Programación de setiembre 21

 

31ago21: Erase una vez en Holywood

 Trailer:

24ago21: Jojo Rabbit

Trailer.

19 y 26 de agosto: jueves de nostalgia.

 Por razones logísticas debimos suspender el ciclo de Tarantino, pero aprovechamos que agosto es el mes de la nostalgia para revivir dos grandes films de otros tiempos. 

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19 de agosto - 20.00 horas

TOP GUN

Trailer:

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26 de agosto - 20.00 horas

FLASHDANCE

Trailer:

-----¡¡FELIZ NOSTALGIA!!-----

17ago21: El oficial y el espía

 

Título original J'accuse

Año 2019

Duración 126 min.

País Francia

Dirección Roman Polanski

Guion Roman Polanski, Robert Harris. Novela: Robert Harris

Música Alexandre Desplat

Fotografía Pawel Edelman

Reparto Jean Dujardin, Louis Garrel, Emmanuelle Seigner, Grégory Gadebois, Hervé Pierre, Wladimir Yordanoff, Didier Sandre, Melvil Poupaud, Mathieu Amalric, Laurent Stocker, Eric Ruf, Vincent Pérez, Michel Vuillermoz, ver 10 más

Género Drama. Intriga | Biográfico. Histórico. Siglo XIX. Ejército. Años 1900 (circa)

Clasificación + 12 años

Sinopsis En 1894, el capitán francés Alfred Dreyfus, un joven oficial judío, es acusado de traición por espiar para Alemania y condenado a cadena perpetua en la Isla del Diablo, en la Guayana Francesa. Entre los testigos que hicieron posible esta humillación se encuentra el coronel Georges Picquart, encargado de liderar la unidad de contrainteligencia que descubrió al espía. Pero cuando Picquart se entera de que se siguen pasando secretos militares a los alemanes, se adentrará en un peligroso laberinto de mentiras y corrupción, poniendo en peligro su honor y su vida. (FILMAFFINITY)

Premios 2019

Festival de Venecia: Gran Premio del Jurado y Premio FIPRESCI

3 Premios César: Mejor director, guion adaptado y vestuario. 12 nominaciones

Premios del Cine Europeo: Nominada a mejor film, director, guion y actor

Premios David di Donatello: Nominada a mejor film extranjero

2020: Premios Goya: Nominada a mejor película europea

 Crítica:

Cada entrega de un grupo de directores ancianos, que han dotado de arte imperecedero a su obra, posee el aura de acontecimiento, ya que sabemos que el final creativo está cerca, que su relevo está complicado, que el cine será distinto o más pobre sin ellos. Algunos mantienen su muy frecuente estado de gracia, como Martin Scorsese, Woody Allen y Roman Polanski. Otros como Clint Eastwood y Francis Ford Coppola llevan demasiado tiempo perdidos, con películas mediocres o invisibles de las que se ha esfumado su viejo y colosal talento. Lamentablemente, el nombre de Polanski aparece en los medios de comunicación hasta la saciedad en los últimos tiempos por una villanía que cometió hace 43 años, la violación de una cría a la que había emborrachado y drogado. No sé si ha pagado suficientemente su culpa, pero lo que está claro es que antes y después de ese escabroso delito ha construido una de las filmografías más inteligentes, perturbadoras y oscuras de la historia del cine, protagonizada casi siempre por el mal, real o abstracto, humano o satánico, realista o psicológico.

Por ello, me acerco a su última película El oficial y el espía con máximas y justificadas expectativas. Vuelve al cine de época, como hizo con resultados memorables en El pianista y en Tess, para contar la historia de una estratégica barbarie, una conveniente mentira, un montaje siniestro cometido por el ejército francés, por la justicia militar, contra un hombre inocente. Ocurrió en 1894 y el capitán que fue acusado de espiar para los alemanes se llamaba Alfred Dreyfus. El gran poder planificó esa calumnia, degradó a la víctima y la sentenció a cadena perpetua en la siniestra isla del Diablo, con una justificación mezquina que le venía muy bien ante gran parte de la opinión pública. Ese hombre era judío. Y los pogromos han existido desde tiempos remotos, no los inventó Hitler, aunque sí la escalofriante solución final.

Polanski narra con un estilo que te remite afortunadamente al cine de otra época la alucinada y más que arriesgada investigación del coronel Georges Picquart en busca de la muy escondida verdad, su constatación de que todo dios, desde los altos mandos a los subalternos de confianza, estaba pringado en condenar a un inocente. Lo hace sin apelar al sentimentalismo, sin subrayar nada, con tanto poderío expresivo como sutileza. No se centra en Dreyfus, acorralado monstruosamente pero también alguien escasamente atractivo, sino en su defensor Picquart, un tipo sin la menor empatía hacia los semitas, pero también un auténtico profesional, un hombre honesto que investiga en la gran cloaca del ejército, que se niega a cumplir órdenes y a cerrar los ojos ante la gran mentira que quieren imponerle los de arriba. A costa de jugarse su carrera o su propia vida. No pretende ser un héroe, solo es un tipo que desea quitarse la venda de sus ojos, que cree en su profesión, tiene lo que hay que tener, hace lo que hay que hacer.

