martes, 23 de octubre de 2018

23 y 26oct18: La librería


Imagen relacionada

Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis

Título original The Bookshop (La librería)
Año 2017
Duración 115 min.
País España
Dirección Isabel Coixet
Guion Isabel Coixet (Novela: Penelope Fitzgerald)
Música Alfonso de Vilallonga
Fotografía Jean-Claude Larrieu
Reparto Emily Mortimer,  Patricia Clarkson,  Bill Nighy,  Honor Kneafsey,  James Lance, Harvey Bennett,  Michael Fitzgerald,  Jorge Suquet,  Hunter Tremayne, Frances Barber,  Gary Piquer,  Lucy Tillett,  Nigel O'Neill,  Toby Gibson, Charlotte Vega,  Nick Devlin
Productora Coproducción España-Reino Unido-Alemania; Green Films / A Contracorriente Films / Diagonal Televisión / Zephyr Films / ONE TWO Films
Género Drama | Años 50. Drama de época
Calificación: ATP
Sinopsis En un pequeño pueblo de la Inglaterra de 1959, una joven mujer decide, en contra de la educada pero implacable oposición vecinal, abrir la primera librería que haya habido nunca en esa zona. (FILMAFFINITY)

Premios  2017-18
Premios Goya: Mejor película, dirección y guion adaptado. 12 nominaciones
Premios Feroz: 3 nominaciones, incluyendo Mejor director
Premios Gaudí: Mejor dirección artística y Mejor música original. 12 nominaciones
Festival de Berlín. Sección Oficial. Proyección Especial (Fuera de competición)
Premios Fénix: Nominada a mejor diseño de producción y vestuario
Premios Platino: Nominada a mejor película, dirección, guion y música

Critica:
Esta película habla de esas sensaciones. Y lo hace con un lenguaje, unos matices, un tono y una capacidad de sugerencia que me conmueven
Siento pereza inicial al embarcarme en La librería, la última película de Isabel Coixet, ya que, con la excepción de la preciosa Cosas que nunca te dije, mi desencuentro con su cine ha sido permanente. La frase que encabeza su cartel publicitario (“Entre libros, nadie puede sentirse solo”) es alentadora, pero también discutible. Mallarmé comienza así un poema: “La carne es triste, así es, y ya he leído todos los libros”. Conclusión desoladora y cierta en algunos casos trágicos. Existieron y existirán sensibles devoradores de poesía y literatura que acaban lanzándose al vacío, pudieron más la soledad y el acorralamiento que la impagable ayuda y el gozo que proporcionan los libros. El primer encuentro con ese codiciado libro siempre estará presidido por la magia, como describe maravillosamente Italo Calvino en el arranque de Si una noche de invierno un viajero. Esta película habla de esas sensaciones. Y lo hace con un lenguaje, unos matices, un tono y una capacidad de sugerencia que me conmueven y que en un par de modélicas secuencias protagonizadas por la entregada librera y un hombre que ha acorazado su ancestral aislamiento y su supervivencia gracias a las páginas impresas (en esa época ningún amante de los libros podría ni querría imaginar esa cosa tan antinatural y gélida del e-book) logran que se me humedezcan los ojos.
Isabel Coixet adapta una novela de Penelope Fitzgerald (el apellido impone literariamente) que desconozco, pero ansío leer. Su temática podrá parecer muy leve a los espíritus intensos. Yo creo que es muy rica. Narra el empeño de una viuda por abrir una librería en un pueblo de Inglaterra con nula empatía hacia la necesidad o la pasión de leer. A ella ese acto le sirve para suplir carencias afectivas, para vivir otras vidas, para soñar junto al mar con los personajes y los sentimientos que habitan los libros, esos objetos en los que siempre ocurren cosas. Los poderosos del pueblo, depredadores detrás de sus modales aristocráticos, declararan soterrada guerra a esa dulce intrusa, convencida de que lo que ella pretende vender puede suponer placer, conocimiento, aventura o bálsamo para unos cuantos vecinos. Será ayudada en su laboriosa misión por una niña imaginativa, inteligente, práctica y soñadora al mismo tiempo, y mantendrá emocionante contacto con un misántropo anciano que lleva 45 años encerrado en su mansión, alguien que me hace pensar en el estremecedor poema de Gil de Biedma: “En un pueblo junto al mar, poseer una casa y poca hacienda y memoria ninguna. No leer, no sufrir, no escribir, no pagar cuentas, y vivir como un noble arruinado entre las ruinas de mi inteligencia”. Sin embargo, mi héroe sí lee y también paga cuentas.
La librera le descubrirá al excelso Ray Bradbury y sus Crónicas marcianas. Y la existencia del misántropo anhelará la publicación de Las doradas manzanas del sol y El vino del estío. Y el gran Nabokov desafiará a la moral convencional con la turbadora y extraordinaria Lolita. Y se crearán vínculos muy hermosos entre estos dos náufragos, que desearían haberse conocido en otra vida.
El pequeño milagro de Penelope Fitzgerald
Coixet describe todo esto con una delicadeza y un tono cercanos a la orfebrería. Imágenes, diálogos, silencios, pequeños y reveladores gestos conviven en armonía, arropados por una atmósfera magnética y veraz. Su intimismo es contagioso. Y la historia que me han contado sigue conmigo durante el resto del día. Se supone que ocurren pocas cosas, pero me ha tocado y reconozco en qué fibras emocionales. La llevo dentro.
Carlos Boyero en El País de Madrid

Trailer:

miércoles, 17 de octubre de 2018

16 y 19oct18: Happy end

Resultado de imagen para happy end


Título original Happy End
Año 2017
Duración 110 min.
País Austria
Dirección Michael Haneke
Guion Michael Haneke
Fotografía Christian Berger
Reparto Isabelle Huppert,  Jean-Louis Trintignant,  Mathieu Kassovitz,  Fantine Harduin, Toby Jones,  Franz Rogowski,  Laura Verlinden,  Aurélia Petit,  Hille Perl, Hassam Ghancy,  Nabiha Akkari,  Joud Geistlich,  Philippe du Janerand, Dominique Besnehard,  Bruno Tuchszer,  Alexandre Carriere,  Nathalie Richard, David Yelland,  Maryline Even,  Frédéric Lampir,  Jack Claudany,  Waël Sersoub, Marie-Pierre Feringue,  Maëlle Bellec,  David El Hakim,  Timothé 'Tim' Buquen
Productora Coproducción Austria-Francia-Alemania; Les Films du Losange / X Filme Creative Pool / Wega-Film / arte France Cinéma / France 3 Cinéma / Westdeutscher Rundfunk (WDR) / Bayerischer Rundfunk (BR) / Arte France / Canal+ / Ciné+ / Centre National de la Cinématographie / France Télévisions / ORF Film/Fernseh-Abkommen / Filmförderungsanstalt / Eurimages
Género Drama | Familia
Calificación + 12 años
Sinopsis
La película gira en torno a una familia burguesa que posee una empresa en Calais, al lado de los campamentos donde viven miles de refugiados. (FILMAFFINITY)

