa, hasta que se autoinvita Steven, hijo de su marido Bob (Harvey Keitel) de un matrimonio anterior. Y ante el escozor que le provoca que sean 13 sentados a la mesa, le pide a una de sus mucamas, María (Rossy de Palma) que se haga pasar por una amiga española.
Por supuesto que las recomendaciones de Anne a María –que no hable, que no beba, que pase desapercibida- no se cumplen ni por asomo, y como Steven le dice a otro invitado, David, un dealer de obras de arte, que María es una condesa, éste empieza a acercarse y termina enamorándose.
El engaño en una pareja (los affaires de Anne y Bob) es una cosa, muy distinta al que realiza María. La confusión generalizada es que María cree que David –que está por autenticar si el Caravaggio que tienen colgado en una pared es obra del artista o es una falsificación- sabe cuál es su trabajo, y que él la ama igual.
Mejor directora de actores que dialoguista, la guionista y realizadora parisina Amanda Sthers deja que descansen en los hombros de sus intérpretes el peso de la película.
Y lo bien que hace. Es cierto que la australiana de Sexto sentido y la musa de Almodóvar están un escalón arriba que Keitel y el resto. Hay un duelo interpretativo que va más allá de la diferencia de clase social, la burguesa y la mucama.
Sin ser una comedia para destornillarse de la risa, Madame es un relato ameno, entretenido, que permite pasar una hora y media entre sonrisas.
Pablo O. Scholz en Clarín
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