Veo en un pase privado El oficial y el espía en compañía de un amigo que lleva décadas hurgando con éxito en las grandes corrupciones políticas, financieras, institucionales. Al terminar nos confesamos al mismo tiempo que está muy bien lo que hemos visto pero no nos ha emocionado. Sin embargo, durante varios días seguimos hablando de esta película, recordándola. Y creo que la actitud de Polanski está muy pensada. Apela al cerebro de los espectadores, a su reflexión, no a su desborde emocional. Y lo que cuenta te provoca miedo e indignación moral, algo que también consiguió Stanley Kubrick en Senderos de gloria. Y ni una gota de histrionismo o de sensiblería en la seca y contenida interpretación de Jean Dujardin. La música la ha compuesto Alexandre Desplat, que probablemente sea el mejor autor de bandas sonoras en el cine actual, con facilidad para conmoverte. Pero Polanski prácticamente no la utiliza, solo y con sobriedad en los títulos finales. Podría haberse ahorrado a Desplat. Polanski no quiere apuntar al corazón, su propósito es que te impacte en la cabeza. Lo consigue. Carlos Boyero en El País de Madrid

Trailer:  

 

¡Nuevas funciones! Porque todas las quiero cantar

 

Jueves 12 y Sábado 14 a las 18:00 horas

Viernes 13 y Domingo 15 a las 20:00 horas.

Entrada única $ 200.

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Uruguay, 2020

Dirección: Florencia Núñez

Guion: Florencia Núñez. Producción: Florencia Núñez. 

Fotografía: Álvaro García. 

Edición: Florencia Núñez, Brian Rojas, Álvaro García. 

Intérpretes: Florencia Núñez, Julio Víctor González, Gabriel Núñez Rótulo, Enrique Cabrera, Dúo Solipalma, Carlos Malo, Dúo Arcavoces.

Duración: 70 minutos

Jueves 5 a domingo 8 de agosto, 20.00 horas. 

Entrada general $ 200.

La cantante y compositora Florencia Núñez es de Rocha, un departamento costero al sureste de Uruguay. Sus primeras composiciones sucedieron en casa de sus padres, en las clases que compartía con el compositor Enrique Cabrera o a orillas del océano cuando veraneaba en Costa Azul, su balneario de siempre. Hoy, radicada en Montevideo, escucha sus canciones y se pregunta: ¿cuál es el origen de todas estas melodías?

Porque todas las quiero cantar es su deseo por revivir aquella música que la hizo crecer. Un homenaje a la música de su departamento a través de la re versión e interpretación de cinco temas que marcaron su cancionero.Con el mapa en la mente, Florencia sale a la búsqueda de respuestas en conversaciones con autores, intérpretes o actores de la escena rochense que fueron testigos o protagonistas de la construcción del cancionero popular. Un viaje por la esencia de un departamento que traza una ruta entre melodías y paisajes, poesía y cultura y voces y raíces.

Florencia Núñez (Rocha, Uruguay, 1991)

Cantante, compositora y licenciada en Comunicación con especialización en audiovisual. Con diez años de carrera y tres discos editados, se ha posicionado como una de las voces más relevantes de la escena nacional. Sus discos "Mesopotamia" y "Palabra clásica" fueron reconocidos en los Premios Graffiti como Mejor Álbum Indie y Compositor del Año respectivamente. Recibió el Premio Nacional de Música del MEC y el Premio Ibermúsicas a la Composición de Canción Popular. Este es su primer trabajo documental.(https://cinemateca.org.uy/peliculas/1007)

Trailer

10ago21: El escandalo

Martes a las 20.00 horas. Entrada Gral. $ 150. 

Título original Bombshell

Año 2019

Duración 108 min.

País Estados Unidos

Dirección Jay Roach

Guion Charles Randolph

Música Theodore Shapiro

Fotografía Barry Ackroyd

Reparto Charlize Theron, Margot Robbie, Nicole Kidman, John Lithgow, Allison Janney, Kate McKinnon, Malcolm McDowell, Mark Duplass, Alice Eve, Connie Britton, Alanna Ubach, Elisabeth Röhm, Madeline Zima, ver 6 más

Género Drama | Biográfico. Basado en hechos reales. Periodismo. Abusos sexuales

Clasificación + 15 años

Sinopsis Deconstrucción de la caída de uno de los imperios mediáticos más poderosos y controvertidos de las últimas décadas, Fox News, y de cómo un grupo de explosivas mujeres logró acabar con el hombre responsable de él: Roger Ailes. (FILMAFFINITY)

Premios 2019

Premios Oscar: mejor maquillaje. Nom. a mejor actriz (Theron) y sec. (Robbie)

Globos de Oro: Nominada a mejor actriz drama (Theron) y secundaria (Robbie)

Premios BAFTA: Mejor maquillaje y peluquería. 3 nominaciones

Critics Choice Awards: Mejor maquillaje. 4 nominaciones

Sindicato de Actores (SAG): 4 nominaciones incluyendo mejor reparto y actriz

Círculo de Críticos de San Francisco: Nom. mejor actriz (Theron) y sec. (Robbie)

Satellite Awards: 4 nominaciones, incluyendo mejor película y actriz

Crítica 

“Lo chocante es que haya resistido tantos años y ahora se venga abajo tan de repente”, dijo el periodista Gabriel Sherman tras la dimisión pactada de Roger Ailes como ideólogo ejecutivo de la cadena Fox News, a causa de las acusaciones de varias presentadoras por acoso sexual. Sherman, que comenzó con un reportaje de investigación para la revista New York y acabó escribiendo un libro, The Loudest Voice in the Room: How the Brilliant, Bombastic Roger Ailes Built Fox News and Divided the Country, resume a la perfección con la frase inicial la deriva de los nuevos tiempos. Se ha acabado la bula. La revolución feminista ha llegado para quedarse y buena prueba de ello son los dos rápidos productos audiovisuales sobre las maquinaciones de Ailes: La voz más alta, excelente serie de televisión de Showtime (que en España emite Movistar), basada en el libro de Sherman, y la notable película El escándalo, dirigida por Jay Roach, que hoy se estrena en cines, y que cambia el foco desde el ejecutivo acosador hasta las mujeres acorraladas, interpretadas por las formidables Charlize Theron, Nicole Kidman y Margot Robbie, aquí protagonistas de un drama social de ambiciones, perversiones y manipulaciones.