Premios 2017
Festival de Cannes: Sección oficial
Premios del Cine Europeo: Nominada a Mejor actor (Trintignant) y Actriz (Hu

Crìtica
La última película de Michael Haneke puede ser considerada como un compendio de todo su cine al reunir todas sus obsesiones, críticas y recursos narrativos.
Haneke vuelve a centrar su discurso en la crítica hacia esa burguesía ajena al dolor de los demás que tanto le gusta retratar. Su desdén por las nuevas tecnologías también está presente, solo que en este caso sustituye la televisión por móviles y ordenadores y se preocupa por el poder nocivo que tienen aplicaciones como Snapchat o Youtube.
En Happy End se retoman ciertos personajes que de una forma u otra aparecieron en películas anteriores, como la adolescente que graba imperturbable sus crímenes u otros que es mejor que descubráis por vosotros mismos.
Los recursos narrativos habituales también se repiten en Happy End. No podemos olvidarnos de los planos secuencias, los largos silencios, la violencia simbólica (aquella que es realizada fuera de cámara) o la total ausencia de explicación sobre lo que estamos viendo.
A todo esto se une el hecho de que Happy End es la película más autorreferencial de Michael Haneke. Desde el comienzo asistimos a una película que gira en torno a las obsesiones del cineasta austriaco. “Benny’s Video” es la primera de muchas referencias, entre las que se pueden encontrar guiños a otras como “Funny Games”, “La Cinta Blanca”, “Caché (Escondido)” o “La Pianista”. Aunque la referencia más clara e impactante es “Amor” al ser Happy End una especie de secuela espiritual de la película que le dio un Oscar.
Otto Buendía en Cinemagavia.es

Trailer:



martes, 9 de octubre de 2018

9 y 12oct18: Viento salvaje


Resultado de imagen para viento salvaje

Título original Wind River
Año 2017
Duración 110 min.
País Estados Unidos
Dirección Taylor Sheridan
Guion Taylor Sheridan
Música Nick Cave, Warren Ellis
Fotografía Ben Richardson
Reparto Jeremy Renner,  Elizabeth Olsen,  Julia Jones,  Graham Greene,  Jon Bernthal, Matthew Del Negro,  Kelsey Chow,  Gil Birmingham,  Ian Bohen,  Martin Sensmeier, Hugh Dillon,  Eric Lange,  Mason D. Davis,  James Jordan,  Teo Briones,  Tara Karsian
Productora Thunder Road Pictures / Acacia Filmed Entertainment / Film 44 / Ingenious Media / Savvy Media Holdings / Star Thrower Entertainment / Synergics Films / Wild Bunch / Voltage Pictures / Tunica-Biloxi Tribe of Louisiana. Distribuida por The Weinstein Company
Género Thriller. Intriga | Policíaco. Crimen. Basado en hechos reales
Calificación: + 15 años

Sinopsis
Una joven agente del FBI se alía con un veterano rastreador local para investigar el asesinato de una joven ocurrido en una reserva de nativos americanos... (FILMAFFINITY)
Premios 2017
Festival de Cannes: Mejor director (Un Certain Regard)
Festival de Karlovy Vary: Premio del Público
National Board of Review (NBR): Mejores películas independientes del año
Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor nuevo director
Satellite Awards: Nominada a mejor actor (Jeremy Renner)

Critica
Taylor Sheridan había dado mucho que hablar con su guión de Sin nada que perder, la película que fue candidata al Oscar este año y que había tenido su debut en Cannes 2016. Tomaba la realidad social estadounidense envuelta en un thriller con aspecto de western. También libretista de Sicario, de Denis Villeneuve, debutó como director con Viento salvaje…, que pasó por el Festival de Sundance y explotó en Cannes 2017, en mayo.
Todo lo bueno que podía intuirse en Sin nada que perder, perdura en Viento salvaje. Hay una disputa entre una comunidad indígena, un hombre blanco que los conoce bien y es su lazo, y… los otros.
Entre ellos, una agente del FBI que recién comienza (Elizabeth Olsen, de Martha Marcy May Marlene) se úne a un cazador de coyotes (Jeremy Renner) en la investigación del asesinato de una joven en una reserva indígena. Ambos coincidieron en Capitán América: Civil War.
Pero esto es otra cosa…
Nada es ni será lo que parece. Cory Lambert es tan certero con su arma que parece que tuviera la mirada siempre fija en algo. Renner lo va construyendo a partir de actitudes y, sí, miradas. A su personaje también le pasó algo similar a lo de los padres de la chica asesinada, que le destruyó su vida y su matrimonio.
Hay una compañía de petróleo operando allí, en territorio indígena. Y muchos indicios de que algo grave sucedió. No contemos más.
Uno de los méritos de Sheridan como guionista es que va sumando apuntes, tensión, y cuando todo parece que va a estallar, bueno, deja que estalle. Hay quienes ya lo comparan con Sam Peckinpah, lo que suena a demasiado, o con Tarantino, pero el humor del director de Kill Bill es muy diferente al que puede destilar Sheridan.
Hay un excelente trabajo de cámara y de iluminación, que recortan los paisajes nevados, que aportan a la historia, tal vez no tan redonda como la de Sin nada que perder, pero que impacta, conmueve, atrapa y no suelta al espectador ni siquiera hasta llegar al desenlace.
Pablo O. Scholz en Clarin

Trailer: 


martes, 2 de octubre de 2018

02 y 05oct18: Las herederas

Las herederas


Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis

Título original Las herederas
Año  2018
Duración 97 min.
País Paraguay y otros
Dirección Marcelo Martinessi
Guion Marcelo Martinessi
Fotografía Luis Armando Arteaga
Reparto Ana Brun,  Margarita Irún,  Ana Ivanova,  Nilda González,  María Martins,  Alicia Guerra
Productora Coproducción Paraguay-Alemania-Brasil-Noruega-Uruguay; La Babosa Cine / Pandora Film / Mutante Cine / Norsk Filmproduksjon A/S / Esquina Filmes
Género Drama | Homosexualidad
Calificación: + 12 años
Sinopsis Narra la historia de dos mujeres de alta alcurnia de la sociedad paraguaya que heredaron suficiente patrimonio para vivir cómodamente. Pero a sus 60 años, el dinero ya no alcanza y la situación de ambas cambia. (FILMAFFINITY)
Premios 2018
Festival de Berlín: Premio Especial del Jurado, mejor actriz (Brun) y FIPRESCI
Premios Fénix: 7 nominaciones incluyendo mejor película, director y guion.