A diferencia de la serie protagonizada por Russell Crowe, que recoge dos décadas de trabajo y depravación en la figura de Ailes, la película de Roach desplaza el punto de vista, y no solo hacia las acosadas sino también hacia sus compañeros de trabajo. Así, lo mejor de El escándalo es su subtexto final: lo que está podrido, tanto o más que Ailes, es el sistema. El amparado por el miedo, la desigualdad y el dinero. El marcado por los compadreos entre jefes, la falta de apoyo y el perfil bajo, los compañeros de mirada oblicua y los que denigran, el terror a perder un puesto de trabajo, a no prosperar y, sobre todo, el de quedar marcada para siempre. La letra escarlata del siglo XXI.

Y en ese sistema, como también ocurría con una figura que no se nombra pero que pulula por toda la historia, la de Harvey Weinstein, la denuncia abarca a los cómplices, que son muchos: manos derechas y manos izquierdas; hombres, sobre todo, trepas machistas, delincuentes de camisa impoluta y demás ralea; pero también mujeres, alcahuetas, esposas sumisas. “Piensa en algo que dé miedo a tu abuela y que cabree a tu abuelo. Eso es materia de Fox News”. El eslogan oculto de Ailes funcionaba como paradigma del machismo y de la mentira. Y por esa bifurcación también aparece el presidente Donald Trump, a quien el ejecutivo llegó a asesorar.

Tiene El escándalo algunos problemas de narración. Comienza con las mujeres mirando a cámara y la fórmula se olvida pronto. Y opta la mayoría de las veces por la falta de representación y por el carácter elíptico del envilecimiento sexual, a diferencia de la serie de Showtime, que sin ser siempre explícita se apoyaba en la continuidad de una imagen terrible: una de las mujeres acosadas lavándose la boca en el lavabo tras las felaciones. Pero, a cambio, es (aún) más certera en sus disparos hacia todos los culpables, incluido Rupert Murdoch, el magnate que sostuvo a Ailes y que luego lo dejó caer, machacado con una frase final puesta en su propia boca: “Roger, tu versión ya no tiene la audiencia suficiente”. Javier Ocaña en El Pais de Madrid

Trailer:

5 al 8ago21:Porque todas las quiero cantar, de Florencia Nuñez.

 

Uruguay, 2020

Dirección: Florencia Núñez

Guion: Florencia Núñez. Producción: Florencia Núñez. 

Fotografía: Álvaro García. 

Edición: Florencia Núñez, Brian Rojas, Álvaro García. 

Intérpretes: Florencia Núñez, Julio Víctor González, Gabriel Núñez Rótulo, Enrique Cabrera, Dúo Solipalma, Carlos Malo, Dúo Arcavoces.

Duración: 70 minutos

Jueves 5 a domingo 8 de agosto, 20.00 horas. 

Entrada general $ 200.

La cantante y compositora Florencia Núñez es de Rocha, un departamento costero al sureste de Uruguay. Sus primeras composiciones sucedieron en casa de sus padres, en las clases que compartía con el compositor Enrique Cabrera o a orillas del océano cuando veraneaba en Costa Azul, su balneario de siempre. Hoy, radicada en Montevideo, escucha sus canciones y se pregunta: ¿cuál es el origen de todas estas melodías?

Porque todas las quiero cantar es su deseo por revivir aquella música que la hizo crecer. Un homenaje a la música de su departamento a través de la re versión e interpretación de cinco temas que marcaron su cancionero.Con el mapa en la mente, Florencia sale a la búsqueda de respuestas en conversaciones con autores, intérpretes o actores de la escena rochense que fueron testigos o protagonistas de la construcción del cancionero popular. Un viaje por la esencia de un departamento que traza una ruta entre melodías y paisajes, poesía y cultura y voces y raíces.

Florencia Núñez (Rocha, Uruguay, 1991)

Cantante, compositora y licenciada en Comunicación con especialización en audiovisual. Con diez años de carrera y tres discos editados, se ha posicionado como una de las voces más relevantes de la escena nacional. Sus discos "Mesopotamia" y "Palabra clásica" fueron reconocidos en los Premios Graffiti como Mejor Álbum Indie y Compositor del Año respectivamente. Recibió el Premio Nacional de Música del MEC y el Premio Ibermúsicas a la Composición de Canción Popular. Este es su primer trabajo documental.(https://cinemateca.org.uy/peliculas/1007)

Trailer

03ago21: Huérfanos de Brooklyn

Martes 3 de agosto, 20.00 horas . Entrada general $150, socios gratis.  

Cantidad de público permitido establecido por protocolo. 

Título original Motherless Brooklyn

Año 2019

Duración 144 min.

País  Estados Unidos

Dirección Edward Norton

Guion Edward Norton (Novela: Jonathan Lethem)

Música Daniel Pemberton

Fotografía Dick Pope

Reparto Edward Norton, Bruce Willis, Willem Dafoe, Bobby Cannavale, Alec Baldwin, Leslie Mann, Gugu Mbatha-Raw, Ethan Suplee, Dallas Roberts, Michael Kenneth Williams, Fisher Stevens, Cherry Jones, Josh Pais, Robert Wisdom, Candace Smith, Doris McCarthy, Courtney Gonzalez, Joseph Siravo, Olli Haaskivi, Erica Sweany, Stephen Adly Guirgis, Peter Lewis, Corey Brown, Robert Myers, Julie Hays, Deborah Unger, Ezra Barnes

Género Thriller. Drama | Crimen. Años 50. Neo-noir. Racismo

Clasificación + 12 años

Sinopsis

Nueva York. Años 50. Lionel Essrog es un solitario detective privado, afectado por el Síndrome de Tourette, que se aventura a intentar resolver el asesinato de su mentor y único amigo, Frank Minna.