Critica:
Las herederas (Marcelo Martinessi, Paraguay, en coproducción con Alemania, Brasil, Francia, Noruega y Uruguay), de alguna manera, ya está de vuelta de la noción de lo convencional como “normal”. Lidia con una pareja de veteranas lesbianas, pero en ningún momento la homosexualidad es un tema. Tiene que ver con el desgaste de la relación, en la que Chela empieza a sentirse usada por Chiquita. Tiene que ver con una situación vital estancada que, de pronto, se desacomoda y se amplía cuando, bajo fuerte presión económica, Chela empieza a trabajar como remisera y, sobre todo, cuando conoce a una cuarentona glamorosa que la enamora. El inicio es depresivo, en esa casona oscura llena de muebles y objetos viejos que Chela y Chiquita son forzadas a vender para sobrellevar la crisis. Pero en el correr del metraje la película va ganando otras dimensiones. Hay interesantes y delicados apuntes sobre el clasismo de la sociedad paraguaya: la forma en que Chela y Chiquita tratan a su empleada Pati, y la manera en que sus clientes tratan a Chela cuando empieza a trabajar como remisera; el extrañamiento en las visitas a la cárcel femenina; todo eso mostrado en forma muy sutil, nada ostentosa ni maniquea. La película lidia también con la timidez y el pánico de enfrentar una nueva vida y buscar la felicidad. Hay un notable trabajo de fotografía y de edición de sonido (no hay música incidental), que potencian una cinematografía que juega constantemente con los fuera de campo. La interpretación de Ana Brun (Chela) ganó, en forma merecida, el Oso de Plata a la actuación femenina en el Festival de Berlín (donde Las herederas conquistó además los premios Alfred Bauer y Fipresci).
Guilherme de Alencar Pinto: Diario La Diaria

Trailer:


Programación de octubre '18.



martes, 25 de septiembre de 2018

25 y 28set18: Dos son familia


Resultado de imagen para dos son familia
Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis

Título original Demain tout commence
Año 2016
Duración 115 min.
País Francia
Dirección Hugo Gélin
Guion Hugo Gélin, Mathieu Oullion, Jean-André Yerles (Historia: Guillermo Ríos, Leticia López Margalli, Eugenio Derbez)
Música Rob Simonsen
Fotografía Nicolas Massart
Reparto Omar Sy,  Clémence Poésy,  Gloria Colston,  Antoine Bertrand,  Karl Farrer, Anna Cottis,  Susan Fordham,  Phelim Kelly,  Richard Banks,  Attila G. Kerekes, Andy Mihalache,  David Lowe,  George Johnston,  John Heartstone,  Sian Altman, Alexandra Kiss,  Claire Ashton
Productora Vendôme Production / Mars Films / TF1 Films Production / Poisson Rouge Pictures
Género Comedia. Drama | Remake. Comedia dramática. Infancia. Familia. Cine dentro del cine
Clasificación: + 9 años
Sinopsis Samuel vive la vida sin responsabilidades en la playa en el sur de Francia. Hasta que un día, una de sus antiguos amores le deja en los brazos a un bebé de pocos meses, Gloria: su hija. Incapaz de cuidar de un bebé y decidido a devolverle la niña a su madre, Samuel se va a a Londres para tratar de encontrarla pero no tiene éxito. Remake de 'No se aceptan devoluciones' (2013), la película mexicana más exitosa de la historia. (FILMAFFINITY)

Critica:
Esta es una historia sencilla, pero no es fácil contarla. Un hombre mujeriego y juerguista descubre un buen día que es padre de un bebé del que tiene que hacerse cargo tras la huida de la madre. Lo que comienza como una comedia con gags y clichés propios del género se convierte pasada la primera media hora en una profunda reflexión sobre la paternidad, a través de dos personajes creados para devolvernos la fe en el ser humano: ese papá que crea para su pequeña un mundo de fantasía (una casa con tobogán, emails mensuales haciéndose pasar por su madre, parques de atracciones en horario escolar…) y una hija que nos abruma con sus contagiosas ganas de vivir.El talento de Omar Sy para la dramedia, de la que dio buena cuenta en Intocable, encuentra en la risueña Gloria Colston a la mejor aliada para enaltecer una historia de apariencia simple, pero que calibra con tanta precisión su tono tragicómico, que cuando menos lo esperamos dispara sin piedad contra nuestras emociones, para desbaratarlas antes de precipitarse hacia un final desgarrador. ¿Es un filme insólito? No, se trata del remake de la mexicana No se aceptan devoluciones. Sn embargo, más allá de la versión original, Hugo Gélin bebe de la grandeza de La vida es bella. Porque en esta historia, como en una fábula, hay dolor. Y, como una fábula, está llena de maravillas y de felicidad.
Janire Zurbano en Cinemanía

Trailer:




lunes, 17 de septiembre de 2018

18 y 21set18: Madame

Resultado de imagen para madame pelicula

Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis

Título original Madame
Año 2017
Duración 91 min.
País Francia
Dirección Amanda Sthers
Guion Amanda Sthers, Matthew Robbins (Historia: Amanda Sthers)
Música Matthieu Gonet
Fotografía Régis Blondeau
Reparto Harvey Keitel,  Toni Collette,  Rossy de Palma,  Michael Smiley,  Tom Hughes, Violaine Gillibert,  Stanislas Merhar,  Sue Cann,  Ariane Seguillon, Amélie Grace Zhurkin,  James Foley,  Brendan Patricks,  Tim Fellingham, Joséphine de La Baume,  Sonia Rolland
Productora LGM Cinéma SAS / Made in PM
Género Comedia. Drama | Comedia dramática. Sátira
Clasificación: + 9 años
Sinopsis Anne y Bob son un matrimonio de americanos que acaba de instalarse en París y han decidido celebrar una cena en la que reunir a miembros de la alta sociedad americana y parisina. Ella descubre en el último momento que el hijo del primer matrimonio de su marido también ha sido invitado, haciendo así que la cena tenga trece cubiertos. Por simple superstición, decide añadir un decimocuarto cubierto y le pide a su empleada doméstica María que se haga pasar por una rica española. Pero, el exceso de vino y una sugerente conversación hacen que María se encariñe accidentalmente con un marchante de arte inglés. Anne no aprueba este romance y tiene la firme intención de detenerlo. (FILMAFFINITY)


Yo creo que tú sabes... ¿Cómo era?
Típica comedia de enredos, pero que no por conocida no puede sacar sonrisas y alguna risita, Madame hace pie en las confusiones. El eje es precisamente cómo la mentira tiene repercusiones en unos y en otros personajes.
La base: una pareja de estadounidenses algo snobs y semidecadentes alquilan un caserón en París. Y Anne (Toni Collette) decide realizar una cena para reunir amigos e invitan algunos extranjeros. Son doce a la mesa, hasta que se autoinvita Steven, hijo de su marido Bob (Harvey Keitel) de un matrimonio anterior. Y ante el escozor que le provoca que sean 13 sentados a la mesa, le pide a una de sus mucamas, María (Rossy de Palma) que se haga pasar por una amiga española.
Por supuesto que las recomendaciones de Anne a María –que no hable, que no beba, que pase desapercibida- no se cumplen ni por asomo, y como Steven le dice a otro invitado, David, un dealer de obras de arte, que María es una condesa, éste empieza a acercarse y termina enamorándose.
El engaño en una pareja (los affaires de Anne y Bob) es una cosa, muy distinta al que realiza María. La confusión generalizada es que María cree que David –que está por autenticar si el Caravaggio que tienen colgado en una pared es obra del artista o es una falsificación- sabe cuál es su trabajo, y que él la ama igual.
Mejor directora de actores que dialoguista, la guionista y realizadora parisina Amanda Sthers deja que descansen en los hombros de sus intérpretes el peso de la película.
Y lo bien que hace. Es cierto que la australiana de Sexto sentido y la musa de Almodóvar están un escalón arriba que Keitel y el resto. Hay un duelo interpretativo que va más allá de la diferencia de clase social, la burguesa y la mucama.
Sin ser una comedia para destornillarse de la risa, Madame es un relato ameno, entretenido, que permite pasar una hora y media entre sonrisas.
Pablo O. Scholz en Clarín
Trailer: 

Matinee en vacaciones de setiembre...



lunes, 10 de septiembre de 2018

11 y 14set18: Yo soy Tonya


Resultado de imagen para yo soy tonya

Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis

Título original I, Tonya
Año 2017
Duración 121 min.
País Estados Unidos
Dirección Craig Gillespie
Guion Steven Rogers
Música Peter Nashel
Fotografía Nicolas Karakatsanis
Reparto Margot Robbie,  Sebastian Stan,  Allison Janney,  Caitlin Carver,  Julianne Nicholson, Bojana Novakovic,  Mckenna Grace,  Paul Walter Hauser,  Bobby Cannavale, Renah Gallagher,  Amy Fox,  Ricky Russert,  Jeffery Arseneau,  Bobby Akers, Suehyla El-Attar,  Kaleigh Brooke Clark,  Catherine Dyer,  Joshua Mikel,  Jason Davis
Productora Clubhouse Pictures / LuckyChap Entertainment / Neon / 30West / Ai Film
Género Drama. Comedia | Biográfico. Deporte. Patinaje sobre hielo. Años 90. Comedia negra
Calificación: + 15 años
Sinopsis Tonya Harding fue la primera patinadora estadounidense en completar, en 1991, un triple salto axel en competición. Pero el éxito sobre el hielo no siempre estuvo acompañado de felicidad en su vida personal. (FILMAFFINITY)

Premios 2017
Premios Oscar: Mejor actriz sec. (Janney). Nom. actriz (Robbie) y montaje
Festival de Toronto: 1ª finalista Mejor película
Globos de Oro: Mejor actriz de reparto (Allison Janney)
Premios BAFTA: Mejor actriz secundaria (Janney). 5 nominaciones
Premios Independent Spirit: Mejor actriz secundaria (Janney) y montaje
Premios Gotham: Nom. a Mejor película, Actriz (Robbie) y Premio del público
Critics Choice Awards: Mejor actriz - comedia (Robbie) y Actriz sec. (Janney)
Asociación de Críticos de Chicago: Nom. a Mejor actriz (Robbie) y Actriz sec.
Satellite Awards: Nom. a Mejor película, Actriz (Robbie) y Actriz sec. (Janney)
Sindicato de Productores (PGA): Nominada a Mejor película
Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guión original
Sindicato de Actores (SAG): Mejor actriz secundaria (Allison Janney)


Patinaje sobre fuego
No es que sea esencial ni mucho menos, pero esta crítica, por si hubiera lectores que aún no conozcan el hecho real al que se acerca la película, va a obviar el asombroso suceso que convirtió a Tonya Harding en una figura mediática y mundial, más allá de su anterior condición de figura del patinaje artístico, de evidente corto recorrido. Ese acontecimiento trágico es el que provoca la película y, sin embargo, los autores de Yo, Tonya, excelente biografía cinematográfica de la deportista estadounidense, han hecho algo sorprendente en el plano artístico, y felizmente arriesgado en el plano moral.
Primero, no basar su relato en aquel incidente; lograr que narrativamente mute en consecuencia de algo mucho más importante; ir de lo esencial a lo particular, del alimento para la combustión a la llama incendiaria. Segundo, transformar una tragedia en una comedia negra; o mejor, en una farsa, en una caricatura social que provoca la risa desvergonzada, que no siempre es realista pero que mantiene en todo momento una considerable cuota de credibilidad. Tercero, tener la valentía de convertir a una villana en una antiheroína. Y cuarto, asentar una aparente historia de odios y envidias, de venganzas y frustraciones, en algo mucho más interesante, en una reflexión sobre la lucha de clases en la sociedad contemporánea en general y en el deporte en particular.
Steven Rogers, en el guion, y Craig Gillespie, desde la dirección, hasta ahora lejos de una reputación intachable en libretos melifluos como Siempre queda el amor y Quédate a mi lado, y películas tan dispares como Lars y una chica de verdad y Noche de miedo, arriesgan con el tono y logran un triunfo de la creatividad. Lo hacen con sus entrevistas a cámara en formato de falso documental, acercándose así a los entresijos de la gloria y el poder desde el lado más idiota del sueño americano. Una esquina enmarcada en la risible y terrible figura de la madre, interpretada por la formidable Allison Janney. “Esto es América”.
Quizá la representación de la competición, mejorable en su aparataje digital y con la convencional compañía de la voz en off de un comentarista televisivo, no sea la parte más lograda de la película. Sin embargo, fuera de las pruebas deportivas, y con un material real que hubiese hecho salivar a los hermanos Coen de Fargo, Gillespie acompaña su puesta en escena y su montaje con estéticos efectos de sonido e imagen, canciones y congelados, que, sin llegar a ser maestros, están en la línea de las mejores películas de David O. Russell.
Tonya Harding, deportista de la estirpe de George Best y Dennis Rodman, de Jelena Dokic y Paul Gascoigne, fue una niña criada a tortas, reconvertida en esposa tratada a tortas, que nunca logró maquillar un origen social del que renegaba y del que estaba orgullosa. Y Margot Robbie, su mayúscula intérprete, lo resume en un plano frente al espejo que refleja esa imposible ambivalencia. Un momento deslumbrante de la lucha de una mujer consigo misma, y con las condiciones que la hundieron y, al tiempo, la hicieron mítica.
Javier Ocaña en El País de Madrid