Premios

2019: Globos de Oro: Nominada a mejor música original

2019: Satellite Awards: Mejor dirección artística y Premio Auteur

Crítica

Me gusta Edward Norton, actor con el que aparentemente es (o era) difícil en el set. Parece que se trata de un perfeccionista, alguien que quiere que salga todo bien… y a su manera. Se sabe que ha alterado varios libretos de películas en las que ha trabajado e incluso ha llegado a agarrarse a las piñas con el director de uno de sus trabajos más aclamados, América X, debido a diferencias creativas. Eso le ha dado una mala reputación en el ambiente, algo que sin dudas le habrá costado varios trabajos ya que en los últimos años lo hemos visto poco en las pantallas e imagino que habrá valido también una profunda reflexión sobre su vida y sus actitudes que ha tenido, ya que actualmente se lo nota bastante más relajado en sus interpretaciones e incluso en las decisiones actorales que ha tenido, muy arriesgadas y en productos de directores firmes, que no deben dar el brazo a torcer tan fácilmente.

Y a Norton parece que le vino de nuevo el deseo de ponerse en la silla del director, algo que sólo había hecho en el año 2000 con Divinas tentaciones, comedia dramática que confieso no haber visto. En este caso se trata de una producción totalmente distinta aunque al igual que en la anterior también la protagoniza: aquí interpreta a Lionel Essrog, un detective privado con síndrome de Tourette, enfermedad que aún no era muy conocida en los años ’50 (en donde se ambienta esta película). El hombre tiene un único gran amigo, su jefe y mentor Frank Minna el cual se encuentra metido en un negocio bastante importante del cual sus colegas no saben mucho. Un día, lo que parece ser un rutinario encuentro entre detective y cliente se complica y Frank resulta asesinado, lo que deja a Lionel totalmente desolado y con muchísimas preguntas. El protagonista decide entonces comenzar a investigar cual era ese misterioso negocio encontrándose eventualmente en el medio de una poderosa conspiración que involucra a gente muy importante la cual no tiene ningún problema a la hora de eliminar cualquier estorbo que quiera impedir sus planes.

Para ser una segunda película, y especialmente una hecha 19 años después del debut, Huérfanos de Brooklyn muestra bastante confianza en el área de la dirección. Se trata de un thriller noir que apuesta a su público, sin miedo a presentar una trama en la cual la acción proviene de los diálogos y no precisamente de lo físico, con varios giros y complicaciones que exigen la atención de la platea constantemente. Norton es una mano firme detrás de la cámara y maneja el asunto con un ritmo apropiadamente pausado, que da espacio para que la trama respire y el espectador pueda seguirla. Hay también un elemento notable: la musicalización, mayormente en tono de jazz la cual funciona muy bien para crear esa atmósfera cerrada, melancólica y oscura que quiere tener el film.

En el lado actoral hay un buen desempeño de todos aunque obviamente Norton es el más destacado, interpretando un papel bastante complicado con respeto y mesura. Uno podía esperar que el actor cayera en ciertos excesos debido a la naturaleza del personaje pero afortunadamente no ocurre creando un protagonista diferente y simpático. Son particularmente notables las escenas que comparte con ese titan interpretativo que es Willem Dafoe el cual siempre se pone al hombro cualquier proyecto en el que está, elevando muchas veces el material. Hay elementos que no me convencen del todo, como por ejemplo la fotografía la cual pasa de lo sólido a lo blando con desconcertante rapidez, además de algunos secundarios que no están muy bien elegidos o cierto exceso de duración, pero de todas formas se trata de un conjunto correcto que no decepciona y se puede disfrutar. Martín Imer en ACCU

Trailer:

Programación de Agosto 2021.

 

¡Volvimos!

Estimado socio/a:

Después de meses sin actividad, se produce el tan anhelado retorno a nuestras funciones semanales.

Manteniendo las precauciones del caso (protocolo mediante) retomamos la programación y justo en nuestro mes aniversario, con algunas novedades.

Mejoramos la proyección y el audio.

Vamos a continuar con ciclos especiales los días  jueves y sábados, cuyos detalles están en el programa.

Y como agosto es nuestro mes aniversario, estrenamos la película “Porque todas las quiero cantar” de la rochense Florencia Nuñez, que se exhibirá desde el jueves 4 al domingo 8.

Los esperamos a todos, y no olviden nuestro clásico pedido, de acercar a un nuevo socio, para mantener encendida en nuestra ciudad, la hermosa llama del cine.

La Comisión Directiva

22dic20: FUNCION SUSPENDIDA

 La película que estaba programa para el día martes 22 de diciembre fue suspendida por la emergencia sanitaria, debido a lo cual damos por concluido el ciclo 2020 de Cine Club Rocha. 

Estimado socio/a:

En este año de ribetes tan especiales, queremos agradecerle a nuestros queridos socios que nos acompañaron contra viento, marea…  y virus, superando entre todos el parate que nos vimos obligados a realizar por la emergencia sanitaria.  

Muchas veces venimos al cine en búsqueda de grandes héroes, pero los héroes de verdad están ahí afuera… son ustedes, apoyando a este añejo y querido emprendimiento. 

A pesar del coronavirus, que se empeñó en arruinarnos la temporada, sumamos nuevos valores que aportaron ideas frescas, y dos ciclos semanales: Jueves de Miedo, y Cine de Autor, que se constituyeron en verdaderos éxitos y acercaron al cine a decenas de jóvenes con ganas de ver películas en el mejor lugar posible: nuestra coqueta sala de cine. 

Ello nos reconforta y nos impulsa a continuar con estos ciclos el próximo años, así como a realizar una nueva campaña de socios, que permita solidificar estos éxitos, y en la que bregaremos, como siempre, para que en la medida de sus posibilidades usted pueda también recomendarnos a una amistad, o acercarnos un nuevo asociado. 

No faltaron como todos los años las mejoras en la sala, donde se colocaron grandes telones, y se continúa trabajando en un mejor escenario. 

Sólo nos resta desearle un ¡Feliz 2021!, donde el reencuentro nos permita transformar la distancia en abrazo, y este año que llega a su fin quede atrás, en un mero recuerdo, como una mala película que esperamos y deseamos, no tener que verla de nuevo.

¡Muchas gracias! 

La Comisión Directiva

 

15dic20: El día que me muera

 

Título original El día que me muera

Año 2019

Duración 90 min.

País Argentina

Dirección Nestor Sanchez Sotelo

Guion Verónica Eibuszyc, Gabriel Patolsky

Música Pablo Salas

Fotografía Alejandro Giuliani

Reparto Betiana Blum, Roberto Carnaghi, Lucas Ferraro, Alan Sabbagh, Regina Lamm, Alejandra Flechner, Gipsy Bonafina, María José Gabín, Soledad García Lombardo, Hernán Chiozza

Género Comedia | Comedia negra

Clasificación +12

Sinopsis Dina Foguelman siempre ha sido una madre controladora de sus hijos. Como sufre de aerofobia, sus hijos aprovechan y deciden armar sus vidas fuera del país, lejos del control maternal. Cuando todos los intentos de Dina fracasan para reunir a sus hijos, decide fingir su propia muerte y así lograr que vuelvan. Con la ayuda de sus amigas, realizará un falso velorio donde todo se terminará descontrolando. (FILMAFFINITY)

Crítica

“El día que me muera” es la nueva comedia de Néstor Sánchez Sotelo, quien propone una historia absurda y grotesca que se va acrecentando con el correr del metraje. En todo momento se recurre al recurso humorístico para hacer avanzar la trama, con algunos chistes efectivos. Si bien se tocan temas serios y dramáticos como las relaciones familiares, el trato hacia la madre, la identidad, la vejez, la muerte, entre otros, no existe una mayor profundidad de los mismos sino que se los aborda desde un costado más superficial y ameno.

En este sentido también se encuentran las actuaciones del elenco, encabezado por Betiana Blum e integrado por Roberto Carnaghi, Alan Sabbagh, Alejandra Fletchner, entre otros, quienes exacerban sus acciones y reacciones con un fin meramente cómico.

En síntesis, “El día que me muera” es una comedia hilarante y grotesca, en la cual el recurso humorístico se termina convirtiendo en un elemento que logra que la trama avance y que la historia sea efectiva y cómica. Una película argentina pasatista para ver en familia. Sami Schuster en cinefiloserial.com

Trailer

Los ciclos de jueves y sábados finalizaron por este año. 

¡Muchas gracias  por apoyarlos!

 

08dic20: Chico ventana también quisiera tener un submarino

Título original Chico ventana también quisiera tener un submarino 

Año 2020

Duración 85 min.

País Uruguay

Dirección Alex Piperno

Guion Alex Piperno

Fotografía Manuel Rebella

Reparto Daniel Quiroga, Inés Bortagaray, Noli Tobol

Género Romance. Comedia. Fantástico | Cine experimental

Clasificación N/D

Sinopsis A bordo de un crucero en los mares de la Patagonia, un miembro de la tripulación descubre un portal mágico bajo la cubierta del barco que lleva al apartamento de una joven mujer en una ciudad sudamericana. Al mismo tiempo, un grupo de hombres encuentra accidentalmente un refugio cerca de su campamento en las Filipinas que tiene aterrorizados a algunos de los habitantes del poblado. En algún lugar entre las oscuras salas de máquinas y los salones de los apartamentos más lujosos; entre el vasto mar y la densa jungla; entre el tradicionalismo y el modernismo fruto del capitalismo, los individuos se conocen y se observan entre ellos con curiosidad, escepticismo y ansiedad. (FILMAFFINITY)

Premios

2020: Festival de Mar del Plata: Selección oficial competencia iberoamericana

Crítica

Es raro que una película uruguaya empiece en un paisaje extranjero, entre campesinos que hablan un idioma que casi nadie podrá identificar (en los créditos finales sabremos que son filipinos). Más extraño aún es cuando, de sopetón, aparecemos en plena Montevideo, sin saber qué conexión tendrá una cosa con la otra. Dentro de la intrigante extrañeza general, iremos entendiendo paulatinamente las reglas de juego: en un crucero hacia la Patagonia un marino descubre una puerta que lo lleva al baño de la residencia de una mujer en Montevideo. No habrá intento alguno de explicación de ese elemento fantástico. Hay otra extrañeza superpuesta a esta: las reacciones de los personajes no llegan a ser normales, sobre todo en su pronta asunción, no cuestionadora, de los hechos sobrenaturales. Hurgan un poco, pero más para maravillarse y disfrutar que para buscar razones. Por su lado, los filipinos parecen alarmados por un hecho que debería parecer totalmente normal. Es la ópera prima del uruguayo Alex Piperno, quien muestra un dominio notable en ese terreno esquivo. Los planos (casi todos fijos) están compuestos con un rigor excepcional, y es como que cada fotograma podría entrar en una exposición de fotografía. Hay imágenes formidables en su constitución laberíntica, que funcionan como microcosmos de los atajos dimensionales que maneja la anécdota. Y hay momentos de gran ternura. La expectativa no se disipa en ningún momento. Es una obra especialmente sólida de la cinematografía nacional. Guilherme de Alencar Pinto: Diario La Diaria

Trailer:

¡No te pierdas los nuevos ciclos de jueves y sábado en Cine Club Rocha!

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Programación de diciembre 2020

24nov20:Un judío en Taiwan

Título original Shalom Taiwan

Año 2019

Duración 85 min.

País  Argentina

Dirección Walter Tejblum

Guion Sergio Dubcovsky, Santiago Korovsky, Walter Tejblum

Fotografía Massimo Ruggieri, Roman Kasseroller

Reparto Fabián Rosenthal, Mercedes Funes, Carlos Portaluppi, Santiago Korovsky, Sebastián Hsun, Alan Sabbagh, Betiana Blum, Paula Grinszpan

Género Drama

Clasificación ATP

Sinopsis Los problemas financieros de una comunidad judía que lidera en un barrio de la ciudad de Buenos Aires son una pesadilla para el Rabino Aarón. Su excesiva generosidad para ayudar arriesgándolo todo amenaza la obra que está llevando a cabo. Ni el optimismo ni la laboriosidad del Rabino, ni su viaje a Nueva York por donaciones, alcanzan para pagar una deuda que contrajo y además debe procurar no arruinar su comprometida armonía familiar. Acorralado y cubierto de agobio, Aarón intenta un último recurso: emprender un viaje al lejano Oriente para conseguir donaciones. La llegada a Taiwán es reveladora en todo sentido: lejos de las tradiciones conocidas, el Rabino Aarón debe enfrentar múltiples desafíos para lograr su objetivo.

Crítica

 “¿Quién diría que un financista no es la persona confiable que uno piensa?”, se asombra el ayudante medio zonzo de un joven rabino, apesadumbrado por el embargo que se le viene encima. Queriendo estar a la altura del rabino anterior y acaso superarlo, el muchacho se metió en gastos quizás innecesarios. Ahora su moderna sinagoga luce muy bien, pero el prestamista, el oficial de justicia y los peones de mudanza no saben apreciarla. Quizá tampoco la aprecien demasiado los propios fieles. Ni la esposa, que le reclama un poco más de tiempo en el hogar.

Al pobre guía espiritual le sobran pretensiones y le falta calle. En cambio, junta millas que da gusto buscando donaciones en Nueva York y hasta en Taiwán. Hay judíos ricos en ambos lados. Como uno que levanta la vista extrañado cuando le cuentan de los comedores gratuitos para judíos pobres. O la millonaria que ofrece todo lo necesario con una condición que afecta los sentimientos del rabino. Algún efectivo conseguirá, después de todo. Pero más aún conseguirá valorar la armonía familiar en la sencilla casa de un empleado de hotel, y otras cositas, que obran de moraleja sin dar sentencia.

Buena historia, simpática, bien hecha, su autor es Walter Tejblum, productor de “Otro entre otros”, sobre los homosexuales dentro de la comunidad judía, y autor de “Malka, una chica de la Zwi Migdal”, historia de alguien que logró establecerse por su cuenta y rehacer su vida. En el elenco, Fabián Rosenthal, eficaz debutante, Mercedes Funes, Santiago Korovsky, también coguionista, Sebastián Hsu, Carlos Portaluppi, Alan Sabbagh, y Bettiana Blum en breve aparición como típica madre cargosa.  Paraná Sendrós en Ámbito Financiero

 Trailer:

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17nov20: Entre navajas y secretos

Título original Knives Out

Año 2019

Duración 130 min.

País Estados Unidos

Dirección Rian Johnson

Guion Rian Johnson

Música Nathan Johnson

Fotografía Steve Yedlin

Reparto Daniel Craig, Ana de Armas, Chris Evans, Jamie Lee Curtis, Toni Collette, Don Johnson, Michael Shannon, Christopher Plummer, Lakeith Stanfield, Katherine Langford, Jaeden Martell, Riki Lindhome, Edi Patterson, Raúl Castillo, Frank Oz, M. Emmet Walsh

Género Intriga | Crimen. Comedia negra

Clasificación + 15 años

Sinopsis Cuando el renombrado novelista de misterio Harlan Thrombey (Christopher Plummer) es encontrado muerto en su mansión, justo después de la celebración familiar de su 85 cumpleaños, el inquisitivo y cortés detective Benoit Blanc (Daniel Craig) es misteriosamente reclutado para investigar el asunto. Se moverá entre una red de pistas falsas y mentiras interesadas para tratar de descubrir la verdad tras la muerte del escritor.

Premios

2019: Premios Oscar: Nominada a mejor guion original

2019: Globos de Oro: Nom. a mejor film comedia, actor (Craig) y actriz (de Armas)

2019: Premios BAFTA: Nominada a mejor guion original

2019: National Board of Review (NBR): Mejor reparto. Top films del año

2019: American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año

2019: Critics Choice Awards: Nominada a mejor comedia, reparto y guion original

2019: Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a mejor guion y dirección artística