Trailer:


martes, 4 de septiembre de 2018

04 y 07set18: Una mujer fantástica

Resultado de imagen para una mujer fantastica


Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis

Título original Una mujer fantástica
Año 2017
Duración 104 min.
País Chile
Dirección Sebastián Lelio
Guion Sebastián Lelio, Gonzalo Maza
Música Mathew Herbert
Fotografía Benjamín Echazarreta
Reparto Daniela Vega,  Francisco Reyes,  Luis Gnecco,  Aline Küppenheim,  Amparo Noguera, Alejandro Goic,  Antonia Zegers
Productora Coproducción Chile-España; Fabula / Komplizen Film / Setembro Cine
Género Drama | Transexualidad / transgénero
Clasificación: +12 años
Sinopsis Marina (Daniela Vega) una joven camarera aspirante a cantante y Orlando (Francisco Reyes), veinte años mayor, planean un futuro juntos. Tras una noche de fiesta, Marina lo lleva a urgencias, pero él muere al llegar al hospital. Ella debe entonces enfrentar las sospechas por su muerte. Su condición de mujer transexual supone para la familia de Orlando una completa aberración. Ella tendrá que luchar para convertirse en lo que es: una mujer fuerte, pasional... fantástica. (FILMAFFINITY)

Premios 2017
Premios Oscar: Mejor película de habla no inglesa
Festival de Berlín: Mejor guión
Globos de Oro: Nominada a Mejor película de habla no inglesa
Premios Goya: Mejor película hispanoamericana
Premios Independent Spirit: Mejor película extranjera
National Board of Review (NBR): Mejores películas extranjeras del año
Critics Choice Awards: Nominada a mejor película de habla no inglesa
Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a mejor película extranjera
Premios Ariel: Mejor película iberoamericana
Premios Fénix: Mejor película, dirección y actriz (Daniela Vega)
Festival de La Habana: Premio Coral Especial del Jurado y Mejor actriz (Vega)
Premios Platino: Mejor película, dirección, actriz (Vega), guion y montaje. 9 no

La ley de la desobediencia
Su protagonista es una transexual que, tras la muerte de su amado, emprenderá una batalla insistente y solitaria contra el entorno familiar para reclamar su derecho al duelo
El pulso entre el deseo y la ley define la esencia del melodrama contemporáneo, cuyos personajes centrales encuentran en la desobediencia el impulso para desencadenar el conflicto y, así, acceder al gesto heroico. Ya lejos de las claves del melodrama ejemplarizante, al otro lado del conflicto no aguarda necesariamente la tragedia, sino, en ocasiones, la emancipación y la conquista de una identidad. No debe de ser casual que el chileno Sebastián Lelio haya escogido el concepto de desobediencia para titular su primera incursión en el cine de habla inglesa: Disobedience, presentada en la última edición del festival de Toronto. Un título que le podía haber sentado tan bien a Gloria (2013) –su cuarto largometraje y su gran revelación internacional- como a esta Una mujer fantástica que, merecedora del premio al mejor guion en la Berlinale, llega ahora a nuestras pantallas.
En los tres casos, una misma constante: mujeres que desobedecen, que se rebelan contra el determinismo del rol social, los lenguajes impuestos y la tradición. En Gloria, Lelio mostraba a su protagonista en soledad, escuchando baladas románticas que esculpían la subjetividad femenina en modo de perpetua espera. Lo que le interesaba era el desajuste entre esos discursos sentimentales y la capacidad de su personaje para conjurarlos: Gloria acababa contando la historia de una mujer que se negaba a acomodarse al constructo social que dessexualiza y niega la gestión del placer a toda mujer (sola) de mediana edad. En Una mujer fantástica, Marina –una Daniela Vega que hace más que honor al título- es una transexual que, tras la muerte de su amado, emprenderá una batalla insistente y solitaria contra el entorno familiar de este para reclamar su derecho al duelo.
Lelio aborda su relato como un problema de lenguaje que se despliega en un doble nivel: por un lado, subraya que, para sus antagonistas y según determina el prejuicio, Marina forma parte del campo semántico de la marginalidad –nadie le hablará de afecto, pero la sospecha de, entre otras cosas, el consumo tóxico no tardará en manifestarse-; por otro, deja que la propia película se transexualice constantemente, oscilando entre el melodrama y el thriller, el realismo y el desvío onírico o la extravagancia musical, las arias y la música disco, Lavoe y Aretha Franklin. Una mujer fantástica prolonga con coherencia el discurso de Gloria, pero también es una película más imprevisible y desconcertante, aunque, sobre todo, libre y felizmente abrumadora.
Jordi Costa en El Pais de Madrid
Trailer:


Programación de setiembre '18.



lunes, 27 de agosto de 2018

28 y 31ago18: El bar

Resultado de imagen para el bar pelicula

Título original El bar
Año 2017
Duración 102 min.
País España
Dirección Álex de la Iglesia
Guion Álex de la Iglesia, Jorge Guerricaechevarría
Música Carlos Riera, Joan Valent
Fotografía Ángel Amorós
Reparto
Blanca Suárez,  Mario Casas,  Jaime Ordóñez,  Carmen Machi,  Secun De La Rosa, Terele Pávez,  Alejandro Awada,  Joaquín Climent,  Jordi Aguilar,  Diego Braguinsky, Mamen García
Productora Coproducción España-Argentina; Pokeepsie Films / Nadie es perfecto / Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA)
Género Thriller. Intriga. Comedia | Comedia negra
Clasificación: + 15 años
Sinopsis
9:00 horas. Un grupo de personas absolutamente heterogéneo desayuna en un bar en el centro de Madrid. Uno de ellos tiene prisa; al salir por la puerta recibe un disparo en la cabeza. Nadie se atreve a socorrerle. Están atrapados. (FILMAFFINITY)

Premios 2017-18
Premios Goya: Nominada a Mejor sonido
Festival de Málaga: Sección oficial largometrajes (Fuera de concurso)
Premios Sur: Nominada a mejor dirección artística, vestuario y maquillaje
Premios Feroz: 4 nominaciones, incluyendo Mejor actor sec. (Ordóñez)
Premios Platino: Nominada a mejor sonido

Los malos hábitos
Gran cantidad de españoles de pueblos, villas y las grandes urbes, (Madrid, donde transcurre esta historia), no ingieren el desayuno en su hogar. Lo hacen en el bar más próximo, o en otro que sea de su preferencia. Churros crocantes, mantecadas, polvorones y café con leche o chocolate; y hasta algun carajillo o directamente la copa de jerez, corren por las mesas –más bien escasas- y el muy concurrido mostrador.
Ese desayuno en el bar es pretexto para poner en funciones otro “deporte” de los hispanos: la conversación sobre cualquier asunto y acto seguido la discusión, que habrá de prolongarse con variada extensión. El bar del film, está presente en todo momento, pues allí se desarrolla el relato. Ese desayuno -alejado de los “burger” y “cafeterías” multinacionales para gente apurada- es el que en horas de la mañana da cabida a un grupo –no demasiado grande- de hombres y mujeres dispuestos a reñir amablemente con la otra mitad de los hombres y mujeres.
Semejante idiosincrasia, queda fuera del film de Alex de la Iglesia, ya que detenerse en ella convertiría a la realización en algo diferente a lo logrado. Esas líneas iniciales han definido precisamente a los allí presentes, cuyos personajes van a transitar los que parecen ser aires de comedia liviana, insertos en un film dramático.
En la esquina de ese bar, aparecerá el asesino sorpresivamente, iniciando una escalada de violencia. En este punto, y conocida la costumbre del realizador y colibretista de abundar en referentes cinematográficos, aquí pueden hallarse varios. El cine norteamericano ha ofrecido numerosos títulos que básicamente eran esto: un grupo de personas es secuestrado por uno o varios delincuentes. Las “citas fílmicas”, pueden ser un acertijo para espectadores dispuestos a aceptar ese juego. No obstante, el mayor referente se sitúa en el cine de la violencia, que el Hollywood contemporáneo ofrece desde distintos géneros (cine de gangsters, de denuncia, aventuras, comedias e incluso musical).
El cine de Alex de la Iglesia, puede atraer o provocar rechazo, difícilmente deje a alguien indiferente. El realizador se regocija en el tratamiento de situaciones trágicas, muy reales, con la conversión de estas en caricaturas: en tanto reflejen hechos reales deformados, en este caso con humor chirriante, acerca de situaciones dramáticas.
Con sus películas, De la Iglesia parece estar buscando una forma de llamar la atención sobre una sociedad a la que pulveriza. Con Humor, desde luego,
Álvaro Sanjurjo Toucon (Semanario Crónicas, 18/08/2017

Trailer: 










lunes, 20 de agosto de 2018

21 y 24ago18: El proyecto Florida

Proyecto Florida

Martes y viernes a las 20.00 horas. Entrada: $ 150, socios gratis.

Título original The Florida Project
Año 2017
Duración 115 min.
País Estados Unidos
Dirección Sean Baker
Guion Sean Baker, Chris Bergoch
Música Lorne Balfe
Fotografía Alexis Zabé
Reparto Brooklynn Prince,  Willem Dafoe,  Bria Vinaite,  Caleb Landry Jones,  Mela Murder, Valeria Cotto,  Christopher Rivera,  Macon Blair,  Sandy Kane,  Karren Karagulian, Lauren O'Quinn,  Giovanni Rodriguez,  Carl Bradfield,  Betty Jeune,  Cecilia Quinan, Andrew Romano,  Samantha Parisi,  Gary B. Gross
Productora Cre Film / Freestyle Picture Company / June Pictures. Distribuida por A24
Género Drama | Drama social. Infancia. Pobreza. Crisis económica 2008. Cine independiente USA
Clasificación: + 12 años
Sinopsis Una niña de 6 años y sus amigos pasan el verano en un pequeño motel muy próximo a Disneyworld, mientras sus padres y el resto de adultos que les rodean sufren aún los efectos de la crisis. (FILMAFFINITY)

Premios 2017
Premios Oscar: Nominada a mejor actor de reparto (Willem Dafoe)
Globos de Oro: Nominada a mejor actor de reparto (Willem Dafoe)
Premios BAFTA: Nominada a mejor actor secundario (Willem Dafoe)
National Board of Review (NBR): Mejores películas del año, actor sec. (Dafoe)
American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año
Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor director y actor sec. (Dafoe)
Críticos de Los Angeles: Mejor actor sec. (Dafoe) y 2ª mejor película
Premios Independent Spirit: Nominada a mejor película y director
Critics Choice Awards: Mejor intérprete joven (Brooklynn Prince)
Premios Gotham: Nom. mejor película, actor, nueva actriz y premio del público
Satellite Awards: Nominada a mejor director, guion original y actor sec. (Dafoe)
British Independent Film Awards (BIFA): Nom. a mejor pel. internacional indep.
Sindicato de Actores (SAG): Nominada a mejor actor secundario (Willem Dafoe)
Asociación de Críticos de Chicago: Mejor actor secundario (Dafoe). 5 nom.