2019: Círculo de Críticos de San Francisco: Nominada a mejor guion original

2019: Satellite Awards: Mejor reparto. 4 nominaciones, incluyendo mejor comedia

2019: Sindicato de Productores (PGA): Nominada a mejor película

2019: Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guion original

Crítica Por más que CUCHILLOS AFUERA, título original en inglés, le sugiiera al espectador que en la historia que va a presenciar corre la sangre, el desarrollo del asunto se encargará de demostrar que gran parte de lo que disimulan, ocultan o falsean los diferentes personajes de una poblada galería resulta quizás más terrible y devastador que las heridas provocadas por el filo de un arma, De ahí a que Entre navajas y secretos, la denominación del film en castellano , se acerque bastante más a lo que la propuesta en sí trae consigo, un punto que poco y nada tiene que ver, a pesar de los anuncios y la propaganda, con las novelas de la ocurrente Agatha Christie, la cual, en verdad, se ocupó siempre de otra clase de misterios. Más allá entonces de una estructura narrativa que el guionista y director Ryan Johnson mantiene al alentar el tono de misterio alrededor de lo que, en verdad, sucedió, la trama, a propósito del suicidio del acomodado patriarca de una familia numerosa, detalla las idas y venidas de sus descendientes antes y después del hecho luctuoso. Asoman por allí intrigantes enfrentamientos que se encargan de revelar actitudes y procederes que complican no sólo la manera  en la cual podría ser repartida la fortuna del desaparecido -autor literario de enorme aceptación, además- sino también la forma en que tuvo lugar dicho suicidio, si lo hubo. De ahí a que, además de los familiares que se reúnen para el sepelio y la posterior lectura de la voluntad final del fallecido, aparecen asimismo en la gran casona del suicida, un par de representantes de la policía que buscan aclarar ciertas circunstancias que envolvieron la desaparición de un hombre que, de buenas a primeras, no tenía motivos para acabar con su vida.  

Habida cuenta de todo lo que antecede y, cabe señalar, de un punto de partida bastante forzado, así como de ciertas situaciones que Johnson alarga sin tener en cuenta la verosimilitud que exigen los relojes, cabe empero reconocer la agilidad con que arma un asunto que incluye la inserción de oportunas secuencias que transcurren en un pasado cercano y la habilidad que la que dispone  para introducir las entradas y salidas de tanta gente sin que se le descalabre la narración. Cuenta  para ello con un más que desenvuelto elenco en el que destacan Daniel Craig, como autoritario representante de la ley, el televisivo Don Johnson, las sinuosas Jamie Lee Curtis y Toni Collette y el respetable Christopher Plummer, en el papel del suicida, a quien se ve en varios sabrosos flashbacks. Como la enfermera que lo atiende, debe mencionarse a la joven Ana de Armas, la cual tiene que soportar que, dados los orígenes sudamericanos de la silueta que compone, nadie sepa bien si es paraguaya, venezolana o uruguaya, típica confusión de algunos estadounidenses distraídos. Crédito especial merece, en otros rubros, la dirección artística de David Crank, quien se las ingenia para conseguir que todos los ambientes de la propiedad en donde se desarrolla la mayor parte de la acción luzcan tan atractivos como sugerentes con respecto a una platea que, recién al final, conseguirá captar todo lo que verdaderamente les sucedió a los integrantes de un clan poco digno de ser imitado. Álvaro Loureiro (Exclusivo para accu.uy, 23/12/2019)

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10nov20: La música de mi vida

 

Título original Blinded by the Light

Año 2019

Duración 118 min.

País Reino Unido

Dirección Gurinder Chadha

Guion Paul Mayeda Berges, Gurinder Chadha, Sarfraz Manzoor

Música A.R. Rahman

Fotografía Ben Smithard

Reparto Viveik Kalra, Hayley Atwell, Rob Brydon, Kulvinder Ghir, Nell Williams, Aaron Phagura, Meera Ganatra, Dean-Charles Chapman, Nikita Mehta

Género Drama. Comedia | Años 80. Música. Basado en hechos reales. Adolescencia.

Clasificación + 6 años

Sinopsis En la Inglaterra de 1987, durante los austeros años en los que Margaret Thatcher estuvo en el poder, Javed, un adolescente británico de ascendencia paquistaní, aprende a vivir y a comprender a su familia a través de la música de Bruce Springsteen. (FILMAFFINITY)

Critica Todo lo que está medio más o menos en Yesterday, está muy bien en La música de mi vida, una simpática comedia sobre cómo un cancionero puede cambiar la vida de todos. La música es la de Bruce Springsteen que parece estarle hablando directamente a a Javed, un muchacho hijo de paquistaníes que debe sortear su adolescencia en thatcherianos tiempos de recesión e intolerancia. Su padre -como el de Jack en Yesterday- son un tanto reaccionarios (tradicionalistas, quizás sea más justo) e intentan inculcarle algunas de las cosas que Springsteen explica muchísimo mejor en un par de estrofas que son mostradas en reafirmantes sobreimpresos.

Dirigida por Gurinder Chadha (que había mostrado el mismo encanto en Jugando con el destino), el tono es simpatiquísimo y está salpicado más que con detalles sociales con números musicales que son contagiosos.

Javed va a conseguir un aliado en la música de “El Jefe” para cambiar su vida y, por qué no la vida de los que lo rodean. Un amigo “new romantic” y un amigo singh, le dan el apoyo que precisa y una novia con conciencia política, el impulso del que todo adolescente suele andar escaso. Fernán Cisnero en El País

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03nov20: La trinchera infinita

 

Título original La trinchera infinita

Año 2019

Duración147 min.

País España

Dirección Jon Garaño, Aitor Arregi, José Mari Goenaga

Guion Luiso Berdejo, José Mari Goenaga

Música Pascal Gaigne

Fotografía Javier Agirre Erauso

Reparto Antonio de la Torre, Belén Cuesta, Vicente Vergara, José Manuel Poga, Emilio Palacios, José María del Castillo, Carlos Bernardino, Adrián Fernández, Nacho Fortes, Marco Cáceres, Joaquín Gómez, Esperanza Guardado, Óscar Corrales, Enrique Asenjo, Estefanía Rueda

Género Drama | Basado en hechos reales. Guerra Civil Española. Posguerra española. Años 30.

Clasificación  +16

Sinopsis Higinio y Rosa llevan pocos meses casados cuando estalla la Guerra Civil, y la vida de él pasa a estar seriamente amenazada. Con ayuda de su mujer, decidirá utilizar un agujero cavado en su propia casa como escondite provisional. El miedo a las posibles represalias, así como el amor que sienten el uno por el otro, les condenará a un encierro que se prolongará durante más de 30 años.

 Crítica

En estos años un grupo de autores se destacó en el panorama de la cinematografía española. El término es amplio, ya que son bastante inclasificables: se trata de un trío de cineastas que no siempre trabajan juntos ni en la misma labor, funcionando a veces como directores, guionistas o las dos. Pero sea en la función que sea el equipo de Jon Garaño, Aitor Arregi y Jose Mari Goenaga es digno de tener en cuenta, ya que desde su primer colaboración en un mismo proyecto, Loreak, se muestran como artistas con una voz creativa y fresca, dispuestos a proponerse desafíos en la pantalla. Lo demostraron convirtiendo lo que parecía un melodrama clásico en una interesante muestra de habilidad narrativa, y lo reafirmaron en Handia, un bonito cuento freak sobre las adversidades y las sorpresas que se nos presentan en la vida, con un notable trabajo técnico y de recreación de época además de una narrativa sensible, con algo del cine de Jeunet, que no juzgaba a sus criaturas sino que las exponía con cariño ante el espectador, evitando las bajadas de línea sobre las personas diferentes. Estos dos trabajos, con sus aciertos y errores, ya dejaban la vara alta, y La trinchera infinita supone un importante antes y después en la carrera de los tres, ya que es un trabajo (si se puede) más ambicioso que el anterior y con mayor repercusión tanto en España como internacionalmente.

 

La película nos sitúa en 1939, cuando la Guerra civil está finalizando en España. Hidalgo, un republicano, debe huir de su pueblo ya que las fuerzas franquistas andan detrás de él, pero rápidamente descubre que es imposible ya que no sólo los soldados están alertas sino también los vecinos, especialmente uno que mantiene un viejo rencor contra el protagonista. Sin lugar a donde ir Hidalgo regresa a su casa, en donde tiene un pequeño hoyo que sirve de refugio cada vez que alguien entra a revisar el lugar. Al principio tanto él como su esposa, Rosa, confían en que esta situación extrema durará poco tiempo, idea que sostiene la cordura del hombre y la esperanza de la mujer, pero los años pasan y las cosas siguen igual, o más afianzadas aún. Seremos testigos entonces de cómo se las ingenia este personaje para sobrevivir durante 30 años en un encierro total.

Como mencionaba antes, este debe ser el trabajo más complicado de sus autores, y afortunadamente el más satisfactorio, ya que potencia y consolida las habilidades que demostraron previamente. Un primer acierto se encuentra en la eficacia de la narración, empezando de forma muy rápida aunque sin apresurarse, explicando lo necesario y confiando también en que el público sabrá rellenar lo que falte, para luego adaptar el ritmo a lo que la situación requiera. Existen momentos muy movidos en el metraje, sobre todo en cada intento de escape de Hidalgo, pero también se le presta atención a la desesperación interna, el tedio del escondite, la impotencia al no poder salir y el miedo a lo que puede pasar —- un intimismo que le da más potencia al drama y sobre todo no desentona. También es notable el manejo de la tensión a través de todo lo que sucede fuera de plano, lo que nos posiciona directamente dentro de la cabeza del personaje principal.

Ese es tal vez el mayor triunfo de la película, ya que no solo podemos entender lo que vive el pobre Hidalgo sino también su esposa y posteriormente su hijo. La trinchera infinita se encuentra totalmente en contra de la persecución por parte de un régimen autoritario, sea por ideales, por gustos o por lo que sea que se reprima a una persona, pero también muestra que la condena no solo la sufre el individuo sino también todo aquél que lo rodea, gente que incluso se puede llevar la peor parte, como puede ser la tortura física y la psicológica. Y finalmente abre otra línea, la del idealismo político, planteando una pregunta interesante: ¿Tiene más valor aquél que huye o aquél que es mártir? ¿En qué lugar de la historia quedan esos “topos”, como se les llamó a estos hombres que se escondieron del franquismo en sus casas?

Esos cuestionamientos son espléndidamente interpretados por la dupla de Antonio de la Torre y Belén Cuesta, los cuales realmente se involucran con el material y transmiten muy bien el dolor y la amargura de sus roles. Él viene de dos roles que realmente me habían impactado, en El reino y La noche de 12 años (en donde incluso imita a la perfección los modismos del Pepe Mujica), por lo que no me sorprende su nivel, pero debo confesar que desconocía el trabajo de Cuesta y logró impresionarme, por momentos llegando a robarse toda mi atención. Ambos tienen mucha química y resultan creíbles en cada salto temporal, ayudados también por el buen y discreto trabajo de diseño de producción que, si bien no es tan vistoso como en Handia, deja bien en claro en qué momento viven los personajes.

También hay que detenerse un segundo en el notable fotografía de este film, la cual sin dudas era un gran reto. Sin irse a los extremos de Enterrado, otra destacable película española, aquí casi todo se filma en espacios reducidos, pero con la suficiente inteligencia y creatividad para que el espectador no se sienta aprisionado sino que crea que realmente está ante un espacio infinito. Es una lástima que en la pasada edición de los Premios Goya esta película se haya tenido que enfrentar con otras igual de poderosas, lo que se vio reflejado en los pocos premios que terminó consiguiendo a pesar de ser la más nominada, pero si siguen por este camino no hay dudas: en algún momento estos tres directores se llevarán a casa el premio más importante de la ceremonia.  Martín Imer (La vida en un cine, 24/03/2020)

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Programación de noviembre 2020