Anti princesas
Sean Baker empezó a tener notoriedad internacional con Starlet, en la que narra una especialísima amistad entre una mujer de 85 años y una de 21. La película llama la atención por su libertad para contar los cuerpos femeninos, con una cámara que no tiene temor alguno a la cercanía y sigue las derivas de sus personajes con curiosidad contagiosa. Su siguiente película, Tangerine, fue una apuesta de producción muy inteligente porque fue realizada con tres Iphone 5, demostrando que con los nuevos medios digitales también se puede hacer un cine atractivo. La razón de que la película funcione increíblemente es porque sus medios técnicos son perfectamente funcionales a la historia que se cuenta: dos transexuales dan vueltas por las calles de Holly-wood intentando encontrar al novio proxeneta de una de ellas para resolver un triángulo amoroso. La textura de la imagen y el modo en que Baker relaja su necesidad de control y deja entrar el mundo real, filmando en locaciones reales, dejando improvisar fuertemente a sus actores y haciendo del contexto casi un personaje más, hacen que la película logre un tinte documental que, al presentar una historia callejera sobre los márgenes de la sociedad, construye una consistente verosimilitud, colaborando a que el espectador entre en el pacto de aceptar como cine de ficción un registro casi casero.
En su nueva película Baker demuestra que su lucidez para combinar medios técnicos, locaciones, actores y guiones no es para nada producto del azar o el impulso, sino de la conciencia de construir un cine con verdadera mirada de autor. Del mismo modo, no cede a la tentación que implica tener mucho dinero para producir (el éxito de Tangerine lo llevó a despreocuparse de conseguir la inversión necesaria para su siguiente película) y vuelve a elegir personajes marginales, en un contexto de pobreza y disfuncionalidad; perdedores en la escala del sistema de consumo pero portadores de una vitalidad que le resulta fascinante. Y dentro del territorio de ese borde, además, su preferencia es por las mujeres, por la vulnerabilidad de los cuerpos feminizados.
Proyecto Florida es la historia de una madre soltera, muy joven, que vive con su hija en un hotel de segunda para turistas, una especie de monoblock de color púrpura que se encuentra al lado del Magic Kingdom, el famoso parque de Disney que es tal vez el mayor ícono de la infancia burguesa de todo el mundo. Está filmada en hermoso 35 milímetros, llena de luminosidad y color, tiene un perfecto look de comedia juvenil. Dialoga en muchos sentidos con el cine de Wes Anderson, con su construcción supuestamente independiente pero híper estilizada e híper controlada de la imagen, donde nada se mueve un centímetro fuera de la planificación. Pero lo que en Anderson es dominio absoluto de lo que sucede, técnica perfecta, idea monolítica de la belleza y legitimación de un gran cine autoral, en Baker se convierte exactamente en lo contrario: todo lo que sucede en la pantalla sirve para poner en crisis el propio concepto de representación. Es 35 milímetros y hay un montón de colores, pero las imágenes perfectas y limpias de los centros comerciales, de los shoppings de peluchitos, de las heladerías simpáticas en edificios con forma de helado, de los plásticos en tonos pastel, se vuelven el contexto más opresivo imaginable. El género de película infantil “a lo Disney”, que cuenta las aventuras de niños y niñas en un verano, se convierte aquí en una pesadilla en tonos rosa y violeta, donde la soledad y el aislamiento de los adultos –esas madres tan jóvenes que están muy lejos de sentir la adultez burguesa como posibilidad– hacen que los niños corran peligros reales, tan tremendos como un incendio provocado por ellos. Sin embargo, la capacidad de divertirse y ser feliz en esa época única de la vida emerge con una contundencia y una libertad infinitamente mayores, justamente porque la infancia no es tratada como algo acartonado y previsible, capaz de mediatizarse en episodios ordenaditos con curvas emocionales definidas, sino como un universo de crecimiento caótico, complejo y completamente aleatorio, en el que a pesar de estar circunscriptos a contextos de marginalidad y pobreza, con falta de seguridad, de salud o de vivienda, con una exposición intensa a la violencia, la resiliencia humana de los niños encuentra un espacio para esa experiencia inefable que es el conocimiento y la experimentación del mundo que los rodea.
Proyecto Florida es una película sobre una madre y una hija, sobre los límites barrosos del amor. La actuación de Brooklyn Prince, esa niña que Baker filma como a un misterio infinito a ser desentrañado, es muy impresionante y también angustiante, porque su madurez nos interpela de un modo incómodo y extraño. Pero a mi entender el costado artístico más maravilloso de esta película es la actuación de Bria Vinaite en el papel de Halley, esa muchachita que Baker encontró por Instagram y que encarna a esa mamá casi adolescente a la que, sin idealización alguna, nos invita a mirar muy de cerca. Transitamos su desborde y sus imposibilidades pero también la complicidad con su hija –esa hijita que es casi hermana–, además de su vínculo con esa especie de padre también imposibilitado y frustrado que es William Dafoe. Ni el personaje del hotelero que encarna en la ficción, ni el gran actor consolidado que es Dafoe en la vida real –dos caras de la misma moneda en una película que constantemente está pensando la propia práctica cinematográfica– tienen nada para ofrecerles a esa madre y esa niña marginalizadas, tanto en la ficción como en el universo de representación de un mundo que no las piensa, que no las toma en cuenta, que las deja sistemáticamente fuera. Proyecto Florida reflexiona sobre el género y el capitalismo, sobre lo que significa ser madre soltera, joven y pobre, sobre lo que esconde una construcción de lo femenino que no toma en cuenta la realidad de esas jóvenes que nunca accederán al universo de los castillos mágicos y las princesas. Por eso Disney es el fuera de campo literal y constante, las familias turistas sacándose la foto, un mundo lleno de esas niñas domesticadas con madres ordenadas y pulcras que Halley y Monee jamás serán.
Soledad Castro Lazaroff en Brecha

Trailer:


lunes, 13 de agosto de 2018

14 y 17ago18: In search of Fellini


Resultado de imagen para in search of fellini

Título original In Search of Fellini
Año 2017
Duración 93 min.
País Estados Unidos
Dirección Taron Lexton
Guion Nancy Cartwright, Peter Kjenaas
Música David Campbell
Fotografía Kevin Garrison
Reparto Ksenia Solo,  Mary Lynn Rajskub,  Maria Bello,  Beth Riesgraf,  Barbara Bouchet, Andrea Osvárt,  David O'Donnell,  Kim Evans,  Michael Wiseman,  April Martucci, Mike Falkow,  Angela Nordeng,  Lorenzo Balducci,  Dan van Husen, Branislav R. Tatalovic,  Victoria Clare,  Laura Allen,  Emily Dahm,  Bruno Zanin
Productora Coproducción Estados Unidos-Italia; Cartwright Entertainment / TXL Films / United Pictures Group
Género Drama. Aventuras
Clasificación: +16
Sinopsis Una chica tímida de un pueblo de Ohio ama el cine, pero no le gusta la realidad. Un día descubre las películas de Federico Fellini y decide embarcarse en un viaje por Italia para encontrarle. (FILMAFFINITY)

Critica:
"En general, la producción es pulcra y los jóvenes soñadores que den con ella en algún estreno limitado seguramente la aprecien."  John DeFore: The Hollywood Reporter

"Un drama encantador sobre el amor al cine y la pasión juvenil"  Monica Castillo: The New York Times

"'In Search of Fellini' valora más las extravagancias de los personajes que la historia (...) Las imágenes son impresionantes" Katie Walsh: Los Angeles Times
Trailer:



sábado, 11 de agosto de 2018

Matinee 11 y 12ago18: Capitán Calzoncillos

Las aventuras del Capitán Calzoncillos: la película

Hora de comienzo: 14.30
Entrada: menores hasta 12 años $ 120, mayores $ 140. 
Sala del cine: Ramírez Nº 68.

Resumen
George y Harold son amigos y pasan sus días creando cómics y bromas. Un día, hipnotizan accidentalmente al director de su escuela, el Sr. Krupp, que a partir de entonces se cree que es el Capitán Calzoncillos, un superhéroe malhumorado cuyo traje consiste en ropa interior y una capa. Por si esto fuera poco, su nuevo maestro es un malvado científico vengativo. George, Harold y el Capitán Calzoncillos deberán unirse para frustrar su siniestro plan.

Trailer:

martes, 7 de agosto de 2018

07 y 10ago18: La forma del agua


Resultado de imagen para la forma del agua

Título original The Shape of Water
Año 2017
Duración 119 min.
País Estados Unidos
Dirección Guillermo del Toro
Guión Guillermo del Toro, Vanessa Taylor
Música Alexandre Desplat
Fotografía Dan Laustsen
Reparto Sally Hawkins,  Doug Jones,  Michael Shannon,  Octavia Spencer,  Richard Jenkins, Michael Stuhlbarg,  Lauren Lee Smith,  David Hewlett,  Nick Searcy,  Morgan Kelly, Dru Viergever,  Maxine Grossman,  Amanda Smith,  Cyndy Day,  Dave Reachill
Productora Bull Productions / Fox Searchlight
Género Fantástico. Drama. Romance. Thriller | Años 60
Clasificación: + 15 años
Sinopsis
En un inquietante laboratorio de alta seguridad, durante la Guerra Fría, se produce una conexión insólita entre dos mundos aparentemente alejados. La vida de la solitaria Elisa (Sally Hawkins), que trabaja como limpiadora en el laboratorio, cambia por completo cuando descubre un experimento clasificado como secreto: un hombre anfibio (Doug Jones) que se encuentra ahí recluido. (FILMAFFINITY)

Premios 2017
4 Premios Oscar: Mejor película, director, música y diseño de prod. 13 nom.
Festival de Venecia: León de Oro (Mejor película)
Globos de Oro: Mejor director y banda sonora original. 7 nominaciones
Premios BAFTA: 3 premios, incluyendo Mejor director. 12 nominaciones
American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año
Critics Choice Awards: Mejor película, director, dir. artística y banda sonora
Críticos de Los Angeles: Mejor director, actriz (Hawkins) y fotografía
Asociación de Críticos de Chicago: 7 nominaciones incluyendo mejor película
Satellite Awards: Mejor actriz ( Sally Hawkins). 10 nominaciones
Sindicato de Productores (PGA): Mejor película
Sindicato de Directores (DGA): Mejor director/película
Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guión original
Sindicato de Actores (SAG): Nom. mejor actriz (Hawkins) y actor sec. (Jenkin

Magia y compasión
En todo el cine de Guillermo del Toro, ese hombre adulto que nunca ha perdido la pasión y la fidelidad al cine, las historias, los personajes, los ambientes y las ensoñaciones que le fascinaron desde niño, existen convicciones que nacen en la infancia, aplicables al cine y a la vida. Los espectadores pequeñitos teníamos muy claro (y quiero pensar que a los actuales les ocurre lo mismo) que en cine existían los buenos y los malos y, por supuesto, desconocíamos el significado del maniqueísmo ni falta que nos hacía. Y ganaban los buenos. Posteriormente el cine y la vida te demostrarán que existe algo llamado matices, que además del blanco y el negro hay más colores, que son intercambiables, y que en el mundo real casi siempre vencen los malos.
Su cine sería siempre identificable aunque no apareciera la firma. Hay faunos enternecedores y dragones salvajes (algunos de ellos con apariencia humana), gente acorralada y sola que busca un refugio y que solo se lo proporcionará su imaginación, historias de terror conviviendo con una poética muy personal, un tono y una atmósfera que remiten a películas de otro tiempo.
Reconociendo la singularidad de su obra, sospechando que cada que vez que escribe y rueda siente un embeleso similar al de los críos con sus juguetes, que su relación con el cine viene marcada por el corazón, nunca por el mercenariado o la calculadora, que su huella es igual de poderosa y auténtica con los grandes presupuestos y con el posibilismo, ruede en México, en España o en Hollywood, hay películas suyas que me gustan mucho y otras menos. Hasta ahora, mis favoritas eran El laberinto del fauno y La cumbre escarlata. Con La forma del agua creo que ha logrado su obra maestra, en la que todo funciona. Me fascinan sus imágenes, me preocupa el presente y el futuro de sus atribulados personajes, me creo algo tan irrazonable como el romance (abarrotado audazmente de sexo en un presunto cuento de hadas) entre el sufriente monstruo anfibio y la muda que jamás perdió la pureza, me da mucho miedo el villano, me empapo sin esfuerzo de esa atmósfera tan insólita, me transmite emoción, sentimiento y magia. Y puedo entender ante la arriesgada y poética fabula que ha filmado Guillermo del Toro que determinados espectadores la encuentren irreal e incluso ridícula. Pero no estoy dispuesto a discutir con nadie sobre ello. O entras, o te quedas fuera. No hay términos medios con esta extraña película. En cualquier caso, no quiero imaginármela doblada.
Mi cuelgue es inmediato con esa protagonista tan poco glamurosa. No solo es muda. Tampoco es guapa. Se despierta en plena noche para ir a fregar y a limpiar en unos inquietantes laboratorios gubernamentales durante la Guerra Fría. Se masturba ritualmente en la bañera. Se dirige en un autobús muy triste a su rutinario trabajo. Pero no maldice su suerte ni reniega del mundo. No se siente sola ni desamparada. Sonríe mucho y llora poco. Porque hay dos personas tan perdidas como ella que son sus amigos, una compañera de trabajo que la protege y un anciano homosexual, artista y casi siempre desolado, al que ella cuida y mima. Le basta para seguir tirando. Esa perdedora también posee algo luminoso. Está dispuesta para embarcarse en la aventura más irracional, comenzar un amor con un monstruo que es mucho más humano que aquellos que le recluyeron y esclavizaron.
Esta película habla de la compasión, del calor que se pueden otorgar los marginados, de la capacidad de amar en las circunstancias más duras. Lo cuenta con un lenguaje visual admirable, retratando sensaciones.
Carlos Boyero en El país de Madrid

Trailer:



Programación de agosto '18






viernes, 3 de agosto de 2018

Matinee 04 y 05ago18: Benji

Benji
Hora de comienzo: 14.30
Entrada: menores hasta 12 años $ 120, mayores $ 140. 
Sala del cine: Ramírez Nº 68.

Resumen
Brandon Camp (Love Happens) escribe, dirige y produce este remake sobre el famoso perro Benji, un animal mestizo que vivía en las calles de Texas.
En su primera película el perrito se hace amigo de unos niños, que son secuestrados, así que Benji y otra perra callejera tendrán que buscar a más gente para rescatarlos.

Trailer: